100 bộ phim hay nhất của thập niên 90 năm 2022

Những bộ phim sitcom truyền hình thập niên 90 luôn mang tính biểu tượng và gợi cảm giác hoài cổ. Những loạt phim này đóng vai trò là nền tảng cho các bộ phim mới ngày nay nhờ vào cốt truyện độc đáo của chúng. Hãy cùng BlogAnChoi tổng hợp danh sách 10 bộ phim sitcom Âu Mỹ hay nhất những năm 1990 nhé!

1. Khắc tinh ma cà rồng

“Khắc tinh ma cà rồng” bắt đầu được phát sóng cách đây 20 năm và kéo dài từ năm 1997 đến năm 2003 và giành được 2 giải Primetime Emmys. Lúc đầu vai Xander Harris được giao cho Ryan Reynolds nhưng anh đã từ chối vì anh vừa tốt nghiệp trung học và nghĩ rằng chủ đề ma cà rồng sẽ là một khởi đầu tồi tệ khi khiến anh nhớ lại những năm trung học của mình. Cuối cùng vai này được đóng bởi Nicholas Brendon.

2. Frasier

“Frasier” là phim sitcom gia đình được phát sóng từ năm 1993 đến năm 2004 và đã giành được tới 37 giải Primetime Emmys.

Đội ngũ sản xuất đã chi gần 500.000 USD (khoảng 11 tỷ VND) cho nội thất trong căn hộ của Frasier. Đương nhiên không phải tất cả đồ đạc trong chương trình đều được mua đứt, một số chỉ là đồ thuê do chi phí quá cao.

3. Boy Meets World

Một trong những sitcom được yêu thích nhất và giành được nhiều giải thưởng nhất thập niên 90 là “Boy Meets World”.

Trong thời gian quay phim, dàn diễn viên trẻ cũng đang là học sinh ngoài đời. Danielle Fishel tiết lộ cô và các bạn diễn của mình đã vừa phải quay phim vừa tranh thủ thời gian rảnh trên phim trường để hoàn thành chương trình học với các giáo viên cá nhân.

4. All That

“All That” là một trong những bộ phim sitcon hay nhất của thập niên 90 và được phát sóng từ năm 1994 đến năm 2020. Emma Stone đã tham gia thử vai cho bộ phim này khi chỉ mới 12 tuổi, đáng tiếc là nữ diễn viên đã bị đánh trượt trong buổi casting.

5. Full House

“Full House” là sitcom theo chủ đề gia đình được phát sóng từ năm 1987 đến năm 1995. Hai chị em nổi tiếng nhà Olsen là Mary-Kate và Ashely Olsen cũng là hai trong số các diễn viên chính của phim.

Cặp song sinh nổi tiếng thử vai và được thuê vì không hề khóc trong lúc casting. Tuy nhiên khi quay phim thì hai chị em lại khóc nhiều đến mức suýt bị đuổi việc. Ngay cả những bạn diễn của họ cũng thừa nhận rằng quá trình quay phim cực kì khó khăn.

6. Friends

“Friends” là một trong những sitcom đình đám nhất của thập niên 90. Bộ phim bắt đầu vào năm 1994 và kéo dài đến tận năm 2004, giành được 6 giải Primetime Emmys và rất nhiều đề cử và giải thưởng khác.

Có một bí mật hậu trường thú vị là chẳng ai trong dàn diễn viên chính thích bài hát chủ đề nổi tiếng của phim cả. Jennifer Aniston nói rằng không ai thực sự thích bài hát chủ đề vì phần lời có chút “kì quặc”.

7. Sister, Sister

“Sister, Sister” là bộ phim sitcom kể về những cặp song sinh bị chia cắt khi mới sinh ra và đoàn tụ khi đã là những thiếu niên. Bộ phim kéo dài từ năm 1994 đến năm 1999, giành được một giải Primetime Emmy và nhiều đề cử khác.

Tia và Tamera Mowry là cặp song sinh ngoài đời thực, họ được phát hiện khi tới xem buổi ghi hình của sitcom Full House. Một nhà sản xuất đã tiếp cận họ và thế là bộ phim của riêng họ ra đời.

8. Mad About You

Được phát sóng từ năm 1992 đến 1999, “Mad About You” là một sitcom nổi tiếng có chủ đề hôn nhân và những thử thách trong hôn nhân. Chương trình này đã nhận được tới 12 đề cử Primetime Emmy và rất nhiều giải thưởng, đề cử khác.

Ban đầu tên của bộ phim không phải là Mad About You mà là Reiser hoặc The Paul Reiser Show. Nhưng các giám đốc điều hành không thích hai cái tên đó bởi đây là bộ phim nói về một cặp vợ chồng mà không phải chỉ tập trung vào người chồng, vì vậy tên phim đã được thay đổi vào mùa hè trước khi được công chiếu.

9. Seinfield

“Seinfield” được phát sóng từ năm 1989 đến 1998 và đã giành được tới 10 giải Primetime Emmys.

“Seinfield” kể về một diễn viên hài và bạn bè, họ đã tham gia nhiều cuộc phiêu lưu và phải đối mặt với đủ loại vấn đề. Hai đạo diễn của phim đã nảy ra ý tưởng này khi đang đi mua sắm ở một cửa hàng tạp hóa.

10. Melrose Place

“Melrose Place” được phát sóng từ năm 1992 đến năm 1999. Sitcom này có nội dung nói về một nhóm bạn sống trong khu chung cư Melrose Place ở Nam California. Một sự thật ít người biết là căn hộ trong phim có địa chỉ ở một nơi khác chứ không phải trên đường Melrose Ave.

Bạn có thể đọc thêm:

• 8 bộ phim Hàn Quốc chủ đề “từ kẻ thù tới người yêu” khiến khán giả “quắn quéo”!
• Top 23 bộ phim tiếng Tây Ban Nha hay nhất trên Netflix
• 5 lí do khiến bạn không thể bỏ qua siêu phẩm “Phi hồ ngoại truyện”

Theo thời gian biểu hiện tại của tái chế văn hóa, các hiện vật pop có xu hướng trông có vẻ mới nhất của chúng, không còn mới và mới, nhưng cũng chưa dễ dàng được nộp dưới dạng sản phẩm của thời gian của họ, từ 15 đến 20 năm sau khi nhận ra ban đầu. Điều đó trở nên rõ ràng một cách đau đớn khi đó, và điều này không nói cho phần còn lại của các nhà văn nghiêng, tôi đặt ra nhiệm vụ xem lại một số bộ phim của những năm 1990 mà tôi đã xem xét từ lâu Sắp bắt kịp một số bộ phim khác mà đồng nghiệp của tôi đã chứng thực. Ngoài hiệu ứng Hangover thập niên 80 còn sót lại, còn có một thực tế là một số bộ phim được yêu thích và có ảnh hưởng nhất của thập niên 90 đã giúp khởi động các xu hướng, trong những năm qua, đã bị cuốn vào sự sáo rỗng và khó chịu. Do đó, sự quen thuộc và thời cổ đại sớm tạo thành một bãi mìn làm cho việc xác định những bộ phim hay nhất tương tự cuối cùng của những bộ phim hay nhất.

Tuy nhiên, một lần sàng nhiều hơn thông qua các dịch vụ của thập kỷ, những điểm nổi bật của nó càng gây ngạc nhiên. Rốt cuộc, đây là thập kỷ trong thời gian đó, Terrence Malick đã phá vỡ kỳ nghỉ dài hai thập kỷ của mình từ việc làm phim, một kẻ chạy trốn chỉ có Stanley Kubrick đến gần với đối thủ, cả hai đều tạo ra Masterworks rất đáng để chờ đợi. Thập kỷ khi tất cả các loại điện ảnh phương Đông đã phá vỡ, từ các hỗn hợp Hồng Kông gợi cảm đến các hộp giải đố não Iran. Thập kỷ mà Robert Altman, Brian de Palma, Martin Scorsese, Woody Allen, David Cronenberg, Steven Spielberg, và những người khác đã đặt tên của họ trong làn sóng mới của Mỹ trong thập niên 70 đều mở rộng tầm nhìn của họ và xác nhận nghệ thuật của họ, ngay cả với tiếp theo Các nhà làm phim thế hệ như Gus Van Sant, David Fincher, Todd Haynes và Quentin Tarantino tất cả đều nằm sau gót chân của họ. Thập kỷ mà một sự kết hợp thương mại với một chương trình truyền hình đình đám cũng có lẽ là bộ phim phát hành rộng nhất, kỳ lạ nhất trong thời đại của nó (điều này sẽ khiến ai đó ngạc nhiên, không có ai, vì sự tham gia của David Lynch). Thập kỷ nhìn thấy một con lợn biết nói (babe) cạnh tranh với một người khác (Mel Gibson) cho bức ảnh đẹp nhất Oscar. Những năm 90 là tất cả những điều đó và vẫn tìm thấy chỗ cho Aleksandr Sokurov giữ một cảnh quan trong 40 phút, James Cameron phá vỡ trần nhà trị giá 100 triệu đô la, người theo dõi người Akerman, và ít nhất hai người vô chính phủ, nếu không hoàn toàn là người theo chủ nghĩa Marxist, phần tiếp theo để đánh phim cho trẻ em. Ngày? Thập kỷ này là Daft Punk. Eric Henderson

Biên tập viên Lưu ý: Bấm vào đây để biết danh sách các bộ phim xếp hạng 101. Click here for a list of the films that ranked 101—200.

100. Side/Walk/Shuttle

Máy ảnh. Thang máy. Thành phố. Ernie Gehr luôn thành thạo trong việc mở ra thế giới theo những cách đơn giản đáng ngạc nhiên, một đặc điểm mà anh chia sẻ với nhiều người bạn đồng hành của mình từ vương quốc của bộ phim cấu trúc (Michael Snow, Hollis Frampton, Paul Sharits, George Landow, v.v.): Vận tốc thanh thản tuyệt vời của anh ta, theo nghĩa đen, sản phẩm của một anh chàng di chuyển một chiếc máy ảnh xung quanh ở hành lang. Ở bên/đi bộ/đưa đón, anh ta đi đến thang máy thủy tinh gắn liền với khách sạn Fairmont của San Francisco và cưỡi 24 câu chuyện lên xuống, liên tục chuyển hướng của máy ảnh của anh ta để cung cấp hình ảnh của thành phố như một địa điểm thay đổi, được giải phóng khỏi trọng lực để sắp xếp lại chính nó trong perpetuum. Mặc dù trải nghiệm gợi cảm và cảm xúc của tất cả những quan điểm mới này là đủ để làm cho cuộc sống của một người trở nên phong phú hơn (cụm từ Giao hưởng Thành phố City dường như chưa bao giờ có nhiều điều như vậy có thể biết; Được viết ra, đó chỉ là một lời sáo rỗng, nhưng trải nghiệm xem Side/Walk/Shuttle rất khó quên đến nỗi Gehr có thể đã được phục vụ tốt hơn khi mượn một tiêu đề từ bộ phim San Francisco vĩ đại khác và gọi nó là Vertigo. Phil Coldiron

99. Sau đây ngọt ngào

Hãy đối mặt với nó: Trong tay của một đạo diễn nhỏ hơn, tiểu thuyết của Russell Banks về một vụ tai nạn xe buýt giết chết hầu hết trẻ em của một thị trấn nhỏ có thể được chơi cho melodrama khóc lóc, trong khi Atom Egoyan mang đến thẩm mỹ lạnh lẽo của anh ta để chịu đựng câu chuyện mùa đông này của sự khốn khổ. Bằng cách chia sẻ lại cốt truyện thành các khối xây dựng phi tuyến, Egoyan cho phép một sơ đồ vần điệu theo chủ đề và nguyên nhân từ từ xuất hiện, tương tự như việc sử dụng tái phát của Browning Piper Piper Piper như một bài thơ, do đó nâng vật liệu thành một thứ gì đó thực sự kỳ lạ và mới. " Chứng kiến ​​những cảnh mở đầu song song, cả hai đều có bản lề về sự yêu mến của cha Daddy: Trong lần đầu tiên, luật sư của Ian Holm, phải đối mặt với con gái nghiện của mình, bị lạm dụng, điều này liên tục gọi từ này như một lời chế nhạo mỉa mai. Cảnh thứ hai dường như mang lại sự ủng hộ hơn nhiều, nếu không phải là một cách tích cực, mối quan hệ giữa ca sĩ trẻ khao khát Nicole (Sarah Polley) và cha cô Sam (Tom McCamus), khi nó phát triển, mối quan hệ của họ là rắc rối hơn nhiều xuất hiện. Budd Wilkins

98. Người khổng lồ Iorn

Cho đến khi người khổng lồ sắt cổ tuyệt vời, Brad Bird đang hình dung các vũ trụ giàu hoài cổ giàu có trong điều tra dí dỏm và đạo đức. Hogarth, một đứa trẻ bám cà phê bị ám ảnh bởi B-Movie từ những năm 1950 Maine với một chiếc xe đạp Pee-Wee-Wee Herman, thấy những giấc mơ khoa học viễn tưởng của mình trở thành sự thật sau khi một vùng đất khổng lồ kim loại lớn ở quê nhà từ những điểm đến không rõ. Bird doesn có ý định bộ phim là câu chuyện ngụ ngôn của Chiến tranh Lạnh (những đứa trẻ ở trường một cách dứt khoát bỏ qua một bản tin đáng báo động về chiến tranh nguyên tử), nhưng như một bình luận về mối quan hệ về hậu quả đôi khi nguy hiểm của sự sợ hãi của chúng ta đối với người khác. Đêm chung kết thật đau lòng. Đối với trái tim, nó tan vỡ, nó nằm trong thông điệp được truyền tải bởi những vị trí kề nhau rất quan trọng và đăng ký cuộc sống. Bạn là những gì bạn chọn là, ông nói Hogarth trong một cảnh quan trọng, mà người khổng lồ trả lời, Hồi Hogarth. Người khổng lồ sắt là nhiều thứ, trên hết là một câu chuyện cổ tích thơ mộng về lòng tốt và tình bạn thiết yếu của chúng ta như một nghi thức hiệp thông. Ed Gonzalez

97. Santa Sangre

Múa rối và dương vật kết hợp với nhau trong thời trang không cười trong đạo diễn sùng bái Avant-Crude Alejandro Jodorowsky, bộ phim hài rùng rợn. Tinh nghịch đùa giỡn với khuôn mẫu Madhouse-as-Societal-Microcosm từ một người bay qua tổ ong Cuckoo và, công khai hơn, những kẻ lập dị biểu tượng của Tod Browning, Jodorowsky đánh đồng đến tuổi khi đi vào trạng thái điên rồ. Mặc dù Brat Fenix ​​lớn đã được đánh dấu từ rất sớm (theo kiểu đẫm máu dữ dội) với hình xăm của cha mình, tâm hồn anh vẫn bị trói buộc và phục vụ ý chí của người mẹ sùng đạo quỷ dữ của anh, người đầu trong bộ phim mất đi vòng tay của cô trong một vòng tay trong một cuộc Hành động của sự tử vì đạo dường như tự kích thích. Cuộc xung đột rơi nước mắt với sự trung thành của anh ta, và đưa bộ phim xuống với anh ta. Santa Sangre, đôi khi cho thấy Fellini dàn dựng một cú đánh chặn ảo giác, không để lại sự hiệp thông nào không được mô tả trong sự miêu tả về đức tin điên rồ, ngu ngốc. Rằng đạo diễn đã chọn hai đứa con trai của mình để đóng vai nhân vật trung tâm bị tra tấn của bộ phim sẽ thậm chí còn có Freud nhìn xuống hộp bỏng ngô của mình. Henderson

96. Bữa trưa khỏa thân

Bất cứ ai đã phân loại bữa trưa khỏa thân của William S. Burroughs là một người không thể tin được rõ ràng không có David Cronenberg trong tâm trí khi họ đọc nó, bởi vì nguyên liệu thô của Gonzo Epic đó không thể tăng thêm con hẻm của mình: Bug Powder, Talk Các bác sĩ tàn bạo, cực khoái kiêm-máu, nói chuyện lỗ đít, nguồn cung cấp heroin, trẻ em xem với sự tò mò tốt nhất khi là thịt giật trong lửa với sự đau đớn của côn trùng, Cái nhìn sâu sắc của Freud và một chút dân gian William nói với sự vĩ đại. Và vì vậy, Cronenberg, một cách tự nhiên, đã phá vỡ toàn bộ sự việc ngoài bên trong, biến một chuyến đi qua tâm trí của những chiếc burrough thành một bộ phim tiểu sử xiên về anh ta, đưa tác giả vào văn bản và để anh ta chạy hoang dã. Bộ phim lấy các biểu tượng và từ ngữ và nhân vật từ tiểu thuyết và tưởng tượng các hệ quả thực tế thực tế, rút ​​ra một dòng từ ảo giác gây ra bởi ma túy đến thứ trần tục tạo ra nó. Calum Marsh

95. Mây trôi

Thế giới điện ảnh của Aki Kaurismäki, giống như bất kỳ auteur thực sự nào, ngay lập tức có thể nhận ra: được truyền tải với một sự hài hước chết người gần như cân bằng một thế giới quan hoài nghi, các bộ phim của anh đứng với những người cứng nhắc của Phần Lan (những người dễ bị cứng nhắc Bối cảnh đầy màu sắc, hơi askew. Những đám mây trôi dạt, một câu chuyện cô đọng, đơn giản về một cặp vợ chồng thất nghiệp đang vật lộn để tìm việc, là một sự chưng cất tốt về sự nhạy cảm này, đáng chú ý là một trong những bộ phim hay nhất và dễ tiếp cận nhất của Kaurismäki. Mặc dù cặp vợ chồng, được Kati Outinen và Kari Väänänen thủ vai mạnh mẽ, thấy mình bị cuốn vào hoàn cảnh lạc hậu, và bộ phim dành riêng cho Matti Pellonpää, một người thường xuyên đã chết trước khi sản xuất Đứa trẻ đã chết), Kaurismäki giữ cho bộ phim thương tiếc của mình nổi bật với sự hài hước. Khi nhân vật người chồng không hài lòng của Väänänen, yêu cầu trả lại tiền của mình cho một bộ phim mà anh ta không thích, anh ta đã nhắc nhở rằng anh ta không chỉ không trả tiền cho nó, anh ta cần phải nhặt con chó của mình từ gian hàng. Giống như Chaplin trước anh ta, Kaurismäki sử dụng loại hài hước buồn bã này không chỉ để cười nhạo những bản nhạc kinh tế, mà còn là thuốc chữa bách bệnh cho cuộc sống. Kalvin Henely

94. Point Break

Embracing and crystallizing countless macho-genre tropes in a way that’s simultaneously amusing and awesome, Kathryn Bigelow’s Point Break provides the same type of high-octane thrills sought by its story’s crew of president mask-wearing, extreme sports-loving bank robbers. Those villains are led by Patrick Swayze’s Bodhi, a surfer guru whose new age-y ethos (and long, flowing blond locks) are so inviting that even former football star turned undercover cop Johnny Utah (Keanu Reeves)—sporting, without question, the best protagonist name in the history of action cinema—can’t fully resist his charm. Throw in Gary Busey as Utah’s sidekick, Lori Petty as the girl that woos Utah, and a host of robbery, skydiving, and wave-riding sequences that Bigelow helms with clean, forceful vigor, and it’s a film whose sillier elements find a way to coexist with its legitimately kick-ass action—never more so than in a superb foot chase through back alleys that concludes with an unsuccessful Utah firing his gun into the air and screaming in inadvertently hilarious frustration. Nick Schager

93. Babe: Pig in the City

The success of Babe was unprecedented, not unlike its own central underdog character, but the audiences that flocked to the charming original couldn’t seem to take George Miller’s brilliant, twisted sequel. Drunk on more than a little of the then-brewing pre-millennium tension, 1998’s Babe: Pig in the City carries its predecessor’s torch into darker, quixotic territories, bursting at the seams with folkloric witticism and hellzapoppin’ imagery. Babe the sheep-herding pig must conquer the slings and arrows of the titular everycity (complete with the Statue of Liberty, the Hollywood sign, and the Sydney Opera House) when the bank threatens to take away his beloved farm, located as it is, “just a little to the left of the 20th century.” Singing mice and a noble, quotable duck are the most memorable of the film’s Homeric cast of outcast animals, and throughout their alternately delightful and frightful adventures, there’s no shortage of insight into life’s hardships and joys. Rob Humanick

92. Princess Mononoke

Hayao Miyazaki’s Princess Mononoke is many things: fantasy, action adventure, a cautionary tale about man’s relationship with nature. But above all else, it’s a work of stunning visual artistry. The masterful Studio Ghilbi director’s 1997 animated film is awash in amazing sights, none greater than that of the Boar God, a creature whose skin is a tangled, flowing coil of serpents, and whose grip on hero Ashitaka’s arm injures him so badly that he must seek help in a deep forest where man, and his industrial revolution, seek to destroy the lands overseen by the titular princess, raised by a regal wolf god. Environmental desecration and the transition from a mystical fairy-tale past to a modern future underscore the action, but none of those themes would resonate nearly as strongly as they do were it not for Miyazaki’s visuals, which meld expressive facial features and complex CG-enhanced details to create a wholly unique and mesmerizing vision of wonders far beyond the scope of the rational world. Schager

91. The Addiction

In The Addiction, Christopher Walken stars as a withered version of his drug lord from King of New York, a vampire king with all the knowledge in the world, but little power. His infection is political and personal awareness and Kathleen (Lili Taylor) takes to it with fear, then resistance, and finally rapture. She’s a foot soldier, helping to build an army with other HBO Stars of Tomorrow in order to preserve the integrity of a Big Apple that had more personality when it was a little more rotten. This stealth, beguiling creature of a film—so alternately jejune, funny, and scary—teems with big ideas about cultural and personal malaise. Through the film, Abel Ferrara extends a great line from one of Smashing Pumpkins’ most popular songs, released that very same year: “The world is a vampire, sent to drain.” The song’s title, “Bullet with Butterfly Wings,” like the movie, combines poetry and violence. A political song, a political movie—perhaps the most fabulously serpentine political one of Ferrara’s career, a quivering nexus of AIDS allegory, identity crisis, historical unease, and socio-economic panic. It’s a small world after all, but Ferrara’s is becoming the smallest of all. Keep it alive, by any means possible. Gonzalez

90. A Perfect World

Clint Eastwood’s films overflow with violence and trauma, and none are as emotionally devastating as A Perfect World. This 1960s-set road film about two convicts who kidnap an eight-year-old boy during a daring escape is essentially a tale of paternal connections made and torn apart. Throughout, Eastwood fixates on the nature of evolving relationships, none more heartbreaking than the bond that develops between the charming and volatile murderer Butch (Kevin Costner) and his sheltered young hostage, Phillip (T.J. Lowther). Their short but potent time together spent evading lawmen on the backroads of Northwest Texas is full of striking moments stretched out to convey the young boy’s impressionable and incredibly lucid perspective. Eastwood allows his two leads the necessary space and time to develop a wonderfully complex chemistry, one forged through the power of shared subjective experience. This is a sundrenched Americana made up of conflicted men trying to be good fathers, and naïve boys desperate to be devoted sons, if only they were offered the chance. Glenn Heath Jr.

89. Nouvelle mơ hồ

Sau năm 1968, tác phẩm của Jean-Luc Godard, trở thành một mạng lưới rối rắm của những ám chỉ điện ảnh, chính trị, tôn giáo và thẩm mỹ, các thánh đường tự phản xạ nói bằng một cái lưỡi được phát minh và cho rằng chỉ được hiểu bởi chính đạo diễn. Về phần mình, Nouvelle mơ hồ đứng ở hoặc gần đỉnh cao của thời kỳ trưởng thành của Godard, kéo dài một chuỗi có lẽ vô ý khi bắt đầu mỗi thập kỷ mới với một công việc tiết lộ theo chủ đề hữu ích, một chiến thuật mà anh ta có xu hướng dành nhiều năm vào các khám phá âm thanh/trực quan siêu nhạy cảm. Được quay vào và xung quanh vùng nông thôn Thụy Sĩ mà anh gọi là nhà, bộ phim rất phong phú và kịch tính theo cách phù hợp với nguồn gốc cá nhân hóa của nó. Rõ ràng là một mô tả về các giao dịch ngầm của xã hội tư sản và đặc biệt, một phụ nữ trẻ bị ám ảnh bởi bóng ma của một người đàn ông mà cô ấy có thể đã từng giết, bộ phim sử dụng những cái bẫy khá thông thường này như một phương tiện để giảm lời kể cho một văn bản cơ sở, mà trong trường hợp này lên tới một mạng lưới nội suy văn học. Nouvelle mơ hồ, sau đó, có thể là một ngôn ngữ được mã hóa, nhưng nó là một sự nhận thức đẹp và đẹp của một nghệ sĩ đã thu hút quá khứ và tương lai không chắc chắn, một làn sóng mới của riêng mình. Jordan Cronk

88. La Cérémonie

Điểm nổi bật của sự nghiệp muộn màng của Claude Chabrol, La Cérémonie là một phim kinh dị lạnh lẽo, lạnh lùng mà gần như hoàn hảo trong mọi vấn đề. Câu chuyện, dựa trên cuốn tiểu thuyết của Ruth Rendell Agnession in Stone, đã thiết lập những căng thẳng giai cấp ngày càng khó chịu khiến một gia đình giàu có chống lại người giúp việc mới của họ, Sophie (Sandrine Bonaire), và người bạn mới của cô, Jeanne (Isabelle Huppert), một nhân viên bưu chính Gia đình không tin tưởng. Nhờ các buổi biểu diễn xuất sắc và một kịch bản bậc thầy mà Chabrol đồng sáng tác với nhà tâm lý học Caroline Eliacheff, La Cérémonie cho chúng ta những nhân vật khó nắm bắt nhưng dù sao cũng dễ hiểu; Trong trường hợp không có chi tiết về khả năng phạm tội của Sophie và Jeanne, liên quan đến nền tảng giết người của họ, chúng tôi vẫn cảm thấy như thể chúng tôi có thể quyết định về họ. Không có thứ hai là lãng phí: mọi dòng, cảnh, đối tượng và biểu hiện đều có ý nghĩa kể chuyện, kết nối với một thứ khác hoặc thêm ẩn ý (sự khác biệt trong cách các nhân vật xem TV nói lên nhiều điều về vị trí của họ trên thế giới). Minh họa cho sự kết nối này là một trong những dòng hay nhất của La Cérémonie, một loại truyện tranh đen và đôi mỉa mai mỉa mai khi bạn xem xét bộ phim Bolial Finale. Sau khi một linh mục mắng Jeanne cho hành vi độc ác tại nhà của một nhà tài trợ quần áo, cô ấy hỏi, Bạn có muốn sự giúp đỡ của chúng tôi không? Mà linh mục trả lời, có lẽ bạn sẽ nhận được sự giúp đỡ. HEMELY

87. Lịch

Lặp đi lặp lại theo thiết kế, phim buồng có cấu trúc chính xác của Atom Egoyan, có một hiến pháp thử nghiệm nhưng một trái tim lãng mạn, được đặt là một ống dẫn trực tiếp cho nỗi đau mất mát. Chơi trên 74 phút kinh tế, nó nhảy giữa hai phần bị chia rẽ riêng biệt: 12 cảnh được đặt giữa sự lộng lẫy yên tĩnh của vùng nông thôn Armenia, xen kẽ với 12 đặt bên trong căn hộ chật chội của nhân vật chính không tên (do Egoyan thủ vai). Sử dụng một máy ảnh tĩnh, bộ phim phụ thuộc hoàn toàn vào vị trí của người và đối tượng trong Tableaux được xác định cẩn thận của nó. Trong các chuỗi Armenia, một hướng dẫn tán tỉnh xúi giục sự rạn nứt đang phát triển giữa nhân vật Egoyan, và vợ anh ta khi anh ta làm việc trong một cảnh quay lịch của các nhà thờ cũ. Trong các cảnh gia đình, ngày ăn tối với hàng tá phụ nữ bị phá hoại bởi sự can thiệp của một chiếc điện thoại có vị trí thuận tiện và một số tin nhắn máy trả lời bất tiện, một kịch bản phát triển gay gắt hơn thông qua sự lặp lại. Tưởng tượng cả lịch sử quốc gia và cá nhân là những bóng ma không thể giải thích được ảnh hưởng rõ rệt đến cuộc sống hiện tại của chúng ta, Lịch là một cuộc điều tra rõ ràng về quá khứ của quá khứ. Jesse Cataldo

86. Tiếng nói tâm linh

Có lẽ chỉ có một số ít các bộ phim tuyệt vời ban đầu được làm cho truyền hình và tiếng nói tâm linh, Nhật ký chiến tranh kéo dài năm giờ của Aleksandandr Sokurov từ khi anh ta đóng quân với quân đội Nga tại biên giới Tajikistan-Afghanistan, nằm trong liên minh đó Những người khổng lồ cũng bao gồm histoire (s) du cinéma và decalogue. Những tin tưởng thơ ca này, được bắn vào beta sp sepia, có thể bị tấp nập một cách uể oải và chứa đầy các hoạt động buồn tẻ của những người lính bị cô lập, nhưng nó lại với một sự ngạc nhiên của nghệ sĩ. Nếu bạn có thể điều chỉnh bước sóng của Sokurov, mà anh ấy đã kiểm tra bạn ngay từ đầu với một cảnh quay có vẻ không liên quan, không liên quan đến một cảnh quan tuyết rơi vào Mozart, giọng nói tâm linh là một trải nghiệm đầy mê hoặc, một người đẹp đẽ Cách của bộ phim Khả năng kỳ lạ của bộ phim để khiến bạn cảm thấy như thể bạn thực sự ra khỏi các yếu tố, cảm giác đáng sợ đôi khi rằng mối nguy hiểm thực sự sắp xảy ra. HEMELY

85. Abraham’s Valley

Portuguese auteur Manoel de Oliveira has the market cornered on impossibly old men who are even more impossibly still gainfully employed. It helps that his films are breathtakingly beautiful, puckishly challenging (bordering, for some viewers, on hermetic), and imbued with a personality that overwhelms even as it’s applied with genteel nonchalance. The three-hour-plus Abraham’s Valley locates these contradictions at a busy crossroads between Flaubert (the script is adapted from a Agustina Bessa-Luís novel, itself a riff on Madame Bovary), Bresson, and Max Ophüls—with more than a faint nod in the direction of Buñuel’s anarchic parting shots. Weaving a tragic tale of a woman who’s too beautiful for this world, the caustic l’amour fou wafts along by way of the film’s stately grace; eroticism bubbles acidly beneath the correct, dignified surface like a boner at a funeral, beholden to no civilized decorum dreamt of by modern man. Jaime N. Christley

84. Gremlins 2: The New Batch

After rampaging through the American dream in his original Gremlins, Joe Dante set his cartoon anarchists free in the headquarters of a multinational corporation for the sequel. While the first film’s creatures functioned as, per Jonathan Rosenbaum, “a free-floating metaphor,” here they’re explicitly the giddy vengeance of the disenfranchised: Their introduction into Clamp Tower is the indirect result of the corporation’s tacky Chinatown development project. Dante, as ever, spins off from this central conceit to poke fun at everything in sight, from Turner and Trump (embodied in Daniel Clamp, with his insatiable hunger for real-estate development and colorized classic films) to narrative convention (the film ceases to even make an effort at plotting following a brief reflexive interlude in which the Gremlins break the projector and Hulk Hogan pops up to scare them into restarting the show) to himself (there are multiple discussions of the completely illogical rules for the Mogwai laid out by Gremlins). While Dante may have made more conceptually and formally audacious films in the ’90s, Gremlins 2: The New Batch is still filmmaking that’s as smart as it is fun. Coldiron

83. The Last of the Mohicans

Considering Michael Mann’s recent decade-long foray into the realm of frenetic digital filmmaking, it’s easy to forget the director once specialized in sweeping genre spectacles like The Last of the Mohicans. Mann’s ravishingly kinetic and romantic adaptation of the classic James Fenimore Cooper novel envisions the dawn of American democracy in a deeply felt love affair between an embattled British woman (Madeline Stowe) and a colonial backwoodsman (Daniel Day-Lewis) raised to manhood by a Mohican father. Their burgeoning relationship develops within the context of the bloody French and Indian War of 1757, a volatile and dirty conflict that spawned the rise of guerilla warfare in the new world. Mann’s precise battle sequences begin in epic long shot, only to cut in closer to the carnage with each tomahawk swipe and musket shot. The close-contact action is always swept along by the film’s beautifully fluid score, which feels elementally connected to the dense forests and rolling hills of the Hudson River Valley. It all leads to a profound and deeply cinematic climax during which two characters’ devastating mutual sacrifice feels like the birth of a nation, and the demise of something far more spiritual. Heath Jr.

82. Glengarry Glen Ross

It looks as though the unforgiving top-down system of quotas and steak knives and deadbeat leads has chewed up these tired and ever-weary salesman, ready to spit them out after years of dedicated service, all because, in the immortal words of Alec Baldwin’s brass-balled inspirational speaker, “a loser is a loser,” but the joke is that some guys just can’t cut it. The waft of desperation hangs around Jack Lemmon’s has-been schleper of land, permeating every word of his pitch, that affected put-on smile and plasticised ’50s charm almost painful to endure. But through the torrents of rain outside and Mamet-speak inside there are glimmers of light and vitality and talent: Witness Pacino, the poet laureate of sales-speak, as he zeroes in on his mark, the grace of the approach a thing of beauty. It’s a con, but we’re drawn to it for the same reason we find all cons seductive: The game, when played well, is an appreciable art. And we love to see people lose. Marsh

81. Central Park

The variety and sweep of pre-Giuliani New York are on vivid display in Frederick Wiseman’s documentary via the microcosm of the eponymous expanse. One of a handful of essential films shot or released in the late ’80s and early ’90s that take the city’s evolution from drug-addled, subculture-rife urban sphere to obsessively regulated, Middle America-friendly metropolis as either text or subtext, Wiseman’s film deserves to be considered the quintessential New York movie of its moment—or perhaps any moment. Communists hold rallies in the park, an eccentric man teaches Shakespearean elocution, people roller skate, while in nearby buildings the Central Park Conservancy discusses how to regulate bike-riding and local residents weigh the merits of building a new tennis clubhouse. The conclusions are inescapable, though in Wiseman’s continued refusal of explicit authorial commentary, they’re left for the viewer to stumble across on his or her own. The changing conception of the city may make things more cosmetic and safer, but it threatens to efface the unique vibrancy of the town that is the film’s true subject and which has its glorious moment, in all its diversity and wonder, across the three unforgettable hours of Wiseman’s masterpiece. Andrew Schenker

80. Rosetta

Để xem các bộ phim của anh em Dardenne là làm chứng. Một cách phù hợp, sau đó, sự tiếp nhận lễ hội và phê bình đáng kinh ngạc của Rosetta, là bộ phim Stark Stark miêu tả của một xã hội bóc lột đã buộc người dân Bỉ phải thông qua một luật mới đảm bảo trả lương cho trẻ vị thành niên có việc làm. Émilie Dequenne là Rosetta, trên bề mặt, một cô gái trẻ đang cố gắng đáp ứng trách nhiệm tài chính của mình, khao khát tự do khỏi người mẹ nghiện rượu lăng nhăng, nhưng cô ấy thực sự là một lực lượng tự nhiên đấu tranh chống lại các rào cản và không thấy được. Việc mở cửa đột ngột thấy cô phản ứng với sự bất công của thất nghiệp mới phát hiện với cơn thịnh nộ của trẻ sơ sinh, một sự tương phản rõ rệt với sự đau lòng sau đó khi nhìn cô giữ đầu cao mặc dù sự tàn ác tình cờ ném vào cô. Anh em nhà Dardenne là những người đứng đầu về chủ nghĩa nhân văn thô và không được lọc trên màn ảnh, và ở Rosetta, họ có thể đã tìm thấy đèn hiệu vĩ đại nhất của họ. Bộ phim có thể tránh được biểu tượng Kitô giáo rõ ràng, nhưng có một thứ gì đó thực sự tôn giáo trong Rosetta, Stark Stark miêu tả sự phục sinh không ngừng. Con người

79. Những kẻ âm mưu của niềm vui

Gần một thập kỷ trước khi John Waters cho phép tất cả đi chơi để che giấu một cách đáng ngạc nhiên, bình thường hóa hiệu ứng trong sự xấu hổ bẩn thỉu của anh ta Mâché đóng vai trò gia cầm để nén bánh mì vào các viên và sau đó khịt mũi chúng như cocaine thông qua một bộ ống khổng lồ. Bỏ qua các ẩn ý chính trị (thực sự, những kẻ thủ dâm của bộ phim điên cuồng, thực sự là những kẻ âm mưu của Hồi giáo theo một nghĩa nào đó), đây là khu vực erogenous được mô tả như một loại thung lũng kỳ lạ, nơi mọi tiếng bùn, liếm và rên rỉ đều có thể nhận ra Flung từ bối cảnh bình thường của nó, và tất nhiên, thủ dâm là gì nhưng tình dục không có bối cảnh? Không còn nghi ngờ gì nữa, nhiều người xem sẽ tìm thấy Švankmajer, đã đánh dấu vào phía xa của kẻ thù okcupid của họ, nhưng đối với những người trong chúng ta coi tình dục là cả sự tồn tại của con người. Henderson

78. La Belle Noiseuse

Trong sự nghiệp bao gồm hầu như chỉ các tác phẩm đánh thuế cao và đòi hỏi, La Belle Noiseuse sẽ được chứng minh một cách nghịch lý là bộ phim ngay lập tức và dễ tiếp cận nhất của Jacques Rivette, một sự phát triển mạnh mẽ trong bốn giờ của cảm xúc sôi động và phúc lành nghệ thuật. Ngay lập tức là một lễ kỷ niệm tình yêu của nghệ thuật và nghệ thuật tình yêu, bộ phim khám phá trong thời trang đơn giản bắt giữ một loạt các vụ vỡ giữa các cá nhân bị kích động bởi một quyết định duy nhất, khác vô hại. Khi Marianne được bạn trai tình nguyện tạo dáng cho một họa sĩ già, đáng kính, sự miễn cưỡng ban đầu của cô tạm thời giảm bớt bởi bạn bè và người quen trước khi một loạt các chuỗi mô hình mở rộng chuyển từ sự căng thẳng không nói lên thành màn dạo đầu tâm lý (tôi muốn mọi thứ. Lửa, băng. Tất cả những gì trong cơ thể bạn, tôi muốn người vô hình) từ bi và ảnh hưởng sâu sắc đến sự cảm thông tâm linh giữa nghệ sĩ và chủ đề. Rivette giai đoạn những đoạn này với một bệnh nhân, liên lạc tôn kính, cho phép ham muốn nghiền ngẫm trong khi các mối quan hệ bên ngoài căng thẳng từ xung đột không lường trước được. Một tác phẩm vô duyên, lặng lẽ tan vỡ, La Belle Noiseuse xem xét niềm đam mê ở cấp độ nghệ thuật, mang lại niềm đam mê như lâu dài cho các nhân vật của nó và họ dành cho khán giả của nó. Cronk

77. tồn tại

tồn tại trả lời những lo lắng vô cảm của Xbox thế hệ theo những cách tương tự như cách mà videodrom ảnh hưởng đến những người được cai sữa trên truyền hình cáp: một câu chuyện ngụ ngôn đen tối về những thú vui và nỗi đau của giao diện truyền thông. Như tiêu đề chỉ ra, nó cũng không chính xác là thiết lập sự tương đồng rõ ràng về trò chơi = cuộc sống. Chưa kể, Cronenberg hoàn thành toàn bộ cấp độ của câu chuyện thực tế của người Hồi giáo với sự bất thường hơn nhiều so với 1999, các bộ phim khoa học viễn tưởng khác, ma trận, và với nhiều viên đạn hơn nhiều. Cronenberg từ lâu đã trở thành một bậc thầy trong việc xây dựng các cảnh không có một chút (đối thoại theo phong cách, ảnh hưởng không ảnh hưởng Có thể hoàn toàn chắc chắn nơi mô phỏng kết thúc và cái gọi là thực tế bắt đầu. Cronenberg cũng vui vẻ làm tăng yếu tố ick, ngay cả khi tồn tại tương đối nhẹ trên Gore: những điểm nổi bật bao gồm Jennifer Jason Leigh Lascively Tonging Jude Law của Jude Law. Gun Gun trong khi nuốt một đĩa chứa đầy xù xù. Wilkins

76. Màu xanh

Blue là mục tốt nhất trong Krzysztof Kieślowski, ba bộ ba màu sắc, và không chỉ vì nó có hiệu suất ảnh hưởng điển hình từ Juliette Binoche. . Liberty: Julie của Binoche bị tê liệt về mặt cảm xúc sau cái chết của chồng cô ấy, và những lời nói đột ngột đi kèm với những khoảnh khắc quan trọng đóng vai trò như một tiếng gọi thức mà chỉ chúng ta mới có thể nghe thấy. Khi tập trung vào xung đột nội thất như vậy, Kieślowski quản lý để làm cho những gì có thể cảm thấy như kể chuyện của em bé bước vào một giọt nước mắt ở đây, một biểu hiện ở đó, đi qua như những bước nhảy vọt. Michael Nordine

75. Danh sách Schindler từ

Tôi hiểu những người hoài nghi và những người không tán thành. Tôi nghe Jean-Luc Godard cáo buộc Steven Spielberg cố gắng xây dựng lại Auschwitz và Jonathan Rosenbaum (người đã đưa bộ phim vào danh sách năm 1993 của anh ấy) gọi nó là một phim hoạt hình và bỏ qua nó trong mọi cơ hội. Những lá cờ đỏ tương tự xuất hiện đối với tôi như họ làm đối với hầu hết mọi người: những người tôi có thể đã làm được nhiều hơn, một số người bị ép buộc giữa Liam Neeson và Ben Kingsley, Wink Schindler cho Stern sau khi đi vào một kho hàng Đầy đủ các công nhân Do Thái và súng máy phát xít, v.v. Nhưng câu chuyện đáng kinh ngạc này được chuyển đổi thành siêu phàm bởi người quay phim và nhịp điệu. Đó là một diện mạo mới rất nhiều cho Spielberg vào thời điểm đó, và, trong khi nhà quay phim Janusz Kamiński mượn từ các bậc thầy lớn tuổi như Roberto Rossellini (đặc biệt là Il Generale Della Rovere, kể về một câu chuyện tương tự) và loại điện ảnh mới, không thể nhầm lẫn và không thể bắt chước được. Christley

74. vụn

Nếu sự thật thực sự xa lạ hơn là hư cấu, thì câu chuyện về Robert Crumb chỉ là về điều kỳ lạ nhất từng được kể. Thật vậy, Crumb, Terry Zwigoff, năm 1994 của họa sĩ truyện tranh khét tiếng, rất khó tin và không thể tin được đến nỗi đôi khi nó giáp với những người vô lý. Một người cha và người mẹ không phù hợp sinh sản ba đứa con trai độc đáo và tự hủy hoại, mỗi người cố gắng truyền các xung động tình dục và tâm lý của họ thông qua nghệ thuật. Đôi khi, những cuộc sống này cảm thấy không bền vững: Max thiền trên giường móng tay, cho ruy băng ăn qua đường tiêu hóa của mình; Charles vẫn sống với cha mẹ, đắm chìm trong thất bại trong khi suy ngẫm tự tử; Robert, hóa ra, là một người bình thường, một trong những nghệ sĩ nổi tiếng thế giới, người sử dụng nghệ thuật của mình để làm cho những kẻ hư hỏng của anh ta, diễn ra trên các khung của truyện tranh của anh ta trong chi tiết và mất trí nhớ. Khi câu chuyện bị biến dạng của họ mở ra, người ta có cảm giác rằng nghệ thuật là thứ duy nhất giữ cho bất kỳ người nào trong số những người này sống, rằng nếu không có lối thoát đặc biệt này, mỗi người sẽ tự mình làm khổ mình hoặc tệ hơn nữa, trên một cuộc sống của con người khác. Có thể cho rằng là lớn nhất trong tất cả các bộ phim phi hư cấu, Crumb đang nghiền nát trong sự hiểu biết về cảm xúc và tâm lý của nó, gần như Shakespearean trong thảm kịch của nó. Cronk

73. Câu chuyện thẳng thắn

Các bộ phim của David Lynch, được đánh dấu bằng một tầm nhìn duy nhất về thế giới như một nơi nham hiểm, báo trước, đôi khi đầy kỳ quan kỳ cục, đôi khi chỉ là kỳ cục. Trong những bộ phim tồi tệ nhất của anh ấy (đặc biệt là Wild At Heart), sự xấu xí này thống trị, cảm giác như một tập hợp kỳ lạ áp đặt và căng thẳng được bù đắp bởi một câu chuyện tình yêu tầm thường không thể tin được. Nhưng giữa người gây sốc đáng kinh ngạc năm 1977 Eraserhead và người đôi Aughts của anh ta chiến thắng, Mulholland Drive và Empire nội địa, đã đưa nghệ thuật của anh ta đến những địa điểm mới lạ và tuyệt vời, những bộ phim hay nhất của Lynch, có lẽ đáng ngạc nhiên là sự đồng cảm nhất của anh ta. Trong khi Twin Peaks: Fire Walk with Me cân bằng một thế giới đe dọa vĩnh viễn với sự tập trung bi thảm vào nhân vật chính trẻ gặp rắc rối của nó, câu chuyện thẳng thắn trình bày một thế giới không kém phần bị nhiễm độc (bởi lòng tham, bởi những cuộc cãi vã) và quan sát. Bộ phim Disney được xếp hạng của Lynch, sau đó là người nông dân cao tuổi khi anh ta đi trên máy kéo của mình từ Iowa đến Wisconsin để xem anh trai bị ghẻ lạnh của mình. Một bộ phim nhẹ nhàng hơn đối với đạo diễn, nhưng có rất ít nghi ngờ rằng chúng ta đang ở trong lãnh thổ Lynch ở đây, ngay cả khi anh ta đạt được độ cao cảm xúc mới trong hồi ức cuối cùng của Richard Farnsworth về tình huống vô nghĩa dẫn đến việc anh ta bị cắt đứt Anh trai hàng thập kỷ trước đó, và trong cuộc họp huynh đệ cuối cùng giữa hai người đàn ông đoàn tụ, hoàn toàn bị đánh giá thấp và để lại rất đẹp. Schenker

72. Three Kings

Remember when David O. Russell still made David O. Russell movies? Those were good times, and they peaked with Three Kings, the once-singular auteur’s Gulf War whatsit that brought three relatively untested big-screen actors (George Clooney, Mark Wahlberg, and Ice Cube) to the fore in most convincing fashion. To say that this is the sort of genre-blending art film that convinces people they like art films is no faint praise; there’s something about it that sticks with viewers of all stripes, often in a way that doesn’t reveal itself for quite some time. Russell presents the occasionally ridiculous goings on of his third effort as something to be both mocked and mourned, which is to say he manages to be respectful and irreverent all at once. Somewhere between the bleached skies, fast-moving clouds, and oceans of sand are spare moments of bliss just waiting to be noticed. That the three eponymous soldiers are usually too busy daydreaming of days past or scheming for the future to do so just makes it more rewarding when they finally do. Nordine

71. Cure

Kiyoshi Kurosawa is a filmmaker for whom genre is merely the starting point for more oblique, existential questions about character and society, and none of his works are as hauntingly mysterious as Cure, a 1997 serial-killer thriller that cares less for typical police-procedural machinations than for raising confounding suggestions about what compels individuals and cultures to embrace and commit violence. Those issues are filtered through a detective’s investigation of a series of murders linked by the fact that each victim has had an “X” slashed into their throat, and which are eventually revealed to have been perpetrated by different strangers all working under the apparently hypnotic orders of a madman who answers queries with only more queries. That this lunatic seems to be the embodiment of larger societal decays becomes more apparent during a second half that operates at a detached remove and is tangled in identity-crisis horrors, culminating with a provocative final shot that remains a preeminently tantalizing talking point. Schager

70. The White Balloon

A director with a special talent for pulling the rug out from under his audience, employing unexpected tonal shifts and fourth-wall-collapsing left turns, Jafar Panahi crafts films in which deceptively gentle subject matter masks withering critiques of his nation’s rule of law. Like his countrymen Abbas Kiarostami, Majid Majidi, and Mohsen Makhmalbahf, he subverts the censorship of an oppressive political system by cloaking these attacks in seemingly innocent children’s tales. The White Balloon contains probably the slyest, most bracing of all Panahi’s reversals, as the story of a small girl hunting for a big goldfish on New Year’s Eve briefly gives way to that of a balloon-selling Afghan child, who we then realize has been lurking at the film’s margins all along, selling his wares while more fortunate kids run about in search of a pet. It’s a reminder that for every family just scraping by, there are others who are in even worse shape. Cataldo

69. Terminator 2: Judgment Day

The slick, digitized T-1000 to the 1984 original’s grungy, analogous exoskeleton, Terminator 2: Judgment Day set the standard for modern Hollywood’s F/X-driven mega-productions and cemented James Cameron’s dystopian vision as modern science-fiction’s saga par excellence. The 1991 sequel is best remembered for the groundbreaking CGI and puppetry work that brought its liquid metal villain to life, but all that cybernetic glamour would be for naught without the film’s overreaching humanitarian concerns: the insistence that, even at the brink of self-induced extinction, mankind is still worth saving. Replicating the chase-movie structure of its predecessor (and brilliantly echoing that film in many telling details), the equally breathless T2 suggests a maestro at the helm of a full orchestra, conducting the whole exhilarating piece without a single note out of place. The film itself is something of a perfect machine, albeit one with a beating, bleeding heart to go along with its relentless apocalyptic swell, the central, unlikely nuclear family anchoring the action with genuine emotional heft, saving the world and earning our tears in the process. Humanick

68. The Last Bolshevik

Residing deep in the shadow of Sergei Eistenstein and Dziga Vertov’s massive reputations are the works of Russian filmmaker Alexander Medvedkin. It isn’t just his lack of exposure that enticed French director-essayist-poet-alien Chris Marker to craft a two-part documentary about the man’s films, though one could fairly say there aren’t many things that capture Marker’s interest as surely as the things that somehow failed to capture everyone else’s interest. The Last Bolshevik, built around a series of six letters addressing a dead man (one typical observation: “Only later did I understand his tragedy: the tragedy of a pure communist in a world of would-be communists”), sees in Medvedkin’s life, times, and traveling cine-train the sadly concluded story of the 20th century’s socialist movements, and marvels (in the film’s irresistibly funny-pithy final statement) over humanity’s ability to simultaneously eradicate living history and deify anything that has been consigned to the safety of chronicle. Few beyond Marker can bridge the gap with a single phrase as Marker does when musing about dinosaurs: “Kids love them.” Henderson

67. Dazed và bối rối

Mặc dù việc gọi Richard Linklater choáng váng và bối rối, bộ phim Hangout tối thượng có vẻ như là một lời khen tay trái, nhưng thực tế, nó nói lên sự khéo léo của nhà văn-định hướng thông minh một cách khéo léo có thể truyền vào chương trình nghị sự đầy tham vọng của anh ta vào Zeppelin-, và nước- và nước của anh ta Tầm nhìn của Tower-Party về một thị trấn Texas không tên vào năm 1976. Linklater tham gia vào bữa tiệc đêm đầu tiên ở đâu đó ở trạng thái Lone Star chiếm phần lớn câu chuyện kể của anh ta có nhiều với nỗi nhớ và tình cảm. Anh ta để cho thời gian tốt đẹp cuộn trong khi cũng làm cho nó đủ rõ ràng rằng, đối với nhiều người trong số những người mọt sách và những người tạo nên dàn diễn viên của anh ta, cuộc sống sau khi học trung học có lẽ đã thắng được quá hấp dẫn. Thay vì gây ra sự mất tinh thần, điều này kết thúc là lý do nhiều hơn để tận hưởng một đêm vô tư này: trong một tương lai không chắc chắn, thực sự không có gì để làm ngoài việc giữ L-i-V-i-n. Nordine

66. Se7en

Dự đoán nhẹ dẫn đến nỗ lực năm thứ hai của David Fincher, đã bị kìm hãm bởi sự hiện diện của một phim kinh dị giết người hàng loạt khác, bản sao do Jon Amiel điều khiển. Cũng nhớ lại rằng Brad Pitt vẫn còn mới từ việc lật sương từ vành mũ của anh ấy vào những người xem phim trên toàn thế giới. Có vẻ như nó sẽ là một dòng lái xuống giữa, và sau đó chúng tôi thấy các điểm tham quan (mỗi nạn nhân đang sụp đổ một lần cuối cùng, đỉnh cao, được cho là, với sự lười biếng), có mùi mùi (tuyệt vọng, mồ hôi, nhiên liệu diesel, nhiên liệu diesel, sốt marinara), và nghe các câu hỏi (những gì trong boooooox ?!). Ngoài di sản của nó là bộ phim đã hồi sinh một thể loại được gỡ rối, và theo dõi nhanh chóng của sự ra mắt của anh ấy, đã được đưa ra (Alien 3), Se7en, với cảm giác thủ công và nhịp điệu đáng kinh ngạc của nó, đã công bố một công việc lớn của nó tiếp tục Bất ngờ với mỗi bản phát hành mới. Phong cách âm thanh và phong cách Grand Guignol của nó đã giúp nuôi sống những tin đồn rằng Fincher, sau đó là một số lượng không rõ trong kinh doanh phim, là một loại giao thoa giữa một người đàn ông quảng cáo hotshot và một kẻ hư hỏng. Nhưng các tính năng tiếp theo đã giúp nhiều người nhìn thấy SE7en, trong nhận thức muộn màng, không chỉ là một lần một lần rực rỡ và buồn bã. Christley

65. Người chơi

Tôi đã mất nó ở những bộ phim từ lâu trước khi xem người chơi, nhưng bức thư tình yêu được chế tác hoàn hảo này cho Hollywood khiến tôi nhìn họ khác đi. Robert Altman sườn đã lên án một thế giới chỉ muốn biết chính nó, nơi không có jab riêng tư nào ở chế độ riêng tư và một bữa trưa là một cuộc đàm phán cho địa vị, cuối cùng là của chúng ta. Chúng tôi yêu những con sói này bởi vì chúng đã cho chúng tôi một số thiết bị cine phong phú nhất trong cuộc sống của chúng tôi; Ngay cả những nốt nhạc vô lý nhất của họ (Hồi It Out of Africa gặp gỡ người phụ nữ xinh đẹp!) Nói với mong muốn làm hài lòng khán giả. Nhưng họ lặp lại chúng tôi cùng một lúc, bởi vì họ coi giấy phép làm việc của họ là chiến thắng xã hội học. Có những tài liệu tham khảo trong châm biếm được mã hóa nặng nề này, tôi vẫn mở khóa, và với mỗi lần nháy mắt và gật đầu tiếp tục bị căng thẳng vì lý do (cậu bé giao hàng biết những người mới bắt đầu tuyệt đối nhưng sai lầm Alan Rudolph cho Martin Scorsese), có một tá Gửi tôi lên mặt trăng, chẳng hạn như Thám tử Avery Avery-Tham chiếu của Griffin Mill. Trong một trong những cảnh hài hước nhất, hay nhất mà các bộ phim từng xem, một cuộc thẩm vấn như được tính toán và hạ mình là một số bộ phim tồi tệ nhất mà Hollywood từng cho chúng ta, ngay cả những người tốt cũng trở thành sói. Một trong số chúng tôi, thực sự. Gonzalez

64. Miller từ băng qua

Bạn bè là một trạng thái tinh thần, ông Sne Sneers Johnny Caspar (Jon Polito), một tay xã hội đen đầy tham vọng của Ý chiến đấu để kiểm soát một thành phố East Coast giấu tên ở Joel và Ethan Coen, 1930 Miller. Tuyên bố đe dọa tình cờ này có những nền tảng mỉa mai và triết học sâu sắc, cho thấy bộ phim tội phạm này là thế giới quan khó khăn và sự hài hước. Mục tiêu của Johnny, là Tom Reagan (Gabriel Byrne), một con bạc nói chuyện khôn ngoan, người tham gia vào chế độ sinh tồn khi Tổ phụ Ailen Leo (Albert Finney) đá anh ta vào lề đường của một người phụ nữ. Phần lớn bộ phim liên quan đến bản chất không đáng tin cậy của tình bạn, làm thế nào nó có thể được sử dụng để thao túng, lừa dối và cuối cùng là phá hủy. Các Coens luôn có món quà của GAB, và trong Miller, vượt qua những người đàn ông bảnh bao và những người phụ nữ Slinky dỡ bỏ các thông tục thời kỳ thời kỳ như thể miệng của họ là vũ khí tự động. Nhưng những khoảnh khắc lâu dài nhất của bộ phim là những vụ nổ không được đối thoại về sự trả thù và an ủi, nổi tiếng nhất là chuỗi cổ điển của Danny Danny Boy, nơi một Leo nhanh nhẹn và tàn nhẫn phái bốn người có vũ trang với một khẩu súng Tommy. Giống như Coens, người đàn ông là một nghệ sĩ thực sự với vũ khí lựa chọn của mình. Heath Jr.

63. Màu đỏ

Red, chương cuối cùng của Krzysztof Kieślowski, lòng tôn kính đối với lá cờ ba màu của Pháp, có lẽ luôn được định sẵn là nổi bật nhất trong ba bộ phim; Màu đỏ, sau tất cả, là kịch tính bẩm sinh nhất trong ba màu. Ra mắt ra khỏi màu xanh và trắng, bộ phim đặc biệt chuẩn bị, và bạn càng xem xét sự tự nhận thức tự phản xạ và mê cung của nó, Kieślowski và nhà quay phim Piotr Sobociński càng tinh tế. Như trong tất cả các bộ phim của Kieślowski, sự giám sát vi mô của anh ta về thế giới, sự phán xét của Sans, cho thấy tất cả mọi thứ xảy ra cùng một lúc ở cấp độ phụ, thể hiện khái niệm của nhà làm phim như một vị thần yêu thương. Một cuộc gọi điện thoại mở đầu vang vọng Alexander Pope, trong vụ hiếp dâm của khóa, thiết lập giai điệu cho cuộc điều tra tính phí động học này về quang phổ của đạo đức, một bài hát thiên nga phù hợp cho một nhà làm phim có ý định ra ngoài với một tiếng nổ. Những trải nghiệm cận tử và tình bạn không chắc chắn chỉ là bàn đạp cho phúc âm cuối cùng của anh ấy (Kieślowski sẽ nghỉ hưu sau bộ phim này, chết nhưng 22 tháng sau khi nó được công chiếu Hình tượng hyperbolic để chiếu phép ẩn dụ nhiều mặt phong phú của nó. Con người

62. Barton Fink

Nhập không gian của Barton Fink (John Turturro). Một trong những người anh em Coen, nhiều người mash-up, Barton Fink kết hợp châm biếm Hollywood cổ điển, liều lượng sức khỏe của hình ảnh siêu thực và kinh dị tâm lý ra khỏi bộ ba căn hộ của Roman Polanski. . Với sự dí dỏm sẵn sàng và một con mắt man rợ. . Tốt hơn cho các coens để vượt qua một trường hợp khối của nhà văn hơn là viết về một nhà văn bị khối nhà văn? Chính xác là loại hình mạch meta là biểu tượng của phương pháp làm việc của họ. Sau đó, có sự nhân đôi giống như doppelganger được thiết lập liên tục giữa Barton Fink và cư dân khách sạn Earle Charlie Meadows (Coen Axiom John Goodman). Thật vậy, một cách đọc tâm lý không biết xấu hổ của bộ phim sẽ coi Charlie là một loại hình chiếu hoặc biểu hiện của Barton, đã vô thức một cách dữ dội. Wilkins

61. Thợ săn trắng, trái tim đen

Một cuộc triệt phá gut, một giai thoại được khớp nối thanh lịch, một bài phê bình không khoan dung, một cú đâm gây sốc của sự sai lầm, một số người căng thẳng chuyên nghiệp, và một số ít có thể trích dẫn một cách vô hạn, tất cả đều có trong một cảnh duy nhất Hunter, Black Heart, một trung tâm dừng lại để tự mình tìm thấy Eastwood, như một John Huston đã che giấu mỏng manh, đưa một cô gái tóc vàng Buxom làm nhiệm vụ sau khi cô đưa ra một nhận xét chống Do Thái tệ hại. Nó có một con số nổi bật đánh cắp chương trình, nhưng đó là cảnh ngay sau đó, trong đó Eastwood, John Wilson Cooly bỏ một văn bia chủng tộc trước khi lặn đầu vào một trận đánh say rượu, điều đó rõ ràng nhất là làm sáng tỏ chủ đề trung tâm của bộ phim. Một cuộc thẩm vấn tinh vi của Machismo của Mỹ, thợ săn trắng, trái tim đen là về xu hướng lãng mạn hóa sự tàn bạo mạnh mẽ, làm thế nào chúng ta tìm thấy sự quyến rũ méo mó của những kẻ lừa đảo quyến rũ khi chúng ta phải bị đẩy lùi. Vẫn còn sâu sắc hơn, chúng ta thấy những hạt giống của chủ nghĩa đế quốc phương Tây nằm rải rác trên vùng hoang dã châu Phi, rõ ràng theo cách mà Eastwood, SMARMY, tên côn đồ đáng yêu áp đặt mình lên vùng đất và tài nguyên của nó. Rằng anh hùng ở đây là một đạo diễn thể hiện sự tự nhận thức đáng ngạc nhiên; Đó là Eastwood trong vai trò này, đối mặt với nhiều thập kỷ ảnh hưởng và làm suy yếu tính cách của anh ta, là một cơn đột quỵ của thiên tài. Đầm lầy

60. Tạm biệt Nam, Tạm biệt

Sẵn sàng hoàn hảo giữa chuyển động và ứ đọng, chiếc đồng hồ chiến thắng năm 1996 của Hou Hsiao-Hsien như những tên xã hội đen thời gian nhỏ của nó xen kẽ giữa chỉ treo xung quanh, chờ đợi điều gì đó xảy ra và đi du lịch (qua tàu, xe máy, bất cứ điều gì) Không thể xóa nhòa với cuộc sống. Giao dịch kinh tế nhàm chán và tuyệt vọng là những đặc điểm xác định của các nhân vật của bộ phim, và được cho là của thành tích cuối thế kỷ 20 (và đầu 21) và thành tích của Hou, là để có được sự bồn chồn ngứa ngáy này trong khi cho người xem không gian rộng rãi để quan sát và quan sát. Nếu tính thẩm mỹ dài, dài của Hou là một trong những chế độ xác định của điện ảnh những năm 1990, thì nó không bao giờ cảm thấy có mục đích hơn trong bộ phim này, mà nhịp điệu được điều chế chính xác của sự bất mãn toàn cầu. Schenker

59. Vive L’Amour

There’s a certain tendency among art-house movies to use long takes of their protagonists crying as an emotional, sometimes even narrative, climax. A strange habit, perhaps, and one that few use to fuller effect than Tsai Ming-liang’s Vive L’Amour, a film in which a shared loneliness would unite the characters if any were aware how close they are to others in the same situation. That the three leads all unknowingly live in the same Taipei apartment amplifies this irony, but not in a way that makes us laugh; ditto the title, which similarly underscores just how alone everyone is. From this communal isolation comes a great deal of beauty as well, much of it wordless as people drift past one another like ghosts. Tsai trusts his actors (not to mention his audience) enough to let their gestures and expressions mostly speak for themselves, hence the cathartic importance of the scene alluded to above: In a film so beautifully restrained, such an outwardly emotional act as this speaks volumes. Nordine

58. Fight Club

At the risk of violating the first rule of Fight Club, we assert that David Fincher’s film has emerged as something of a generational touchstone among that crop of formally and thematically innovative cinematic works unleashed on the cusp of Y2K. Moreover, Fight Club still exhibits its fair share of pre-millennial tensions: As a mindfuck film, it boasts a Godzilla-sized act-three twist that’s both thoroughly prepared as well as thematically resonant. As a satirical indictment of a certain cult of machismo, the film nevertheless spawned emulators and copycats. (It also contains the risibly disingenuous scene where flawlessly chiseled Brad Pitt scoffs at media depictions of fashionable masculinity.) As an exemplar of Fincher’s pyrotechnical inclinations, Fight Club stands as the director’s most successful meshing of style and substance to date, with none of the unwarranted showboating found in, say, Panic Room’s CG-enabled zoom into the inner workings of a flashlight. Here, CG effects work to embed characters within a digitally expressionistic background, as in the scene where the nameless narrator (Ed Norton) walks through his apartment, which morphs around him into an itemized, price-tagged IKEA ad. Wilkins

57. Paris Is Burning

Some documentaries explore their subjects with the rigor of an anthropological study, inviting audiences to peer into lives or a system like detached impartial observers. Paris Is Burning, by contrast, plunges us into the world of ball culture like it’s an inclusive party to which we’re welcome to belong. The ever-increasing remoteness of the time and place of its setting lends the film the necessary significance of a historical document, informally ratifying its status as a snapshot of a subculture’s golden age before the decline, but its portrait of drag, balls, and voguing (and the legendary practitioners of same) isn’t articulated from a remove. This film exists, crucially, well within the borders of the world it celebrates, joyously flaunting its triumphs and touchingly sharing its pain—and though it often brushes up against tragedy, the vision of life it offers is practically utopic. Marsh

56. Flowers of Shanghai

Flowers of Shanghai capped off a remarkable decade for Taiwanese master Hou Hsiao-hsien, a period over which he would consider a wide-range of historically veiled yet vital instances in China’s evolutionary advancement. Marked by a patience and fluidity he’d spent the last 15 years perfecting, the film both refined and predicted the stately demeanor he’d carry into the new millennium. This simultaneous feeling of arrival and transience was reflected in the film itself, a lushly rendered fever dream detailing the changing role of prostitution and companionship in late-1800s, fin de siècle Shanghai. Confined to candle-lit, golden-hued quarters, these courtesans and the masters they serve are reflected upon in meditative visual strokes, Hou’s camera gliding amid their mansion’s chambers with a gentle sense of the inevitable. A formalist masterwork, Flowers of Shanghai brought Hou’s aesthetic to its logical and most sublime plateau up to that point, richly rendering the specificity of his unique serenity, the revelatory texture of his quietly disarming observations. Cronk

55. Happy Together

“Let’s start over.” One might argue that this haunting line, first uttered during the breakneck opening of Wong Kar-wai’s Happy Together, encapsulates the director’s entire oeuvre in three simple words. Past and present heartache blurs any hope for the future in Wong’s intensely heated melodrama about two lovers (Tony Leung Chiu Wai and Leslie Cheung) from Hong Kong who escape to Argentina, hoping a change of scenery will save their self-destructive relationship. While Happy Together is just as formally audacious as Chungking Express, and every bit as emotionally devastating as In the Mood for Love, it’s also uniquely sad. Wong doesn’t create one of those classically weepy romances tragically hindered by social formalities or hierarchies; his two characters are simply mired in a stagnant and masochistic relationship from which they can’t or want to escape. But their extended downfall is devastating nonetheless, mostly because the performances by Leung and Cheung are so deeply felt and psychologically intertwined. Happy Together, which envisions emotional addiction as a series of heightened freeze frames, jump cuts, and pop-music cues, is melancholia incarnate. Heath Jr.

54. Unforgiven

Clint Eastwood had spent the better part of a decade investigating and deconstructing his iconic Man With No Name/Dirty Harry persona when he made Unforgiven, which remains—20 years, and countless thematically similar films, later—his ultimate statement on the ramifications of violence. Again strapping on his gun belt and saddling up for a tale of Wild West vengeance and regret, Eastwood assumes the role of an aged outlaw convinced to shrug off retirement and reteam with his old partner (Morgan Freeman) to help avenge a whore victimized in a town run by a wicked sheriff (Gene Hackman). Those three actors lend the material a gravity that’s furthered by Eastwood’s concise, unfussy direction, which places the focus on his protagonist’s moral struggle with his own brutal past while also allowing tension to mount slowly, until, in the wake of a murder, it erupts in a conclusion of explosive intensity that only augments the final, overarching sense that violence, even when justified and necessary, never proves to be a means to any sort of positive end. Schager

53. Metropolitan

“The cha cha is no more ridiculous than life itself,” says debonair but “tiresome” Manhattan socialite Nick Smith, and neither are debutante balls, black-tie tuxedos, the tenets of Fourierism, or life among the “urban haute bourgeoisie,” a loose cluster of affluent intellectuals content to drink, date, and sling clever barbs back and forth for hours. For sure, it’s all rather droll (“I don’t read books; I prefer good literary criticism,” and so forth), but perhaps less apparent are the depths of melancholy coursing through it, occupying its silences, filling the negative space between witticisms. Tom Townsend, U.H.B. outlier and our gateway into this world, finds an abandoned box of childhood toys beside his father’s front steps, the loaded bric-à-brac of an adolescence lost and never to be regained, and in one wistful look there’s more longing and sadness than in the whole of the dozens of refined indie comedies Metropolitan inspired. Marsh

52. Lost Highway

The lynchpin of David Lynch’s transition to full-bore, intensely intangible abstraction, Lost Highway is his first film to exist entirely under the sway of dream logic, rather than just feeling strikingly dream-like. Pushing further the successes of Twin Peaks: Fire Walk with Me, which upended the expectations of the sequel by first embarking on an startling digression, then progressively imploding the format of a series of which he’d long grown tired. Lost Highway does the same for narrative structure, indulging in a two-part story that’s a puzzle box of discarded noir tropes and horror-movie cues, with a sense of creeping dread signaling Lynch’s move beyond the realm of traditional storytelling. Once again cataloguing the dark passage of a protagonist discovering the capacity for evil within himself, the film achieves this transformation through a baffling bit of character-swapping, one of the many subtly disconcerting elements in this influential work of mad, disturbing beauty. Cataldo

51. The Puppetmaster

As a nation that was historically dominated by more powerful ones (Japan, China), it’s obvious why Taiwan’s history plays such a prominent role in many of their best films. Hou Hsiao-hsien’s trilogy on this history is indispensable, and the second entry, The Puppetmaster (City of Sadness and Good Men, Good Women are the others), spans from 1895 to the end of WWII, elliptically recounting the life Li Tien-lu, a puppeteer whose personal story parallels the struggling country’s in many respects. As in A Brighter Summer’s Day, which covers a period of Taiwan not long after the events in this film, darkness shrouds the frame both to convey the feelings associated with the past and to give scenes an opaqueness (aided by Hou’s use of long, static shots that require the viewer to patiently scan for meaning within them and Li Tien-lu ’s compelling and embellished narration) that speaks to the way history is often a gray area between fact and fiction. The Puppetmaster’s slow-burning and uniquely structured expression of the passage of time subtly suggests the intricacies inherent in the fabric of memory and time. Henely

50. Life, and Nothing More

In Life, and Nothing More, Abbas Kiarostami charts the subtle human complexities and traumas within a region devastated by natural disaster, quietly developing theme by focusing intensely on the patterns of ambient sound. The lean plot consists of a film director and his son navigating the devastated roads of Guilan, Iran after an earthquake has left the region riddled with broken infrastructure. Crushed cars, massive boulders stripped from mountainsides, and deep crevasses help realize the mise-en-scène. Kiarostami’s protagonists experience countless moments of eerie reflection while considering their own survival, usually during long tracking shots that snake through the rubble-strewn roads with effortless precision. Here, Kiarostami bravely reflects on his own relationship with the non-professional actors/people he so often depicts, specifically calling attention to the segments of everyday experience that his medium of choice often ignores. The brilliant final image, without the hindrance of words or rhetoric, sums up Life, and Nothing More, and perfectly in one fell swoop as tragedy, comedy, hope, and fulfillment. Heath Jr.

49. The Last Days of Disco

The period of the early ’80s that The Last Days of Disco covers, as Matt Keeslar’s Josh, a mentally ill assistant district attorney, notes in the film, is a combination of ’60s-era free love coming to an end (Chloë Sevigny’s Alice gets two STDs) and the beginning of ’90s cynicism (the film ends with disco dead and nearly all the characters on unemployment). This seems as fine description as any of the cultural shifts taking place beneath the well-heeled shoes of Whit Stillman’s lovable and gently mocked yuppies, two of whom, a manager for a Studio 54-like nightclub and a junior ad executive who sneaks clients into the disco, contest to being classified as such, though they admit it’s certainly not bad to be any of the things the word stands for. It’s that signature Stillmanesque dialogue, as witty and sharp as the electric gab from the screwball comedies of the ’30s and ’40s, that makes The Last Days of Disco so enjoyable; it offers some of Stillman’s most memorable writing, including a delicious discourse on the harmful example set by the relationship in the seemingly benevolent Lady and the Tramp. And including a lawyer’s suggestion that Bambi sparked the environmental movement and Alice’s line that Scrooge McDuck is sexy, that’s actually the third odd, but endearing connection the characters in The Last Days of Disco draw between themselves and Disney films, the effect of which brilliantly attests to the absurdity of this new class of adults. Henely

48. The River

The purest distillation of Tsai Ming-liang’s signature approach to filming contemporary urban experience, The River finds the director’s perpetual stand-in, Hsiao-kang (Lee Kang-sheng), achieving a maximal state of estrangement, if not from the desiccated environments that mirror his own tightly constrained mental states, than at least from all the people that populate that world. Stripping his art of such superfluous elements as camera movement, music, and visual clutter, Tsai follows his protagonist as he fills in as a film extra, appropriately playing a dead body floating in a polluted Taipei river. Perhaps as a result of this dip, Hsiao-kang develops increasingly debilitating neck pain and, along with his father with whom he barely exchanges a word, he begins seeking various cures. Tsai’s symbolism, as always, is suggestive without demanding definitive readings, a means to heighten our sense of disjunction, whether between family members or between characters and their poisonous environment. A final misguided attempt by Hsiao-kang at release proves at once shocking and pictorially stunning in its red-tinged chiaroscuro. Finally, however, there’s no cure; in Tsai’s jaundiced vision, life is destined to go horribly, banally on. Schenker

47. Magnolia

In which Paul Thomas Anderson sends ’80s babies to film school at a rate not seen since Citizen Kane. If we decided to measure a great film by the failures and embarrassments spawned by its critical and financial success, Anderson would surely have to stand against the wall for Crash, along with the whole “L.A. sprawl” and “everything-is-connected” subgenres. His work subsequent to Magnolia, stranger and stranger, forcefully bears out the impatience Anderson has, as an artistic catalyst, even with forms for which he’s arguably the responsible party. With ceaseless tracking shots, emotionally fraught conflagrations, and an intricate web of urban cause and effect, Anderson’s epic of total emotion manages to resemble both a Renoir film and the hospital massacre in Rob Zombie’s Halloween II, though the seeds of his ongoing reinvention (with There Will Be Blood and The Master) can be seen here as well. An invigorating tapestry of shy, despairing, needful people, more than resting on the safety net of boring coincidence (which never, in and of itself, did any screenwriter any good), is better seen as an exuberant, unsuccessful attempt to catalogue the cosmos through a few, particularly striking, constellations. Christley

46. Before Sunrise

Straddling the thin line between genuine invocation of dorm-room philosophy and wistfully affectionate evocation of the same, Richard Linklater’s talky romance between an American backpacker and a French student takes on the daunting subject of post-teenage angst from both inside and out. Briefly adrift in Vienna, Jesse (Ethan Hawke) and Céline (Julie Delpy) spend one long night traipsing around the city, their instant chemistry tempered by the awareness that this will likely be the only moments they share: She’s on her way back to school in Paris, and his flight home leaves the next day. Seizing on the inherent romance of ancient cities and Eurail passes as a positional parallel to the director’s fixation with the confident, naïve ingenuousness of youth, Before Sunrise falls within the upper register of Linklater comedies, meaning the sentiment is earned, the political gabble never reaches the level of distraction, and the ever-flowing conversation is perfectly on pitch. Cataldo

45. Từ phía đông

Thật khó để tưởng tượng hai kiệt tác từ một đạo diễn khá bổ sung như Jeanne Dielman, 23 tuổi, Quai du Commerce, 1080 Bruxelles và từ phía đông. Chống lại rạp chiếu phim nông thôn của đặc tính trong nước cố định trước đây của Cameron, từ phía đông nằm dài vào phong cảnh hậu Xô Viết trong một loạt các bài hát và chảo không ngừng nghỉ, máy ảnh có vần điệu hành trình lớn hơn từ Đông Đức đến Nga. Bất kỳ nỗ lực nào để xây dựng một câu chuyện lịch sử, các phong trào ở trên tương phản với sự ứ đọng tương đối của các đối tượng của nó, lang thang hoặc chờ đợi trong thời tiết lạnh lẽo, dường như kéo họ về phía trước một tương lai hậu Xô Viết bị phá hoại bởi sự trực tiếp của một cái nhìn Camera, âm thanh của một bài hát pop từ một chiếc ô tô đi qua, màu xanh lam ngoài hành tinh của ánh sáng nhân tạo giá rẻ. Như vậy, nhiều như Jeanne Dielman cung cấp một mô hình để kể chuyện trong điện ảnh chậm đương đại, từ phương Đông là một bộ phim quan trọng cho tất cả các đạo diễn đó đưa Rotterdam và Locarno, những người thậm chí không còn thừa nhận các thể loại như tài liệu kể chuyện và tài liệu. Sắt lạnh

44. Histoire (S) du Cinéma

Mặc dù phần lớn không có sẵn trong những năm 90, nhưng khi nó được tạo ra cho truyền hình Pháp, histoire (s) du cinémma là một trong những thập kỷ đó, và Jean-Luc Godard, thành tích. Susan Sontag từng mô tả Godard là nhân vật phá hoại có ý thức đầu tiên của rạp chiếu phim, và vì sự khăng khăng của histoire Điện ảnh Godard mong muốn cũng là tàu khu trục cuối cùng của điện ảnh. Quarnting cho nhà phê bình vĩ đại Serge Daney trong một trong tám tập tạo nên dự án thời gian chạy dài 244 phút, Godard tuyên bố một cách trước rằng có ít phim được làm hơn bao giờ hết vì hầu hết là bản sao chứ không phải bản gốc. Nếu lúc đầu nghe có vẻ kiêu ngạo, nó sẽ trở nên không thể phủ nhận tương đối sau khi xem các gen sui này, video nhiều mặt và rất cá nhân (tốt hơn để dựng phim một cách tự nhiên với) vô định hình, phong phú trong sự tương phản (nghệ thuật cao và thấp, hình ảnh chiến tranh và khiêu dâm, ước mơ và thực tế, v.v.) và đầy những chú thích của Godard, cách ngôn ngữ chữ ký, và mâu thuẫn và phản ánh trên ngã tư của lịch sử và điện ảnh. HEMELY

43. Exotica

Với Exotica, đạo diễn Atom Egoyan đã đưa melodrama lên một tầm cao mới của cái nhìn sâu sắc và ảnh hưởng. Kiệt tác năm 1994 này, được cho là bộ phim hay nhất từng được sản xuất ở Canada, đã có nhiệt đới của một nghệ thuật đã qua, và say sưa trong sức mạnh của bộ phim truyền hình của chính nó và nỗi đau của câu chuyện kể chính xác của nó. Truy tìm quá khứ dính liền của một vũ công và người đàn ông nắm giữ một sức mạnh độc đáo đối với cuộc sống cá nhân và nghề nghiệp của cô ấy, Exotica xem xét những hậu quả và tác động biến đổi của tiếp xúc với con người, như một kiểm toán viên thuế và chủ sở hữu của một cửa hàng thú cưng với cặp đôi tò mò , kích hoạt cảm xúc bị kìm nén và đốt cháy những đam mê mới. Egoyan mở ra câu chuyện bí mật và tình dục này một cách dũng cảm và hấp dẫn, tiết lộ thông tin thông qua các cử chỉ kín đáo, cho phép sự mơ hồ thúc đẩy bộ phim, biến từng nhân vật, mọi quyết định thành hậu quả và nhập khẩu. Nó có một bản tóm tắt đầy nguy hiểm, Egoyan đi bộ, những bộ phim hay nhất của anh ấy đi theo ranh giới giữa người sờ thấy và vô lý. Sau đó, anh ta có thể đã tìm thấy một sự siêu việt nhất định trong sự ngọt ngào sau đây, nhưng đối với các nhân vật của Exotica, niềm đam mê của hiện tại thích hợp hơn với sự vô ích của một tương lai hữu hạn. Cronk

42. Những người yêu nhau trên cây cầu

Bất cứ điều gì bạn đảm nhận phong cách pastiche quá mức của Léos Carax, hay cụ thể hơn là sự tái hiện của L'Atalante (và khoảng một triệu thứ khác) thành các tiếp tuyến phong cách lấy cảm hứng. Những người yêu nhau trên cây cầu chứa những khoảnh khắc siêu việt nhất trong những khoảnh khắc Caraxian này (cầu nhảy cầu/trượt nước không thể tin được Một đám rước của các áp phích tàu điện ngầm, một chuỗi dâng trào lên đến đỉnh điểm với con rồng biến dạng của một nhân vật chính khiến một người đàn ông bốc cháy. Một bộ sưu tập các tác phẩm hấp dẫn được nối với nhau bởi một mô liên kết mỏng của các tài liệu tham khảo phim và lãng mạn hư vô, bộ phim Carax Carax mang biểu ngữ rách rưới của làn sóng mới, trông phù hợp với tương lai trong khi giữ một chân trong quá khứ. Cataldo

41. Ngày con chó con

Buổi biểu diễn của Bill Murray dứt khoát xuất hiện trong bộ phim hài hay nhất thập kỷ, một câu chuyện hoàn hảo về sự lặp lại vừa là hình thức địa ngục thấp nhất và là phương tiện lý tưởng để cải thiện bản thân và hiện thực hóa. Bị mắc kẹt trong báo cáo về việc kiểm tra bóng tối hàng năm của Punxsutawney Phil trong kỳ nghỉ theo danh hiệu, phóng viên tin tức Smarmy của Murray thấy mình sống cùng ngày nhiều lần, một số phận đáng sợ mà anh ta sử dụng như một cái cớ để vui chơi trước khi đau khổ và điên rồ. , và sau đó anh ta bị ấn tượng bởi sự mặc khải rằng, để thu hút đồng nghiệp Rita (Andie MacDowell), thực tế anh ta phải tìm cách thay đổi hợp pháp những cách khốn của mình. Làm việc từ một kịch bản crackerjack của Harold Ramis và Daniel Rubin, và được hỗ trợ bởi định hướng sắc bén của Ramis, thói quen của Murray, Droll vẫn chưa bao giờ sắc nét hơn, nhưng nam diễn viên cho phép Phil Phil chuyển từ Prick sang Prince để phát triển dần dần, và tự nhiên. Khi phù hợp với chủ đề của nó, nó là một bộ phim hài hiếm hoi rất thông minh và thú vị, nó có thể xem được vô tận. Schager

40. Trung úy xấu

Tội ác ở trung tâm trung úy xấu của Abel Ferrara nghe có vẻ nhẹ nhàng đến nỗi nó giáp với tài liệu khai thác, nhưng rõ ràng nó đã bị xé toạc từ các tiêu đề của NYC của thập niên 80: tiến hành phá hoại và tiếp tục tục tĩu nhà thờ. Khi bất kỳ ai quen thuộc với cô 45 của Ferrara sẽ nhớ lại, vẻ ngoài có thể bị lừa dối một cách nguy hiểm, vì vậy không có gì ngạc nhiên khi trung úy tồi tệ ở dưới cùng là một trò chơi đạo đức không bị đánh bại Giống như shakenown lưu lượng giao thông khét tiếng, rằng người xem đương đại dễ dàng (ít nhất, những người đó chưa bị đánh bại bởi xếp hạng NC-17 của nó) để bỏ qua các khía cạnh cứu chuộc của nó. Là cảnh sát tham nhũng cùng tên, Harvey Keitel đào xuống tủy của nhân vật của mình trong một màn trình diễn dữ dội và không sợ hãi đến nỗi nó thường khó chịu khi nhìn thấy. Triển lãm cao trào của Keitel tại hiện trường vụ án với một Chúa Kitô bị ảo giác (Bạn đã ở đâu? Bạn là con chuột chết tiệt! Các yowls vô nghĩa, gut-shot nhăn nhó) vào tốc ký tình cảm của những người đàn ông. Wilkins

39. Idaho riêng của tôi

Chân dung đầy ma túy của nó về trải nghiệm queer mặc dù, Idaho riêng tư của Gus Van Sant có thể là viên nang thời gian điện ảnh hoàn hảo cho những năm 90 không có mục đích bởi các nhân vật của nó, các cuộc tìm kiếm một bản sắc, một số trong số họ chỉ đơn giản là bị mất mà không có manh mối. Đặc điểm thứ ba của nhà làm phim say sưa trong sự kỳ lạ, tự phát và không thể xảy ra: tương lai lấn Để có khuôn mặt trong khi các tòa nhà rơi xuống từ bầu trời, và Keanu Reeves cho một bước ngoặt được tính toán và sự mát mẻ xa xôi. Việc tìm kiếm bản thân của Van Sant được thể hiện đầy đủ nhất thông qua màn trình diễn của River Phoenix như một cô gái điếm ma túy (một lượt cho thấy những điều tuyệt vời nhưng không được thực hiện một cách bi thảm), nhưng tương tự Gia đinh Simpsons. Con người

38. VEP IRMA

Người đầu tiên và thành công nhất trong các cam kết của Assayas Olivier với thế giới thủ đô toàn cầu (có mặt ở đây dưới dạng một bản coprotion quốc tế, cũng mô tả chính bộ phim), Irma VEP là một trong số ít những bộ phim rõ ràng về việc làm phim quản lý để quản lý vượt qua sự tự ái không thể tránh khỏi của nó. Maggie Cheung, nữ diễn viên siêu sao Hồng Kông, là nữ diễn viên siêu sao Hồng Kông, đã đưa đến Paris để đóng vai chính trong một phiên bản làm lại của Louis Feuillade, Les Les Vampires do René Vidal (Jean-Pierre Léaud đạo diễn quá khứ (Jean-Pierre Léaud). Big Showstopper, một chuỗi ban đêm mơ mộng được đặt cho thanh niên Sonic, trong đó Cheung tặng bộ đồ madex màu đen của nhân vật và đánh cắp một chiếc vòng cổ kim cương từ một vị khách khác tại khách sạn của cô, quản lý để tạo ra chủ đề mệt mỏi về sự chia rẽ giữa diễn xuất và sống có vẻ thú vị trở lại . Nhưng những ý tưởng lớn của Assayas, về cơ bản bi quan và bảo thủ, chỉ xuất hiện trong chuỗi cuối cùng, vì đoạn phim của Vidal bị sa thải Bị ép bởi trọng lượng của đô la công ty toàn cầu thành hình dạng của độ phân giải tường thuật. Sắt lạnh

37. Bitter Moon

Roman Polanski’s 1992 epic of erotic obsession, jealousy, and control was not only a return to form for a director who wasn’t particularly productive during the 1980s, but a career-defining film for the kink-minded auteur. Presented as a lurid story narrated by a wheelchair-bound American (Peter Coyote) to a honeymooning Brit (Hugh Grant) aboard a cruise, the film mercilessly dissects Polanski’s signature themes as he presents a story of a wealthy U.S. national living in Paris, falling in love with a lovely French woman, indulging in erotic play of all kinds, becoming bored, treating the woman miserably, and, finally, becoming her physical and psychic captive. There’s enough material in the story-within-a-story to fuel two feature films and the teller spares no detail, but this is just the setting to an even more turbulent course of events that plays with and picks apart notions of American vulgarity, British reticence, and French eroticism. In its unflinching look at the fractured extremes of human desire and behavior, Bitter Moon is high art disguised as sensationalistic trash. Schenker

36. Fargo

You could blame Shep, who told them that Jerry would be there at 7:30, and they’d been waiting over an hour, but that was a mix-up, and the Béla Tarr-esque opening image, showing Jerry’s car emerging from a wintry, snow-blind wall of dirty white, seals everyone’s fate to the tune of Carter Burwell’s funereal, mythic strings and percussion arrangement. With an apparently career-long ambition to restore film noir and black comedy to the popular imagination, the Coen brothers, as has been their habit, lay out a plan of narrative action in broad, sometimes caricature-heavy strokes, then work backward across it, plumbing for details and emotional truths. None of the chaos and mayhem that follows as a result of Jerry Lundegaard’s convoluted plan—to hire a pair of psychotic lowlifes, neither of whom even knows the other very well, to kidnap his wife, in the hopes of collecting enough to wipe out his debts—takes flight on its own power, without the grounding of sadness and longing that boils under every other scene that tends toward violent grotesqueries and teasing, provincial humor. Christley

35. Breaking the Waves

Re-watching Breaking the Waves in the wake of Dancer in the Dark, Dogville, and Antichrist, it’s become retroactively clear that Lars von Trier’s 1996 landmark represents both the defining moment in his career and his oeuvre’s chief anomaly, thanks to the titanic central performance by Emily Watson (in her first feature film). Watson’s Bess, the intractable, naïf, dependent, fearless new bride in a simple Scottish town with perhaps the world’s staunchest Christian population, believes her prayer for her oil rig-working husband Jan to come back to her is directly responsible for the paralyzing accident that sends him home. Bess’s decision to do her immobile husband’s bidding—to sleep with strangers and arouse him with her subsequent reports—is both subordinate to his will and defiant in the face of religious patriarchies. Of the many transgressions in von Trier’s works, few seem as genuinely dangerous as this story of a simple-minded girl who maintains a direct line of conversation with God and is fucked to death. And among a long string of actress who fought von Trier and paraded their scars, Watson represents the exception. Having yielded to the steamroller, Bess emerges stronger and purer than all. Henderson

34. Boogie Nights

Still Paul Thomas Anderson’s best film, Boogie Nights is also his most purely enjoyable: Tracing a Goodfellas-like progression from the golden age of porn in the 1970s to the shot-on-video lowlights that followed in the ’80s, the film is so pleasurably well-made that for much of its running time it can be difficult to realize just how dark it’s gradually becoming. But then, in his gunshot of a transition between decades, PTA gives us our most abrupt clue yet as to what his film’s latter half holds in store for us. It may be in its later sequences that Boogie Nights truly whips it out in a way few other films dare, but hindsight (not to mention subsequent viewings) reveal just how present the tension between its more brooding and glitzy traits was all along. The result is a big, bright, shining star of a movie, and one whose stature—unlike that of its characters—hasn’t faded with time. Nordine

33. Hard Boiled

A master at crafting deceptive surfaces, John Woo is also a keen observer of social dynamics. The last film he made before leaving his native China for Hollywood, Hard Boiled stars Chow Yun-Fat stars as Tequila, a police officer who joins forces with a mysterious undercover agent, Alan (Tony Leung), in order to infiltrate a mobster’s secret lair tucked inside a hospital’s basement level. Throughout, females are subversives and men are only allowed to love each other after their unexamined male bonds have evaporated; masculine procedure is encoded in—and permitted by—femaleness (Alan communicates with the film’s police contingency via pop songs, flowers, and love letters) and violence becomes a kind of masochistic, almost homoerotic ritual. Every image is a ruse, a visual double entendre of sorts with an encoded moral, a romantic and social message. Building to an insanely frenetic, audacious climax unmatched in action cinema, the film, a stellar symbiosis of movement and morality, wit and balls, bounces its characters deliriously from one elaborate set piece to the next. Given the humor and unpredictability of Woo’s rhythmic action poetry, think of this as Karaoke action melodrama. Gonzalez

32. Lebowski lớn

Chụp những bức ảnh về rất nhiều đối tượng châm biếm, từ Chiến tranh vùng Vịnh đầu tiên đến nghệ thuật âm đạo, Kraut Rock và ngành công nghiệp khiêu dâm (chưa kể bowling), bộ phim Big Lebowski có thể là bộ phim Coen Brothers được dệt nên dày đặc nhất. Cảnh sau cảnh lăn xuống làn đường đầy đủ với những người nói có thể trích dẫn, thể hiện một chủ nghĩa cổ điển có cấu trúc, trở lại thời hoàng kim của bộ phim hài bóng chày. Tuy nhiên, có một chất lượng chó xù xì không thể lay chuyển đối với câu chuyện kể, phù hợp với cuộc triệt phá của người ném đá của nó Spot-on, được neo bởi sự hiện thân của anh chàng có vẻ dễ dàng của Jeff Bridges (nếu bạn không tham gia vào toàn bộ điều ngắn gọn), và Buttressed bởi bước ngoặt 10 gallon của Sam Elliott là người lạ, trong khi John Goodman vuốt Hiển thị với mục đích ồn ào của mình về nhà văn-đạo diễn John Milius. Mặc dù anh ấy đã phân bổ không có nhiều cảnh hơn một bát bowling có lỗ hổng, nhưng John Turturro, tóc nến, giả Tây Ban Nha (Hồi Don Don Fuck với Chúa Jesus! Wilkins

31. Ngày dài đóng cửa

Đỉnh cao của quá trình tự truyện bắt đầu trong bộ ba phim ngắn nổi tiếng của anh và tiếp tục trong những gì vẫn còn là kiệt tác của anh, những giọng nói xa xôi, vẫn còn sống, Terence Davies, The Long Day đóng cửa nhà làm phim Anh đối với lãnh thổ dễ tiếp cận hơn một chút. Với ánh sáng vàng, lấp lánh và điểm nhập cảnh rõ ràng ở Bud Young Bud (Leigh McCormack khi còn là một Davies trẻ tuổi), nó hấp dẫn hơn nhiều so với thế giới bị tắt tiếng, khuếch tán của những giọng nói xa xôi. Như trong bộ phim trước đó, và tính năng mới nhất (hoàn toàn hư cấu) của anh ấy, The Deep Blue Sea, Davies sử dụng một cách tiếp cận khung hình trượt để kể chuyện, xây dựng những cảnh riêng biệt về cuộc sống cá nhân và xã hội (cuộc trò chuyện giữa hai người là mối quan tâm lớn của Davies ) và xâu chuỗi chúng lại với nhau thông qua cả chuyển động âm thanh và máy ảnh. Nếu ngày dài khép lại không tấn công tôi về mặt cảm xúc như những giọng nói xa xôi, tôi không thể phủ nhận rằng nó có tính năng đỉnh cao của cách tiếp cận chính thức của anh ấy, một chuỗi bốn phút được thiết lập để Debby của Reynold Tammy, liên kết với nhau của cuộc sống cho một cậu bé 11 tuổi vào những năm 1950, Liverpool, chơi, rạp chiếu phim, nhà thờ, trường học vào một chuyển động lớn khiêm tốn của máy ảnh từ phải sang trái. Sắt lạnh

30. Đường Carlito

Cách Carlito, trước hết là, nếu hoàn cảnh, một vòng đua chiến thắng sau Oscar cho Al Pacino. Và với Brian de Palma ở vị trí lãnh đạo, quầng sáng của phần tiếp theo không chính thức, thời gian thay thế, phần tiếp theo dường như bị treo ngay. Ra khỏi cánh trái, bộ phim nổi lên như một kiệt tác của đạo diễn, và bên trái, ý tôi là De Palma đang làm việc với công việc trước đây của anh ấy, trên bề mặt, dường như đồng thời mang theo chính thống hơn trong khuôn mặt của anh ấy (lửa trại của những người phù phiếm). Mâu thuẫn với Preminger trước vinh quang nhân tạo, tán tỉnh và chế giễu nhất trong cùng một nét rộng lớn, De Palma sử dụng các khung cảnh được kể một cách tỉ mỉ, sau đó lấp đầy chúng với những cuộc đối đầu không thể đo lường được và dư thừa không bền vững. Sean Penn, ẩn danh khi trở thành luật sư tài năng Kleinfeld đã giành được lời khen ngợi và giúp xác nhận giai đoạn hậu Spicoli trong sự nghiệp của mình, nhưng khán giả mới có thể ngạc nhiên như nhau bởi Viggo Mortensen. Christley

29. Bài học về bóng tối

Trong việc tái sử dụng các cảnh quay về việc đốt các mỏ dầu Kuwait sau hậu quả của Chiến tranh vùng Vịnh, Werner Herzog đã tạo ra một tầm nhìn tuyệt đẹp về ngày tận thế tăng gấp đôi như một lời bình luận về sự điên rồ và bản chất không thể tha thứ của con người cho phép gây ra xung đột vũ trang. Mặc dù những bài học dài của bóng tối được trao cho những bức ảnh trên không của cảnh quan bị tàn phá được đặt ra một cách epner và Mahler, Herzog cũng gắn một câu chuyện tối thiểu cho bộ phim, về một hành tinh bị phá hủy bởi chiến tranh hạt nhân, một câu chuyện mà đạo diễn liên quan đến Drawl Đức huyền thoại của ông. Đánh dấu sự tổng hợp hoàn hảo nhất của tiểu thuyết và phim tài liệu trong The Herzog Oeuvre, bộ phim rút ra sức mạnh của nó từ sự tương tác giữa hai chế độ, đưa chúng ta trở lại mặt đất (cả theo nghĩa đen và ẩn dụ) khi bộ phim dừng lại để lắng nghe cuộc sống thực Lời khai của hai người phụ nữ đã phải chịu số phận khủng khiếp do sự tàn ác của con người tìm thấy biểu hiện lớn nhất của nó trong chiến tranh và mà đạo diễn tìm thấy một mối tương quan trực quan đáng kinh ngạc trong ngọn lửa phun ra từ những vũng dầu đen mà các lính cứu hỏa trị vì, nếu Chỉ để có một cái gì đó để đưa ra một lần nữa. Schenker

28. Chungking Express

Phong cách, lãng mạn và tự ý thức, express, giống như một màu nước ấn tượng treo trên tường của một quán bar lặn hợp thời trang: đó là một hương vị của ngôi nhà nghệ thuật nước ngoài cho đám đông trong nước vẫn có được hương vị cho nó, và nó vẫn là Wong Wong Nhập khẩu phổ biến nhất của Kar-Wai cho đến nay (lịch sự ít nhất là một phần của Quentin Tarantino, người có cánh tay của Miramax, người đã giúp giới thiệu nó với khán giả Bắc Mỹ). Các bề mặt của nó, tất nhiên, rất quyến rũ, khung hình phù hợp để bùng nổ với sự sống động và bồn chồn của nhạc jazz tự do, nhưng nó có tinh thần tình cảm, hào phóng, khiến nó trở nên cộng hưởng lâu dài hơn. Một hạm đội, câu chuyện tình yêu mê sảng về trật tự cao nhất, trái tim chính của nó cuối cùng là bằng chứng tích cực rằng một bộ phim nhỏ cần phải là một người nhỏ. Đầm lầy

27. Giấc mơ hoop

Những năm 90 của những năm 90 đã chứng kiến ​​một loạt các bộ phim được đặt trong các ghettos của Mỹ, và ít nhất ba bộ phim đáng chú ý đã được quay ở Chicago: Candyman chơi trên khán giả lo ngại về sự sai lệch và các khu vực của các thành phố mà họ không bao giờ mạo hiểm tham gia; Nhà ở công cộng truy tìm mối quan hệ phức tạp giữa cư dân nghèo và chính phủ hỗ trợ họ; Và những giấc mơ kỳ diệu đã nắm bắt được trái tim và linh hồn của hai gia đình người Mỹ gốc Phi nghèo khổ thông qua những người con trai của họ về khát vọng của họ về vinh quang bóng rổ do Nike tài trợ. Chúng tôi coi đó là điều hiển nhiên trong thế giới kỹ thuật số ngày nay, nhưng các nhà làm phim Steve James, Peter Gilbert và Frederick Marx đã khởi công bằng cách quay video trên video (trong đó sản xuất năm năm, phát triển rõ ràng từ Beta sang Beta SP), một sự cần thiết tài chính mà Bolsters của sự thô thiển nổi bật của tài liệu. Bị loại bỏ khỏi cảnh quay của Arthur Agee và William Gates trẻ tuổi, NBA hy vọng, những người phải cố gắng và vượt qua những bí ẩn của giai cấp khó khăn của họ, những giấc mơ nổi bật với sự giàu có đáng kinh ngạc của vật chất, vừa phải Khoảng thời gian nghiên cứu bất chấp năng lực viết của con người (Stuart Klawans nổi tiếng đã châm biếm rằng kịch bản được viết bởi Thiên Chúa). Đây là tiêu chuẩn mà tất cả các phim tài liệu có ý thức xã hội được so sánh. HEMELY

26. Qua cây ô liu

Tiêu đề kết thúc trong bộ ba của Abbas Kiarostami, Koker, thông qua các cây ô liu đã minh họa cả sức mạnh của hệ tư tưởng Iconoclast của Iran và tầm với của bài diễn văn tự phản xạ, siêu phản xạ của ông. Ngay lập tức là một câu chuyện về niềm tin vào những lời hứa của tình yêu và một sự giải mã của quá trình sáng tạo của chính mình, sự hư cấu đa diện, mất phương hướng này của một mối quan hệ giữa các cá nhân quan trọng trong bộ phim, cuộc sống của Kiarostami, và không có gì hơn, mang lại giá trị của sự nghiệp của thẩm mỹ về sự nghiệp của sự nghiệp của sự nghiệp của sự nghiệp của Kiarostami đến một nơi của cả sự hòa giải và tiềm năng kể chuyện mới rộng lớn. Sự kiên trì của nhân vật chính của anh ta khi đối mặt với sự thất bại tìm thấy sự tương tự điện ảnh của nó trong Kiarostami, việc tháo dỡ phương pháp của riêng mình, một cảnh nhập khẩu không được biết đến tiết lộ một ẩn ý dày đặc và hậu quả không lường trước được trong ứng dụng của nó. Đúc một diễn viên để tự đóng, chỉ đạo một bộ phim mà chính nó là một điếu văn cho dân làng mà anh ấy vinh dự ở nơi nhà của người bạn? Một phương tiện rất rõ ràng của tự phê bình và đóng cửa. Rất ít bộ phim có thể yêu cầu một chức năng tương tự, chứ đừng nói đến phần thưởng mang lại cho người xem sự hấp dẫn vô tận như vậy. Cronk

25. Mẹ và con trai

Khái niệm về điện ảnh như một loại tác phẩm nghệ thuật sống có mặt ở mẹ và con trai, một chất lượng được củng cố theo chủ đề bằng cách diễu hành theo phương pháp của các nhân vật, theo phương pháp của Alekurov. để sụp đổ cả không gian và thời gian. Hiệu ứng thường là một bức tranh chuyển động theo nghĩa đen và việc sử dụng máy ảnh sokurov của Sokurov, thường xuyên cho thấy một họa sĩ bậc thầy tạm dừng trong vài phút, nếu không phải hàng giờ hoặc ngày, giữa mỗi lần chụp ảnh tàn phá. Sự lật đổ nghiêng và mê hoặc của sáng tác truyền thống này vừa là một minh chứng và sự nâng cao của ngôn ngữ phổ quát của điện ảnh, và sự thuần khiết nguyên tố của mẹ và con trai là nó thường gợi ý một tạo tác phong hóa còn sót lại từ một nền văn minh bị lãng quên. Sự sống và cái chết hợp nhất trong bộ phim, những cảnh quan đầy gió, nơi cô lập, nơi đứa trẻ phát triển hoàn toàn có xu hướng cha mẹ ốm yếu của mình nhiều như cô chắc chắn đã làm với anh trong những năm đầu đời. Vòng tròn của cuộc sống được coi là một ánh mắt dường như vĩnh cửu, ngay lập tức khẳng định cuộc sống và không sợ hãi về những gì nằm ngoài. Con người

24. Husbands and Wives

A chronicle of a split foretold, Woody Allen’s Husbands and Wives catalogues the insecurities that rock a marriage when another dissolves. Sally (Judy Davis) and Jack (Sydney Pollack) announce their breakup, and Judy (Mia Farrow) elevates the pair’s amicable decision to the level of tragedy. And when Sally’s husband, Gabe (Allen), falls for a student who loves older and men and looks for reason (read: God) in Time magazine, something close to tragedy ensues. The film is shot like a documentary, though Allen’s camera doesn’t observe marital chaos so much as it queasily instigates it. The thoughtful framing, as in a scene in which the viewer adopts Gabe’s point of view as he and Judy spar over a diaphragm, is a paranoiac’s gaze, and it’s unparalleled in Allen’s canon, matched only by the dialogue’s funny, sad, often depressing insights. Allen understands the emotionally fragile, confusing period after a breakup: the jealousy of an ex-lover finding love with another too soon; the desire to return to an ex-lover when a new lover disappoints; and the comfort we find in a loveless but comfortable state of constancy. Metabolically, it’s everyone’s rhythm. Gonzalez

23. Jackie Brown

After Reservoir Dogs’s gut-punch fatalism and Pulp Fiction’s mesmerizing dynamism, Quentin Tarantino surprised everyone by going all Douglas Sirk on audience’s asses with Jackie Brown. The film’s crime-saga façade hides an emotionally complex love story between the titular Jackie (Pam Grier), a sexy stewardess embroiled in a dangerous drug ring, and Max (Robert Forester), an old-school bail bondsmen who can’t help but fall head over heels for her imposing beauty. This amazingly sincere pair resides at the center of a sublime and mournful melodrama draped in jive talk, double-crosses, and thematically resonant soul music. Fate and chance seem to inspire every vibrant scene, from the audacious set piece inside the Del Amo Mall to the final parting moment shared between two lovers who never were. Like most films that examine the mysteries and disappointments of unrequited love, Jackie Brown ends with a fleeting goodbye and an infinite sense of yearning. Yet this one stings. No single moment in the Tarantino canon has held so much unresolved emotion. Heath Jr.

22. Rushmore

Wes Anderson’s oppressively set-designed films may resemble stuffy dioramas more than any semblance of reality, but the heightened versions of kid lit he explores in them contain a distinct emotional through line, with characters inventing their own bubble kingdoms to block out the harsh realities of the outside world. Rushmore served as our initial introduction to this style, after the comparatively helter-skelter Bottle Rocket, and the singular character of Max Fischer—preternatural overachiever, frustrated genius, and nasty martinet—is still probably the most realistic distillation of the director himself, who himself uses these cute capsule realities to avoid confronting the messier vagaries of life. Yet despite their borderline preciousness, Anderson’s worlds aren’t idylls, containing bittersweet stories that build to the inevitable intrusion of real, muddled emotions, deteriorating the sanctity of these color-coded, fussily framed worlds. It’s this condition that grants Rushmore an autumnal air of melancholy. Cataldo

21. A Moment of Innocence

Culminating in one of the most breathtaking final freeze frames this side of The 400 Blows, A Moment of Innocence is Iranian director Mohsen Makhmalbaf’s fabricated attempt at an authentic mea culpa. Or his complex, tortured admission that such an attempt would be impossible. Either way, you know his penitence must be real, because Makhmalbaf’s distancing techniques give his audiences every reason to mistrust his intentions as he works with young actors to recreate the life-altering moment that sent him to prison for four years (he stabbed a police officer under the Shah prior to the Islamic Revolution). A Moment of Innocence knowingly skirts the line between documentary and fictitious representation as Makhmalbaf recruits the man he stabbed into selecting actors to represent them during that fateful moment, and the dialogue it draws between the past and the present (as both Makhmalbaf and his young actors attempt to right wrongs like Dr. Sam Beckett) emerges as if not an explanation for the cycle of violence, then at least an empathetic reckoning. Henderson

20. Starship Troopers

It seems fitting that it took stumbling upon an obscure Soviet-era concept for me to feel like I had the vocabulary to talk about Paul Verhoeven with any degree of accuracy. That concept is stiob, which I’ll crudely define as a form of parody requiring such a degree of over-identification with the subject being parodied that it becomes impossible to tell where the love for that subject ends and the parody begins. And so there, in 32 words, is the Hollywood cinema of Paul Verhoeven. Starship Troopers then has to be a bad movie, insofar as that means that the acting is not dramatically convincing, the story is hopelessly contrived, the special effects are distractingly garish in their limb-ripping and bone-crunching, because the point isn’t to do better than Hollywood (that would run counter to Verhoeven’s obvious love of these cheap popular forms), but to do more of Hollywood, to push every element to its breaking point without caving to the lazy lure of ridicule. The result is a style that embraces a form as fully as possible only to turn it back against the content, and one of the greatest of all anti-imperialist films. Coldiron

19. Being John Mlkovich

To watch Being John Malkovich is to be inside the minds of Spike Jonze and Charlie Kaufmann as much as it is to be inside Malkovich’s, which is to say it’s an alluringly trippy two hours. Few other debuts of the ’90s—or, really, any other decade—struck such a new and original chord; fewer still introduced us to both a director and screenwriter whose subsequent work has proven equally worthwhile. For all the talk of surreality and (sub)consciousness around which discussion of the film tends to center, its humor is just as memorable: everything from “Take that, Malkovich!” to a closing line about immortality and Gary Sinise. Jonze’s film is a triumph on many levels (formal, thematic, conceptual), but it’s at its most unique when weaving several threads at once without even letting on that it’s doing so. At once dense and accessible, philosophically abstruse and massively entertaining, it’s too rare an object—something to which more than a few lackluster imitators can attest. Nordine

18. The Decalogue

A 10-part series on the Ten Commandants might sound like a tedious chore, but Krzysztof Kieślowski’s routinely heartbreaking series of parables is less interested in the faithful application of these rules for living than all the shades of grey they fail to account for, turning each aphorism into a complicated moral puzzle. Scuffling around the darkened corners of the human soul, they present ethical behavior as a spectrum that lacks obvious definitions, a confusion the film tempers through the insistent bellwether of human decency. From the story of a man skipping out on his family to help an ex-lover find her missing husband on Christmas Eve in part three, to the tale of a woman plotting to abduct her own child in part seven, Kieślowski eschews easy answers and neat conclusions, filtering all the action through the shared location of a single housing block, presented as an inter-linked system of sad stories waiting to be told. Cataldo

17. Heat

Michael Mann’s crime-cinema cool is epically engineered in Heat, his 1995 film that pits Al Pacino against Robert De Niro in a cat-and-mouse cops-and-robbers saga. Though pairing the iconic actors on screen for the first time, Mann gives them only one pre-climax scene together, a diner-set conversation that lays bare the film’s opposing-forces dramatic dynamic, all centered around Pacino’s loudmouthed cop attempting to nab De Niro’s routine-driven thief. That the headliners imbue this showdown with larger-than-life grandeur is to be expected, but it’s Mann’s sleek, muscular direction that drives this well-oiled machine, which is also fueled by a host of supporting turns led by a phenomenal (and phenomenally pony-tailed) Val Kilmer. Infusing a standard-issue scenario—replete with notions about the similarities of its good and bad guys—with shimmering sexiness and existential confusion and dread, it remains both heady and electrifying, a film capable of wrestling with questions of identity, fate, and purpose while also delivering, via its centerpiece, a bank-robbery shootout of rousing vitality. Schager

16. Short Cuts

No, Short Cuts isn’t particularly faithful. It’s not just that Robert Altman’s characters are constantly dissolving into stuttering convulsions of therapeutic laughter, usually shocking themselves in the process, that stands in contrast with writer Raymond Carver’s usually bemused demeanor. The Altman patchwork itself is an exercise in maximalism, the diametric position from the individual moments of clarity to be found in Carver’s short stories. And you know what? It’s a match made in heaven, and consummated with thick irony in the valley of Los Angeles. In the nearly two decades separating Short Cuts from its quilted ’70s cousin, Nashville, Altman had lost none of his acerbic, humanistic brand of sympathetic contempt. But Short Cuts demonstrates less interest in the ways humans’ behavior disrupts the lives of other humans, and more fascination with how they adapt to the game of chance or die trying. Boasting more great performances than basically any other movie of its era (and also Andie MacDowell’s best), Short Cuts is a sustaining environment unto itself. Henderson

15. Dead Man

Death is a spinning coin in Jim Jarmusch’s Dead Man, at once a liberating process of self-realization and an absurdly violent culmination of fate. Filmed in stunningly crisp black and white by the great cinematographer Robby Muller, Dead Man lives in the forested hills, rivers, and rock formations of Anthony Mann. It’s one of the few westerns that embraces Native American spirituality and philosophy as a driving thematic force, often juxtaposing nature’s purity and silence with the destructive, sadistic, and dispassionate ethos of manifest destiny and the post-industrial age. The story of a banker named William Blake (Johnny Depp) who travels west from Cleveland only to find mud, grime, and “white man’s metal” is a daring and darkly comic subversion of western machismo and heroism. Blake’s bloody journey is populated by strange and haunting variations on classic genre archetypes, none more enduring than his mixed-blood native guide, Nobody (Gary Farmer), a linguist and poet educated in British schools and subsequently deemed an outcast by his own people. Together, the two pariahs form a complex friendship that becomes Jarmusch’s thesis statement against the savagery of capitalism, but more importantly his perfect portrait of otherworldly transference. Heath Jr.

14. Showgirls

There are a few things we have to get off our chests, lest they start feeling good in a nice dress or a tight top. We at Slant Magazine were clearly feigning our love for Showgirls solely because it was disreputable to admit fandom. We obviously only wanted to make a name for ourselves. We wanted to trash the canon and canonize trash because upending the established order is easier than performing deliberate taxonomy. We are actually all heterosexual males and watch movies strictly for the tittays. So does Jacques Rivette. He told us his 84-year-old erection’s favorite movie is probably Showgirls. If you believe one word of this capsule, take a closer look at these nails I just manicured for you, because you don’t know shit! Which is to say, there are myriad right reasons for loving Showgirls, but there are also plenty of wrong ones for hating it. And now that Tommy Wisea’s The Room has been embraced by every hipster-than-thou cinephile in an orgy of self-congratulatory bad-movie worship, a legitimately disreputable masterpiece like Showgirls still needs all the help it can get. Henderson

13. Pulp Fiction

Accept no substitute. Jackie Brown may very well be the greater film: pleasure-giving, tender, coolly assured, yet impossibly delicate. But Pulp Fiction seems like a chapter heading in a massive tome on the history of the cinema. Quentin Tarantino’s influences are well-catalogued, of course, earning him praise and condescending dismissal from various, breast-beating quarters of the critical world. For fans like me, there’s “before Pulp Fiction” and “after.” It didn’t invent cinephilia, obviously, but it seemed to revitalize it and recruit from the younger generation in large numbers. Lament fanboy culture all you like, or decry the “movies aren’t great anymore, only cool” phenomenon whose DNA can almost certainly be traced back to the “Royale with cheese” conversation, but lots of young moviegoers were blown away—and continue to be blown away—by Tarantino’s breakout hit, and it’s helped connect them to movies in ways that were, before 1994, simply not on their itinerary. Its elusive, addictive thing-ness remains fresh today, a potent brew of genre and visceral pleasures, a catalogue of comedy (black, visual, low-brow, shock, awkward pause, etc.), structured to feel like a party that went all night and well into the morning. Christley

12. Naked

Throughout a career defined by the endless gallery of remarkable characters he’s presented us with, Mike Leigh has never exceeded the complexity, verve, and loathsomeness of David Thewlis’s Johnny, the central figure in his 1993 masterpiece, Naked. A self-described “cheeky monkey,” the character is introduced raping a woman in a Manchester alley, before moving to London to crash with an ex-girlfriend and her roommate and embarking on an odyssey through the dark night of that town’s streets. A man filled with a perverse, probably uncontrollable need to hurt everyone around him, Johnny is perfectly matched to the seedy London backdrop that Leigh memorably concocts. Mirrored by a charmless, more directly sexually aggressive rapist, and countered somewhat by the capacity for kindness displayed by the film’s female characters, Johnny is the unquestioned star here, given free reign to unleash his ferocious intelligence, pun-heavy spurts of brilliant wordplay, and odd charm in the service of winning over people only to leave them damaged and deceived. As such, Naked stands as an exquisite symphony of cruelty in which tentative bursts of human feeling are either perverted by sinister impulses or else cruelly betrayed—and an unparalleled example of Leigh’s rare gift for crafting characters at once repugnant and irresistibly fascinating. Schenker

11. Twin Peaks: Fire Walk with Me

The prospect of a movie tying up the world of Twin Peaks following its ratings-driven implosion and apocalyptically open-ended finale offered a shot at critical and commercial redemption to everyone involved. Instead, David Lynch filmed a prequel, one that could only end in the brutal rape and murder of Laura Palmer, the mysterious crime that set the series moving. Moreover, a prequel that relegated Agent Dale Cooper, the show’s most popular character, to a strange aside featuring David Bowie, and took an hour to even introduce the residents of Twin Peaks. This opening, setting a more immediately paranoid tone against the show’s aw-shucks surrealism, follows Chris Isaak and Kiefer Sutherland as they investigate the murder of a drifter named Teresa Banks, a process that leads them to dancing cousins, gruff waitresses, asshole local cops, lipstick graffiti, and an even more haggard than usual Harry Dean Stanton. When the film finally arrives in Twin Peaks and Angelo Badalamenti’s iconic title song ambles onto the soundtrack, it plays as a tremendously dark joke, the relief of getting to what we all came for barely masking the awful reality of what that actually is. What follows is the most terrifying hour and a half in American cinema, David Lynch’s suburban Inferno. Coldiron

10. Tai nạn

Trong vụ tai nạn David Cronenberg, chiếc ô tô vượt qua các mối liên hệ thông thường của nó với chủ nghĩa biểu hiện nam tính và tình trạng để trở thành một phần mở rộng tâm lý, gần như theo nghĩa đen của cơ thể. Sự rõ ràng giật gân của vấn đề vẫn là điểm thảo luận lớn nhất (thường là duy nhất) cho những gì có thể là nỗ lực được đánh giá thấp nhất của Cronenberg, một quan điểm rút gọn bỏ qua bộ phim nhất thiết phải làm xáo trộn và tìm hiểu sâu sắc về mong muốn của con người. Những bức ảnh báo trước của các đường cao tốc đông dân đã tạo ra giai điệu: Đây là những avatar được tạo ra những kẻ hủy diệt và những người giải phóng của xác thịt. Tình dục và cái chết từ lâu đã cùng nhau đi một dòng trong các bộ phim kinh dị, nhưng Crash không phải là thương hiệu chính thức của người Canada. Bên dưới máu, mồ hôi, kim loại, thủy tinh và tinh dịch, bộ phim là sự lãng mạn bi thảm, vượt ra khỏi con đường của nó thuật ngữ, tưởng tượng hoặc thực tế. Bạo lực ở đây thường được dự đoán tốt hơn so với kinh nghiệm, nhưng đối với một số người cụ thể là, Elias Koteas, mộc mạc, tôn sùng cơ học của Vaughan, thì mong muốn áp đảo hậu quả. Về lâu dài, hầu hết chúng ta không khác nhau, nếu ít hơn một chút về nó. Con người

9. Hương vị của anh đào

Thật khó khăn khi bất cứ ai ở bất cứ đâu có thể xem hương vị anh đào của Abbas Kiarostami, yêu thích nó một cách nhiệt tình, và sau đó cho rằng pomo coda khẳng định cuộc sống của nó được cắt bỏ, vì những người ngưỡng mộ của bộ phim đã làm sau khi bộ phim ra mắt tại Liên hoan phim Cannes năm 1997 , Kiarostami thực sự đã chú ý đến lời khuyên của họ, vượt qua kết thúc cho cuộc chạy bộ sân khấu của nó ở Ý). Những khoảnh khắc cuối cùng quý giá đó là một sự phá vỡ văn bản từ hành động, được quay trên video, trong đó các diễn viên và đoàn làm phim được chiếu chuẩn bị một cảnh từ bộ phim đến âm thanh của St. Bệnh xá James, một bước đi lớn và duyên dáng vượt ra ngoài văn bản của cả phim và cuộc sống, một sự giải thoát khỏi một ngôi mộ anh hùng và một câu chuyện đóng cửa. Đó là nơi mà cuộc hành trình dài vào ban đêm và cái chết mang đến cho chúng ta: chúng ta thức dậy dưới ánh sáng ban ngày, bên ngoài thế giới của bộ phim, vui mừng trong hành động của điện ảnh. Nó không có gì; Nó mở rộng, làm phong phú, làm tăng tất cả những gì đến trước nó. Đó là cuộc đảo chính cuối cùng: Video Handycam vài phút biến đổi một bộ phim rất hay về cái chết thành một bộ phim tuyệt vời về cuộc sống. Đầm lầy

8. Tấm đất

Tiểu vương quốc Dubal Kusturica, là một tác phẩm kỳ quặc, tò mò về mặt đạo đức của tiểu thuyết tường thuật chính trị, than vãn về xu hướng tự hủy diệt của chúng ta. Ngày xửa ngày xưa, có một đất nước. Được sở hữu bởi nhịp đập văn hóa của quê hương, Kusturica yêu Gypsy cấu trúc phần lớn bộ phim, một câu chuyện về một gia đình bị xé nát bởi chính trị và tham lam, như một đảng khối tận thế, một minh chứng cho sự kiên trì của con người. Đánh dấu. Tock. Đánh dấu. Tock. Đó là âm thanh của một người đàn ông mà đồng hồ bấm giờ xoay quanh, và nó ở đó để nhắc nhở chúng ta rằng nó chỉ là vấn đề thời gian trước khi mọi người và quốc gia cảm thấy sự châm biếm của DOOM. Một sự pha trộn độc đáo của tát Lowbrow và bình luận chiến tranh tinh vi, Randy Peepshow này mời và kiếm được các so sánh để có hoặc không; Như trong Masterwork của Lubitch, nghệ thuật trở nên không thể phân biệt được với thực tế, và nghệ thuật là lớn vì mọi người sống lớn. Không có chiến tranh nào cho đến khi một người anh em giết một người anh em. Đó là câu hỏi hóc búa về chính trị và triết học của Nam Tư, nhưng Kusturica dự định chủ nhân nhân văn của mình như một viên nang thời gian cho tất cả các quốc gia. Khi nào đảng kết thúc và chiến tranh bắt đầu? Nó không phải. Gonzalez

7. An toàn

Có một cái gì đó trong không khí: Trong Somnambulant của Los Angeles, đó là một mélange dày đặc của sương mù màu vàng và độc tố vô hình, một số chất độc môi trường bí mật gây ra Máy ảnh), mặc dù có lẽ, như các bác sĩ của cô nhấn mạnh, không có gì cả. Một chẩn đoán xiên xác nhận ý nghĩa lan tỏa của Carol rằng, sâu thẳm, có gì đó không ổn, nhưng chúng ta không cần chuyên môn về chủ đề nhạy cảm hóa học đối với nghi ngờ rằng, thực sự, sự mệt mỏi vô tận của sự tồn tại của cô ấy, đáng sợ là nguyên nhân hơn là triệu chứng, và rằng sự trợ giúp được cung cấp bởi một khóa tu sa mạc từ xa mang tính xã hội hơn là thể chất. Nó nói rằng bối cảnh tình dục vô hồn gần đầu phim là đáng sợ, nói một cách tồn tại, hơn bất kỳ căn bệnh xúc giác nào ảnh hưởng đến Carol trong cơn đau của cô; Đó là một tầm nhìn của cuộc sống đến nỗi hoàn toàn cạn kiệt sức sống và tinh thần đến nỗi phương pháp điều trị khả thi duy nhất có thể là sự thay đổi mạnh mẽ, vĩnh viễn. Đầm lầy

6. Sátántangó

Sátántangó ngồi ở trục của những năm 1990 như một khối đá nguyên khối bất động. Đài tưởng niệm bảy tiếng rưỡi của Béla Tarr, về sự đau khổ và sự lừa dối, bởi hầu hết các tài khoản, là một trong những bộ phim ảm đạm nhất từng được thực hiện. Tuy nhiên, từ một góc độ khác, Sátántangó là một bộ phim hài có tỷ lệ sử thi tối tăm. Vì vậy, một sự gợi lên thảm khốc của xã hội Hungary, một người dường như đã thu hút mọi hy vọng cho sự tiến bộ văn hóa, hoặc một bộ phim hài đen hiện hữu trong sự tuyệt vọng và sự ngu ngốc của một cộng đồng đánh vần bởi sự xuất hiện trở lại Học thuyết vừa thôi miên và nguy hiểm? Đối với Tarr, hai người không thể tách rời, có lẽ một trong cùng một. Khi chúng ta ngồi, không kém, như một bác sĩ thừa cân tự uống tình cảm trong thời gian thực, hoặc khi một cô bé hành hạ một con mèo chỉ để cảm thấy một điều gì đó khác với sự cô đơn, không thể không nhếch mép nhận ra Không thể tránh khỏi tuyệt đối của trạng thái cảm xúc và thể chất này mà chúng ta đã chọn để gọi cuộc sống. Tarr tuyên bố vào thời điểm đó, ông dự định Sátántangó đại diện cho sự kết thúc của điện ảnh, và mặc dù phương tiện sống sót, nhưng rất khó để tranh luận rằng nó một lần nữa đạt đến đỉnh cao của sự siêu việt tâm lý và tâm linh. Cronk

5. Goodfellas

Người thừa kế của Bố già II, Goodfellas của Martin Scorsese (được đồng sáng tác bởi Nicholas Pileggi, dựa trên cuốn sách năm 1986 của ông Wiseguy) là một vụ nổ của nỗi nhớ, hồi hộp và kiểm duyệt, tất cả đều xoay quanh câu chuyện về cuộc sống thực sự của Henry Henry Henry . Phong cách của Scorsese ở đây rất phấn khích đến nỗi, với cú sút theo dõi nổi tiếng của anh ấy vào một hộp đêm, nó trở thành một phần của vở kịch điện ảnh hiện đại, giống như Joe Pesci, Ý bạn là gì tôi có nghĩa là gì? Rant, cùng với tài xế taxi của Robert de Niro, những đoạn độc thoại, tự ghép lại tâm lý pop-bovie. Được củng cố bởi sự tàn nhẫn đầy tham vọng của Liotta, mối đe dọa giống như rắn của De Niro, và sự hung dữ của Pesci, bộ phim bán tội phạm là gợi cảm và thú vị trước khi biến thành một cơn ác mộng tốc độ của hoang tưởng, phản bội và thất bại trong quá trình đặt ra khỏi khuôn viên. cho quân đoàn của gangster-cinema gõ sau đó. Schager

4. Một ngày hè tươi sáng hơn

Định hình những cuộc cãi vã nhỏ nhặt của các băng đảng thanh niên và những tai ương trong nước của các thành viên trong một chu kỳ hoạt động của những người lưu vong, một ngày mùa hè tươi sáng hơn dần dần tích lũy Cha mẹ truyền lại cho những đứa trẻ bối rối, bối rối của họ. Bị buộc rời khỏi quê hương Trung Quốc bởi Cách mạng Cộng sản, những người trưởng thành trong bộ phim Edward Yang, dành thời gian để tìm kiếm vùng đất đã mất của họ, chờ đợi những vết sẹo cũ chữa lành và điều chỉnh một lối sống mới. Những đứa con của họ, sinh ra lưu vong, dành cả ngày để đi lang thang trên đường phố, tái tạo những cuộc đấu tranh của quá khứ thông qua các cuộc cãi lộn và tranh chấp lãnh thổ, tập hợp thành các băng đảng để kết nối và trú ẩn. Mười năm trước khi của anh ấy như nhau, nếu không phải là một sự ly kỳ, Yi Yi, Yang sử dụng một cách thành thạo âm nhạc thời kỳ, các tác phẩm bị chia cắt gọn gàng và những bóng tối ngớ ngẩn để cho thấy một ngọn lửa thất vọng nhỏ có thể bùng lên thành một hành động bạo lực khủng khiếp. Cataldo

3. Cận cảnh

Không ai ngoài Abbas Kiarostami dường như có khả năng nhận ra sự khiêu khích chính trị của Hossein Sabzian, đối với chủ nghĩa hiện thực trong điện ảnh khi ông đưa tên Mohsen Makhmalbaf. Đơn giản nhất, cận cảnh của nó đã giải quyết sự biện minh đạo đức của Sabzian vì đã nhận được bản sắc của Makhmalbaf (đối với anh ta, nó phát sinh từ tình yêu của anh ta về nghệ thuật), nhưng thiên tài của bộ phim không phải là nó cho thấy rằng không có sự biện minh hợp pháp hay hợp pháp cho các hành động của Sabzian, Nhưng sự bảo vệ của Sabzian là không thể hiểu được trừ khi khán giả có thể chia sẻ niềm đam mê nghệ thuật của người đàn ông như là người giải phóng văn hóa và trí tuệ. Chỉ khi bạn nghĩ rằng bạn đã tìm ra bộ phim, một chuỗi tín dụng thách thức, mờ mắt và làm phức tạp bất kỳ nhận thức nào mà khán giả có thể có về điện ảnh thực tế Câu chuyện, nhưng các diễn viên của nó đều đang tự chơi. Ngay cả khi người ta không chia sẻ niềm đam mê của Sabzian về sự thuần khiết và cấp bách của rạp chiếu phim của đất nước anh ta, người ta cũng hiểu điều đó, cách đưa tên của Makhmalbaf có nghĩa là trở thành một phần của một nhóm người ưu tú chịu trách nhiệm truyền giáo cho mọi người vào nghệ thuật và kết quả là thế giới . Kiarostami, một người đàn ông không phán xét, nhìn thấy trong câu chuyện này cả vinh quang và nỗi buồn của một người đàn ông phải giả vờ là một người đàn ông khác để được nhìn và nghe thấy. Gonzalez

2. Tắt mắt

Ngay cả sau khi chết, Stanley Kubrick tiếp tục tranh cãi về tòa án. Eyes Wide Shut đã bị MPAA chịu sự ngu ngốc của sự thay đổi kỹ thuật số, có những người ngoài cuộc của CG được chèn vào các cảnh orgy (thực sự khá thẳng thắn) của nó, để đạt được xếp hạng R. Bài hát thiên nga của Kubrick điều hành cặp vợ chồng sức mạnh trước đây Tom Cruise và Nicole Kidman thông qua trình vùi tình cảm, chơi với các khe nứt chắc chắn làm gãy xương mặt tiền của bất kỳ mối quan hệ cao cấp nào, và sau đó khai thác điều đó để thúc đẩy sự thay đổi vào ban đêm thông qua một thế giới của các khả năng của giới tính (và lên đến và bao gồm cả orgy đã nói ở trên) rằng Manhattan Medico của Cruise trải qua. Bất cứ ai nghĩ rằng Kubrick đều không quan tâm đến nội thất nên nghiên cứu chặt chẽ Cruise và Kidman, kéo dài, thú nhận bằng nồi. Tuy nhiên, chế độ thống trị ở đây, vì sách giáo khoa được hiển thị trên một kệ sách của học sinh, chỉ ra một cách hữu ích, là xã hội học: thứ tự mổ ra tiền mặt và đẳng cấp, hoặc, để nói một cách khác, người làm điều đó và người bị đụ. Sau đó, hầu như không có gì đáng ngạc nhiên khi động từ linh hoạt này trong thì rõ ràng của nó, được thốt ra bởi Kidman, über-Hausfrau như một nỗ lực thở hổn hển cuối cùng trong việc hòa giải, cung cấp cho đôi mắt mở rộng với cú đấm hoàn toàn tục tĩu của nó. Wilkins

1. Đường màu đỏ mỏng

Terrence Malick có thể làm một bộ phim về bất cứ điều gì và nó vẫn sẽ là về mọi thứ. Mặc dù vậy, thật khó để tưởng tượng một thiết lập có lợi cho những suy ngẫm về cuộc sống của anh ta hơn Đảo Guadalcanal, tổ chức một trận chiến WWII bị lãng quên xảy ra vào năm 1942. Bức hiệu của Line Red Line là một cuộc giao tranh không đáng kể là không Sự trùng hợp ngẫu nhiên: Bộ phim của Malick nói về chiến tranh như Citizen Kane nói về các tờ báo, có nghĩa là tiếng súng và vụ nổ làm gián đoạn suy ngẫm trữ tình của những người lính thay vì cách khác. Rất nhiều nổi lên từ hàng tá giọng nói chồng chéo của người kể chuyện (ký ức về những người thân sắp chết, khao khát nhà ở, những câu hỏi về những gì đang chờ họ nếu họ rơi), không ai trong số đó đáng chú ý hơn sự bình tĩnh gần như siêu việt mà ngay cả tuyệt vọng nhất của các tình huống. Malick đã nhìn thấy một thế giới khác, và khi chia sẻ một cái nhìn thoáng qua về nó với chúng tôi, anh ấy đã cung cấp cho người xem bộ phim chiến tranh để kết thúc tất cả các bộ phim chiến tranh, điều này đặc biệt tuyệt vời khi dòng màu đỏ mỏng manh trong một số giác quan không phải là một bộ phim chiến tranh. Nordine

5 bộ phim nổi tiếng trong thập niên 90 là gì?

Fight Club có phải là Top 100 bộ phim không?

Những gì được phát hành vào những năm 90?

Fight Club có phải là Top 100 bộ phim không?