5 phim kinh dị hàng đầu hollywood năm 2022

TEXT VIEW

IMAGE VIEW

ADVERTISEMENT

Thursday Oct 14, 2021

Khi tiết trời se se lạnh, trên phố những bộ trang phục ma quái, bộ xương, mũ phù thủy… bắt đầu được bày bán, không có gì tuyệt hơn là cuộn mình trong một chiếc chăn ấm, nhấm nháp chút đồ uống và tự tạo một địa ngục trần gian tại nhà với một phim kinh dị.

Để chào mừng mùa lễ hội Halloween sắp về, WOWWEEKEND sẽ tổng hợp danh sách 9 bộ phim kinh dị hay nhất, thách thức giới hạn tinh thần, để bạn xem trong những ngày sắp tới nhé.

Vòng tròn định mệnh – The Ring (2002)

• Điểm IMDb: 7.1
• Thể loại: Kinh dị
• Quốc gia: Mỹ
• Đạo diễn: Gore Verbinski
• Diễn viên: Naomi Watts, Martin Henderson, Brian Cox...

Nhắc đến những bộ phim kinh dị hay nhất mọi thời đại, không thể không kể đến phim Vòng tròn định mệnh. Nội dung phim xoay quanh câu chuyện về cuốn băng video bí ẩn mà bất kỳ ai xem nó đều phải trả giá bằng tính mạng trong vòng 7 ngày. Sau cái chết của cô cháu gái, nữ nhà báo Rachel Keller đã tiến hành mở một cuộc điều tra. Thật không may, con trai cô cũng vô tình xem cuộn băng ấy và Rachel Keller phải chạy đua với thời gian để cứu mạng sống con trai.

Bộ phim không chỉ có nội dung gay cấn mà nhiều cảnh quay rùng rợn lôi cuốn người xem từ đầu đến cuối. Thế nên nếu bạn là người bị yếu bóng vía, thì đừng xem bộ phim này một mình nhé.

Mặt nạ bí ngô - Trick ‘r Treat (2007)

•  Điểm IMDb: 6.8
• Thể loại: Kinh dị
• Quốc gia: Mỹ
• Đạo diễn: Michael Dougherty
• Diễn viên: Dylan Baker, Rochelle Aytes, Quinn Lord…

Mặt nạ bí ngô là tập hợp của năm câu chuyện kinh dị vào đêm Halloween. Đó là một hiệu trưởng trung học hàng ngày có cuộc sống bí mật, là một kẻ giết người hàng loạt; một nhóm thanh thiếu niên chơi một trò đùa ác ý; một ông già xấu tính gặp một kẻ lừa dối ma quỷ… Điều duy nhất nối cả năm câu chuyện này lại với nhau chính là sự xuất hiện của Sam, một tay chơi trick-or-treat nhỏ tuổi bí ẩn, luôn xuất hiện với chiếc mặt nạ bí ngô trong mỗi câu chuyện… 

Những tình tiết kinh dị thót tim ở trong phim này đảm bảo khiến bạn sẽ không thể kìm nén tiếng hét của mình trong lúc đang coi phim đâu.

Ám ảnh kinh hoàng – The conjuring (2013)

• Điểm IMDb: 7.5
• Thể loại: Kinh dị
• Quốc gia: Mỹ
• Đạo diễn: James Wan
• Diễn viên: Patrick Wilson, Ron Livingston, Vera Farmiga…

Đây chính là bộ phim ám ảnh tôi trong thời gian dài nhất. Thậm chí lúc mới xem phim xong, tôi mất cả tuần để đèn điện sáng trưng khắp nhà khi đi ngủ. Mà không chỉ riêng tôi đâu, ngay khi mới ra mắt bộ phim này ngay lập tức nhận được nhiều lời khen của khán giả về các hình ảnh kinh dị trong phim. Ám ảnh kinh hoàng kể về cặp vợ chồng Warren, những người có khả năng ngoại cảm, điều tra các hiện tượng kinh dị bí ẩn. Một ngày nọ, con gái nhà Perron cư xử kỳ lạ như bị quỷ ám và họ đã nhờ vợ chồng Warren giúp đỡ. Những bí ẩn và ám ảnh kinh hoàng dần được hé lộ.

Trốn thoát – Get out (2017)

• Điểm IMDb: 7.7
• Thể loại: Kinh dị
• Quốc gia: Mỹ
• Đạo diễn: Jordan Peele
• Diễn viên: Daniel Kaluuya, Bradley Whitford, Allison Williams…

Bạn có thể bị đánh lừa rằng bộ phim này cũng ''nhẹ nhàng'' thôi, vì phim bắt đầu bằng một tình yêu dù khác sắc tộc nhưng thật đẹp. Thế nhưng càng về sau bạn sẽ nổi hết da gà cho mà xem. Phim kể về chuyện tình của chàng trai da đen người Mỹ gốc Phi Chris Washington và cô nàng da trắng xinh đẹp Rose Armitage. Trái với những lo lắng của Chris về việc khác biệt sắc tộc, gia đình Rose chào đón anh rất nồng nhiệt khi anh về gia mắt bố mẹ cô. Thế nhưng, sau đó anh phát hiện ra những sự thật khủng khiếp đằng sau vẻ hiếu khách, lịch lãm của gia đình bạn gái và phải nhanh chóng tìm cách trốn thoát.

Chú hề ma quái - It (2017)

• Điểm IMDb: 7.3
• Thể loại: Kinh dị
• Quốc gia: Mỹ
• Đạo diễn: Andy Muschietti
• Diễn viên: Jaeden Lieberher, Sophia Lillis, Bill Skarsgård…

Chú hề ma quái xoay quanh tình bạn của 7 đứa trẻ trong nhóm The Loser. Sự hồn nhiên vui vẻ của lũ trẻ không còn nữa bởi chúng đang bị ám ảnh bởi một thế lực tà ác trong hình hài chú hề. Đó là Pennywise, một gã hề ghê rợn. Gã đã mang đến sự chết chóc cho thị trấn Derry trong hàng chục năm qua và liên tục khủng bố tinh thần lũ trẻ bằng cách ''chơi đùa'' trên nỗi sợ hãi của trẻ con.

Không chỉ có lũ trẻ trong phim mới sợ hãi gã hề này đâu nhé. Những phân cảnh xuất hiện đầy bất ngờ của gã hề này khiến bạn không khỏi thót tim và đảm bảo bạn sẽ bị ám ảnh một thời gian dài với hình ảnh những chú hề đấy.

Di truyền – Hereditary (2018)

• Điểm IMDb: 7.3
• Thể loại: Kinh dị
• Quốc gia: Mỹ
• Đạo diễn: Ari Aster
• Diễn viên: Toni Collette, Milly Shapiro, Alex Wolff…

Di truyền được coi là một trong những bộ phim siêu kinh dị hay nhất năm 2018. Phim đã nhận được rất nhiều giải thưởng tại các liên hoan phim trong hai năm 2018 và 2019 và thu về số tiền cao gấp tám lần so với vốn đầu tư ban đầu.   

Nội dung phim kể về câu chuyện của gia đình Graham với cái chết đầy bí ẩn của bà ngoại Elle. Sau đó các bi kịch đầy ma quái, chết chóc liên tục ập đến với những thành viên khác trong gia đình. Dần dần những sự việc bí mật đen tối về dòng máu được di truyền từ tổ tiên của gia đình dần được hé lộ.

Vùng đất câm lặng - A Quiet Place (2018)

• Điểm IMDb: 7.5
• Quốc gia: Mỹ
• Thể loại: Kinh dị
• Đạo diễn: John Krasinski
• Diễn viên: Emily Blunt, John Krasinski...

Không nói về hiện tượng ma quái bí ẩn với những màn xuất hiện bất ngờ khiến bạn giật mình la hét, thế nhưng Vùng đất câm lặng vẫn được xếp vào hàng những bộ phim kinh dị hay nhất năm 2018. Nội dung phim kể về một vùng đất kỳ lạ, ở đó quái vật ngoài hành tinh đang xâm chiếm trái đất và con người phải sống trong lo sợ. Chỉ cần gây ra bất kỳ tiếng động nào thì tính mạng của bạn sẽ gặp nguy hiểm. Những người ở đó phải sống trong sợ hãi bất kể ngày đêm…

Ký ức kinh hoàng - Doctor Sleep (2019)

• Điểm IMDb: 7.3 
• Quốc gia: Mỹ
• Thể loại: Kinh dị
• Đạo diễn: Mike Flanagan
• Diễn viên: Ewan McGregor, Rebecca Ferguson, Kyleigh Curran...

Ký ức kinh hoàng dựa trên cuốn tiểu thuyết cùng tên năm 2013 của Stephen King, đây là phần tiếp theo của cuốn tiểu thuyết The Shining năm 1977 của nhà văn. Nội  dung phim là câu chuyện xoay quanh cậu con trai Danny của nhà Torrance khi đã trưởng thành và bắt đầu một cuộc sống mới. Thế nhưng anh vẫn bị cuốn vào cuộc chiến với thế lực hắc ám. Mục tiêu của chúng là bắt cóc và ăn linh hồn các “thấu thị” nhỏ tuổi để bất tử. Để bảo vệ bản thân và những người thấu thị khác, Danny đã quyết định đương đầu với nỗi sợ trong quá khứ.

Halloween chết người -  Halloween Kills (2021)

• Điểm IMDb: 7.5
• Thể loại: Kinh dị
• Quốc gia: Mỹ
• Đạo diễn: David Gordon Green
• Diễn viên: Jamie Lee Curtis, Judy Greer, Andi Matichak…

Bạn có dám xem bộ phim này vào đúng đêm Halloween không? Riêng tôi thì không dám rồi đó, bởi tôi bị ám ảnh bởi những hình ảnh quá đáng sợ trong phim. Nội dung bộ phim bắt đầu khi con gái Karen và cháu gái Allyson bắt được quái vật Michael Myers. Sau đó, chúng đã nhốt hắn dưới hầm nhà Laurie rồi đốt. Tuy nhiên, quái vật Michael đã trốn thoát và Laurie bị thương nặng. Vào đêm Halloween quái vật Michael Myers quay trở lại và cuộc trả thù đẫm máu đã diễn ra.

ADVERTISEMENT

After drawing up huge rankings of the best horror movies on Netflix and the best horror movies on Hulu, it’s safe to say we’ve gotten used to the challenge of diving through the refuse of a streaming service and searching for the gems. But we’ve never really experienced a library with just as much junk and treasure in it as the Amazon library. If you’ve been paying attention, then you know this is only compounded by the fact that the “browse” function on Amazon Video is completely and utterly broken.

That said, Amazon subscribers have access to a wealth of riches, many of them hiding in plain sight. Slowly but surely, they’ve built one of the biggest (and most random) horror streaming libraries. The trick is realizing those movies are there at all. Sure, it’s no surprise that something like Train to Busan is now on Amazon Prime, but the service is also packed with more obscure 1980s slashers than you can wave a machete at.

Therefore, fall back on our list of films that are worth your time for one reason or another—just don’t expect to find them via browsing.

You may also want to consult the following horror-centric lists:

The 100 best horror films of all time.
The 100 best vampire movies of all time.
The 50 best zombie movies of all time.
The 50 best movies about serial killers
The 50 best slasher movies of all time
The 50 best ghost movies of all time
The best horror movies streaming on Netflix
The best horror movies streaming on Hulu
The best horror movies streaming on Shudder

1. The Silence of the Lambs

The camera hugs her face, maybe trying to protect her though she needs no protection, and maybe just trying to see into her, to see what she sees, to understand why seeing what she sees is so important. Not even 30, Jodie Foster looks so much younger, surrounded in The Silence of the Lambs by men who tower over her, staring at her, flummoxed by her, perhaps wanting to protect her too, but more likely, more ironically, intimidated by a world that would allow such a fragile creature to wander the domain of monsters. As Clarice Starling, FBI agent-in-training, Foster is an innocent who’s seen more than any of us could ever imagine, a warrior who seems unsure of her prowess. That Jonathan Demme—a director who came up under the tutelage of Roger Corman, able to adopt then immediately shed genres at whim—corners Starling within the confines of a “Woman in Peril,” only to watch her shrug off every label thrown at her, is a testament to The Silence of the Lambs as feminist, not because it so thoroughly inhabits a female point of view, but because its violence and fear is the stuff of masculine toxicity. Demme’s film is only the second to adapt Thomas Harris’s Hannibal Lector novels to the screen, but it’s the first to draw undeniable lines between the way men see Clarice Starling and the way that serial killer Buffalo Bill (Ted Levine) projects his neuroses onto his victims. Demme (and Harris) links seeing to transformation to one’s need to consume, all pursued through a gendered lens, represented by the seemingly omniscient perspective of Hannibal Lector (Anthony Hopkins), a borderline asexual cannibal who literally eats those over whom he holds court. Buffalo Bill is a monster, and so is Lector, but the difference is that Lector does not attempt to possess Clarice Starling, though he sees her, because he is in control of that which he consumes. Buffalo Bill isn’t; as a man he believes that by consuming femininity he can become it, too stupid and too self-absorbed to realize that consumption is deletion, that wanting to protect a woman is only a matter of admitting that the World of Men is a weak and evil failure of the very ideals it strives to preserve. —Dom Sinacola

2. The Descent

True camaraderie or complex relationships between female characters isn’t so much “rare” in horror cinema as it is functionally nonexistent, which is one of the things that still makes The Descent, nominally about a bunch of women fighting monsters in a cave, stand out so sharply all these years later. But ah, how The Descent transcends its one-sentence synopsis. The film’s first half is deliberately crafted to fill in the personalities of its group of women, while slowly and almost imperceptibly ratcheting up the sense of dread and foreboding. As the characters descend deeper into the cave, passageways get tighter and the audience can feel the claustrophobia and dankness creeping into their bones—and that’s before we even see any of the resident troglodytes. Neil Marshall’s screenplay makes masterful use of dubious morality, infusing its protagonists, particularly the duo of Sarah (Shauna Macdonald) and Juno (Natalie Mendoza), with numerous shades of gray. Not content to simply paint one of the two as flawed and the other as resourceful and ultimately vindicated, he uses a series of misunderstandings to illustrate human failing on a much more profound and universal level. Ultimately, The Descent is as moving a character study as it is terrifying subterranean creature feature, with one hell of an ending to boot. —Jim Vorel

3. Một người sói Mỹ ở London

Xem trên Amazon Prime

Rất ít đạo diễn đã từng thể hiện một chiến thuật bẩm sinh như vậy để kết hợp sự hài hước đen tối và kinh dị theo cách của John Landis. Ở đỉnh cao sức mạnh của anh ấy vào đầu thập niên 80, một năm bị loại khỏi Blues Brothers, Landis đã chọn một câu chuyện bẩn thỉu hơn, đáng sợ hơn, đáng sợ hơn, vẫn là bộ phim người sói hay nhất mọi thời đại. Khi hai khách du lịch đeo ba lô trên khắp các cánh đồng người Anh bị người sói tấn công, một người bị giết và người kia bị nhiễm Wolf Wolf Curse. Bị ám ảnh bởi tầm nhìn đồng thời và vui nhộn của người bạn đã chết của mình, anh ta phải quyết định làm thế nào để đi đến thỏa thuận với con quái vật mà anh ta đã trở thành, ngay cả khi anh ta đánh bại mối quan hệ với một y tá xinh đẹp do Jenny Agutter thủ vai. Bộ phim giúp bạn thoải mái với chủ nghĩa dí dỏm trước khi gây sốc, những chuỗi giấc mơ đẫm máu trên người xem, liên tục đến không báo trước. Khoảnh khắc quan trọng là nhân vật chính cực kỳ đau đớn, đau thương hoàn toàn, được đặt thành tiếng croon của Sam Cooke đang làm mặt trăng xanh, mà vẫn còn vượt trội trong lịch sử của thể loại này. Nghệ sĩ trang điểm FX và Monster huyền thoại Rick Baker đã mang về giải thưởng Học viện đầu tiên cho trang điểm và làm tóc tốt nhất để tạo ra một cảnh đã mang đến những cơn ác mộng không thích Wolf kể từ đó. - Jim Vorel

4. Carrie

Các vùng nhiệt đới và những cảnh nổi tiếng cá nhân của Carrie rất nổi tiếng và ăn sâu vào ý thức văn hóa nhạc pop đến nỗi bạn được tha thứ vì nghĩ rằng bạn đã thực sự cần phải xem bộ phim gốc để hiểu điều gì làm cho nó trở nên quan trọng. Nhưng Carrie không chỉ là một nhóm máu lợn cân bằng bấp bênh: đó là một bộ phim bỏ trống giữa sự hài hước đen tối và đáng lo ngại một cách hợp pháp, có ý nghĩa và tàn nhẫn, sự pha trộn đáng sợ của các tông màu ngay lập tức bởi những gì xảy ra với Carrie White (Sissy Spacek) trong phòng thay đồ của trường. Hiếm khi loại bỏ sự khủng bố và bất lực đã bị bắt một cách hoàn hảo như ở đây, Carrie tuyệt vọng, bám lấy một cách thảm hại với các bạn cùng lớp trong nỗi kinh hoàng đầu tiên của cô, chỉ bị chế giễu và vứt băng tampon khi cô nằm trong một đống la hét. Ở đó, đơn giản là không có sự trở lại từ những loại sỉ nhục mà cô ấy phải chịu đựng, và không ai trong số các đồng nghiệp của cô ấy quan tâm để phát hiện ra rằng cuộc sống gia đình của Carrie, thậm chí còn lạm dụng hơn. SpaceK đã được khen thưởng một cách đúng đắn với một đề cử Oscar cho màn trình diễn của cô trong bài này, bộ phim đầu tiên chuyển thể từ một tác phẩm của Stephen King, cũng như Piper Laurie trong vai mẹ của cô, điều này đã trở lại vào những năm 70 khi không chỉ một nữ diễn viên từ một bộ phim kinh dị có thể Trên thực tế, nhận được đề cử giải Oscar (cách mọi thứ của tôi đã thay đổi). Carrie là một bộ phim nhanh chóng phát triển mạnh trên hai màn trình diễn mạnh mẽ, trung tâm đó, được xây dựng cho sự trả thù của sự trả thù một cách vinh quang mà tất cả chúng ta đều biết đang đến. Voijim Vorel

5. Đêm của người chết sống

Những gì có thể nói nhiều hơn về đêm của người chết sống? Nó rõ ràng là bộ phim Zombie quan trọng nhất từng được thực hiện, và cũng có ảnh hưởng lớn như một bộ phim độc lập. Bộ phim giá rẻ nhưng khoảnh khắc của George Romero, là một bước nhảy vọt về phía trước trong những gì mà từ ngữ Zombie có nghĩa là trong văn hóa nhạc pop, mặc dù thực tế là từ ngữ zombie zombie không bao giờ thực sự được thốt ra trong đó. Quan trọng hơn, nó đã thiết lập tất cả các quy tắc thể loại: zombie là xác chết. Zombie bị buộc phải ăn thịt người sống. Zombie là không suy nghĩ, không mệt mỏi và không thấm nước với chấn thương. Cách duy nhất để giết một thây ma là phá hủy bộ não. Những quy tắc đó về cơ bản phân loại mọi bộ phim zombie từ đây trở đi, trong đó có bộ phim có các thây ma theo phong cách Rom Romero, hay nó điều chỉnh với công thức và cuối cùng được ghi nhận về cách nó khác với tiêu chuẩn Romero. Nó về cơ bản là sự kinh dị tương đương với những gì Tolkien đã làm cho ý tưởng về các chủng tộc giả tưởng cao. Sau Chúa tể của những chiếc nhẫn, gần như không thể viết các khái niệm trái ngược về những gì yêu tinh, người lùn hoặc Orc có thể như thế nào. Tác động của Romero, đối với zombie là cùng cỡ nòng đó. Không có một bộ phim zombie nào được thực hiện trong hơn 50 năm qua mà không bị ảnh hưởng bởi nó theo một cách nào đó, và bạn hầu như không thể tổ chức một cuộc trò chuyện về bất cứ điều gì liên quan đến zombie nếu bạn chưa xem nó, vì vậy hãy đi ra ngoài và xem nó, nếu bạn không. Bộ phim vẫn giữ tốt, đặc biệt là trong kỹ xảo điện ảnh và hình ảnh rõ ràng, đen trắng của cánh tay zombie đi qua các cửa sổ của một trang trại nông thôn. Ồ, và nhân tiện, Notld là miền công cộng, vì vậy don don bị lừa mua nó trên một DVD kém chất lượng. Voijim Vorel

6. Hellraiser

Nhân vật phản diện/anh hùng cuối cùng (có một số lượng lớn các phần tiếp theo của Hellraiser khủng khiếp) sau nhượng quyền thương mại Clive Barker, Hellraiser là Pinhead Cenobite, được gửi từ các hố của chiều địa ngục cá nhân của anh ta để kéo bạn xuống sâu với anh ta. Nơi anh ta tra tấn bạn. Cho Vĩnh cửu. Tất cả chỉ vì bạn đã mở một khối Rubik Fancy. Pinhead không hối hận, nhìn vào mắt bạn khi anh ấy thực hiện một lời hứa chết người để xé toạc tâm hồn bạn. Ồ vâng, và các cenobites là không thể phá hủy. Cá nhân, nó đã biến tôi thành các hộp câu đố mãi mãi. Như trong tiểu thuyết của mình, những nỗi ám ảnh của Barker, với sự đối ngẫu của nỗi đau và niềm vui được thể hiện đầy đủ ở Hellraiser, một câu chuyện khó chịu về sự ghét bỏ bệnh hoạn và tình yêu bệnh hoạn. Cấmrachel Haas

7. Chúng ta cần nói về Kevin

Chúng ta cần nói về Kevin liên quan đến trải nghiệm của một người mẹ (Tilda Swinton) đang vật lộn với hậu quả của một vụ thảm sát trường học do con trai bà (Ezra Miller) thực hiện. Trong công trình tường thuật của nó, nó dựa trên hai vùng nhiệt đới chính: đó là bộ phim kinh dị của Why Whydunnit, trong đó bí ẩn về động lực của thủ phạm là một yếu tố thúc đẩy . Thật vậy, nỗi kinh hoàng thực sự không phải là một thiếu niên đã chọn sự phủ nhận hoàn toàn về sự cấm đoán của cuộc sống gia đình quy phạm, đó là điều này dường như là hai lựa chọn duy nhất có sẵn. Tilda Swinton rất xuất sắc trong vai trò là một người mẹ vật lộn với cảm giác tội lỗi về những gì con trai bà đã làm và phản ánh về thời thơ ấu của mình, tự hỏi điều gì, nếu có bất cứ điều gì, có thể đã được thực hiện khác nhau khi một người sinh ra một hạt giống xấu. Bản chất đau lòng của bộ phim được gói gọn một cách hoàn hảo bởi cảnh Kevin khi một đứa trẻ giảm bớt xu hướng xã hội học của mình trong khi bị bệnh, cho nhân vật của Swinton một cơ hội ngắn ngủi để cảm thấy như một người mẹ trân trọng, chỉ để cảm xúc với cô ngay khi anh ta ngay lập tức sức khỏe trở lại, làm cho cô hy vọng rằng một số loại đột phá đã được thực hiện. Quản đốc

8. Chúng tôi vẫn ở đây

Bộ phim là một sự trở lại của Lucio Fulci, mặc dù từ đó, đạo diễn người Ý làm ​​việc một chút bất đồng. Chúng tôi vẫn ở đây cũng không bận tâm đến việc che đậy nguồn gốc của nó. Giống như những bóng ma ám ảnh các nhân vật chính của Geoghegan, sự hiện diện của Maestro Ý có thể được cảm nhận trong mỗi chúng ta vẫn ở đây các khung hình. Nhưng có sự tôn kính của người Viking, và sau đó, có sự tôn kính lười biếng, và Geoghegan đã làm cho những người trước đây mặc dù trong sự công bằng của anh ta, những ảnh hưởng của anh ta từ Fulci đến Dan Curtis và Stuart Rosenberg. Geoghegan thậm chí đã kêu gọi H.P. Lovecraft để cung cấp khung cảnh hư cấu của mình. Chúng tôi vẫn ở đây không thiếu phả hệ. Nó truyền thống trong thể loại kinh dị mà chạy trốn khỏi bi kịch cá nhân có xu hướng quên đi bi kịch cá nhân hơn. Vì vậy, khi Anne (Barbara Crampton) và Paul (Andrew Sensenig) Sacchetti chuyển từ thành phố thành phố đến Aylesbury, Massachusetts sau cái chết của con trai đại học Hàng xóm mới không nhận thấy nhà của bất kỳ ai trong cả hai tuần. Trong khi Anne bị cuốn vào những tưởng tượng, Paul cố gắng tập trung để làm dịu vợ anh, nỗi đau buồn (cũng như của chính anh ta) mà không nói ra sự hoài nghi về những tuyên bố của cô ấy rằng cô ấy có thể cảm nhận được Bobby Bobby trong nhà với họ. Chúng tôi vẫn còn ở đây, nửa đầu cảm thấy như một vết bỏng chậm so với thứ hai, nơi tất cả địa ngục đều không có địa ngục và nhà quay phim Karim Hussain điên cuồng nhưng chạy nước rút dần dần từ phòng này sang phòng tiếp theo, bắt giữ nhiều cuộc tàn sát ngoại vi nhất có thể. Trong một bộ phim nhỏ hơn, cao trào Geoghegan, sẽ là một tín hiệu cho người xem thức dậy. Trong chúng tôi vẫn còn ở đây, nó cung cấp một sự bùng nổ bất ngờ của sự giận dữ, đẫm máu. Nhưng Geoghegan xử lý quá trình chuyển đổi một cách suôn sẻ, từ câu chuyện chạy trốn khỏi bi kịch, chúng ta vẫn ở đây bắt đầu như nó trở thành. Không có cảm giác mồi hay chuyển đổi; Giám đốc tán tỉnh với nguy hiểm một cách tự tin trong suốt. Thêm vào đó, có một mùa đông ở New England để thêm một lớp tuyệt vọng. Các yếu tố báo trước và cấm trong thước đo bằng nhau. Thời tiết bên ngoài là đáng sợ và các wraith có cacbon hóa trong tầng hầm thậm chí còn hơn thế. Cuối cùng, đây là một ngôi nhà ma ám mà giành chiến thắng bị từ chối. Tiếng crump

9. House on Haunted Hill

Every William Castle movie has its own campy charms, but House on Haunted Hill is the guy’s masterpiece. It’s got it all: Vincent Price at his goofiest, a big spooky house, a mystery and a profoundly non-frightening walking skeleton. The gimmick this time around was referred to by Castle as “Emergo,” and it amounted to a plastic skeleton on a pulley system being flown over the audience—not his most creative, but shameless enough that only Castle would stoop so low. To me, this is the quintessential 1950s horror film, even though it comes at the end of the decade. It’s totally tame by today’s standards but has some fun, over-the-top performances, a bit of witty dialog and a large helping of cheese. I can watch this thing over and over without ever getting tired of it. It’s like horror comfort food. The colorized version is even more fun, replacing the static black-and-white original with an unrealistic palette of brightly color-coded characters who will remind you of the cast of Clue. —Jim Vorel

10. Oculus

When one hears that the central focus point of Oculus is a haunted mirror, you expect a fairly self-contained ghost story, but this recent release proved to be a surprisingly ambitious concept from a promising horror director, Mike Flanagan. It simultaneously juggles accounts of the mirror’s evil influence in two timelines, following the same characters as children and adults. The segments as children feel a tad by-the-books, but the pleasantly over-the-top performances in the adult portion are particularly enjoyable, as a young woman attempts to scientifically document and then seek revenge upon the source of her family’s misery. The film begins to peter out just a bit by the end, as the two stories become intertwined to the point of confusion in an attempt to blur the lines of reality, but in general it’s a stylish, creepy horror flick that goes out of its way to defy conventions. Look no further than the soul-sucking ending, which leaves the door wide open to all sorts of future possibilities if Flanagan ever wants to revisit the concept. —Jim Vorel

11. Candyman

Year: 2021
Director: Nia DaCosta
Stars: Yahya Abdul-Mateen II, Teyonah Parris, Colman Domingo, Tony Todd, Vanessa Estelle Williams
Rating: R
Runtime: 91 minutes

Watch on Amazon Prime

The problem with writing about Candyman is that you will inevitably have to write “Candyman” five times. What if my monitor suddenly craps out, leaving me to see a paranormal entity rocking a full-length shearling behind my dark reflection? Unlike many of the white Chicagoans in writer/director Nia DaCosta’s slasher sequel, I’m not foolish enough to tempt the Bloody Mary of the Near North Side. I am, however, still drawn to her update of the legend, which manages to pick up the original film’s pieces and put them back together in a compelling, reclamatory collage. Ignoring the rest of the Candyman series in favor of a direct follow-up to Bernard Rose’s allegory-rich 1992 slasher, DaCosta introduces fancy-pants artist Anthony (Yahya Abdul-Mateen II) to the same urban legend that consumed lookie-loo grad student Helen Lyle. The original story adapted Clive Barker to U.S. racism and wealth inequality—particularly in Chicago, and even more particularly in Chicago’s Cabrini-Green projects. Now its homes and high-rises have been demolished or abandoned. A massive Target overlooks its northwest border, where you can buy athleisure and grab an in-house Starbucks before heading to Panera Bread. Gentrification may have neatly plastered over history, but that history cannot be so easily erased. “A story like that—a pain like that—lasts forever,” says Colman Domingo’s long-timer laundryman Burke. “That’s Candyman.” DaCosta makes it clear that Anthony’s pulled by the legend, by history, more intimately than Helen ever was, and updates her scares in turn. The nightmarish apartments and putrid bathrooms Helen crawled through and photographed neatly reflected the entity haunting them; but the projects have been paved over, and Candyman persists. DaCosta shoots the city accordingly, either in dividing straight lines, or fully warped: You never notice how Marina City’s towers look like beehives until they’re flipped upside-down. Spurred on by Anthony’s interest, Candyman’s now an inevitability in every reflective surface. You can’t look away from DaCosta’s inspired compositions and layouts, your eyes led from one dark corner to the next with an Invisible Man-like mastery of negative space. One of these days, you think, she’s going to run out of ideas about how to shoot a mirror kill. Not so, especially in her world of omnipresent, physically and psychically painful self-reflection. While the kills, perpetrated by a being mostly just seen in mirrors, are sometimes a bit too obfuscated by their gimmick to be viscerally satisfying, they slot in perfectly with the film’s themes and aesthetic even when they’re not dumping cascades of blood. The power of martyrdom, the cycles of economic exploitation, the blood price expected for progress—even if these ideas are imperfectly engaged with, they’re so compellingly introduced as to solidify Candyman as a must-see horror and a must-discuss tragedy.—Jacob Oller

12. Gonjiam: Asylum bị ám ảnh

Xem trên Amazon Prime

Với sự gia tăng của phương tiện truyền thông xã hội và những tiến bộ công nghệ khác đã trở thành một sự hồi sinh của những cảnh quay phim kinh dị, với Gonjian: Haunted Asylum thực hiện một cách tiếp cận độc đáo cho một thời đại mới. Bộ phim kể về một YouTuber kinh dị, khi biết về sự biến mất của hai thợ săn ma nghiệp dư sau khi họ đến thăm một bệnh viện tâm thần bị bỏ hoang, đến thăm cơ sở một chuyến thăm và phát trực tiếp nó. Giống như một số bộ phim khác trong thể loại này, sự sợ hãi giả được trồng bởi chủ sở hữu kênh Ha-joon không phù hợp với kinh dị thực sự trong các bức tường của bệnh viện khi nó tiêu thụ từng thành viên trong đoàn làm phim của mình. Bộ phim làm hết sức mình để giải quyết các cảnh quay được tìm thấy, bằng cách giải thích các nhà quay phim chuyên nghiệp thông qua các nhân vật, nền tảng cũng như sử dụng một kho vũ khí ấn tượng của các thiết bị từ máy bay không người lái đến máy ảnh tầm nhìn ban đêm. Mỗi phòng bệnh viện trở nên quen thuộc hơn với từng cảnh cho đến khi nó bị khắc vào não bạn, và khi mối đe dọa thực sự của những thực thể này trở nên rõ ràng, thật dễ dàng để xác định sự ghê tởm ngày càng tăng của mỗi nhân vật 'T dàn dựng. Tại Gonjiam: Haunted Asylum, trái tim là một bài học về lòng tham, chắc chắn chào đón nhiều cuộn mắt, nhưng dù sao đó cũng là một sự tham gia và hiệu quả vào thể loại cân bằng sự tự nhận thức của nó với nỗi sợ hãi thực sự. Gomejade Gomez

13. Exorcist III

Exorcist III, hay Legion như nó được biết đến trong hình thức đạo diễn của nó, tập trung vào Kinderman, cảnh sát Sardonic, được chơi trong bộ phim của George C. Scott và Lee J. Cobb trong The Exorcist. Kinderman là người ngoài cuộc cho các sự kiện của bộ phim gốc, nhưng họ vẫn ám ảnh anh ta, 15 năm sau thực tế. Quá khứ trở lại ầm ầm với sự báo thù đẫm máu, ở đó, một kẻ giết người hàng loạt, và các vụ giết người dường như được kết nối với một bệnh nhân bí ẩn bị nhốt trong phòng tâm thần của bệnh viện. Và bệnh nhân bí ẩn đó tình cờ trông giống hệt người cha đã chết Damien Karras, một trong những người trừ quỷ từ bộ phim đầu tiên, người đã gặp một kết thúc không kịp thời sau khi phóng mình ra ngoài cửa sổ và lao xuống một chuyến bay cầu thang đặc biệt dốc. Những gì tiếp theo là một bộ phim kinh dị bị hiểu lầm và bị đánh giá thấp liên tục, ít là phần tiếp theo của The Exorcist và nhiều hơn một người chơi có cùng tinh thần đáng lo ngại, hoàn chỉnh với một vài nỗi sợ hãi tốt nhất trong lịch sử thể loại. Evangelista

14. Daniel là người thật

Xem trên Amazon Prime

Mọi người đều có quỷ của họ: có thể họ lớn lên bị bỏ rơi, hoặc bị mắc kẹt giữa các bậc cha mẹ chiến tranh hoặc có lẽ họ đã nhìn thấy những thứ họ không nên có trước khi họ có các công cụ để xử lý chúng. Một số người trong số này quản lý để lớn lên được điều chỉnh tốt bất chấp chấn thương của họ. Những người khác lớn lên giữ những con quỷ gần với trái tim của họ. Một cách thương xót, không ai trong số này là theo nghĩa đen, nhưng điều gì sẽ xảy ra, điều gì sẽ xảy ra, Adam Mortimer, Daniel là một người thực tế, những con quỷ đó trông giống như cái sinh sản đẹp trai của Arnold Schwarzenegger và Maria Shriver? Mortimer vũ khí hóa phả hệ và vẻ ngoài đẹp đẽ của Patrick Schwarzenegger, biến anh ta thành cả người bạn tưởng tượng nhất một người cô đơn như Luke (Miles Robbins, cũng là con trai của Hoàng gia Hollywood: Tim Robbins và Susan Sarandon) Chuyển đổi thành một nghệ sĩ bán tải dầu ở mức tốt nhất và một con quái vật thực sự tồi tệ nhất. Subtext nằm trên bề mặt, đó là một bộ phim về sự nam tính độc hại, nhưng Mortimer và dàn diễn viên của anh ấy (bao gồm Sasha Lane, người đảm nhận vai trò vô ơn của Damsel bị mắc kẹt giữa anh hùng và nhân vật phản diện và biến nó thành một màn trình diễn của chất) Bề mặt, đào sâu, sâu hơn, và sau đó sâu hơn vào ruột của cụm từ tâm lý pop bị lạm dụng quá mức đó. Những gì họ tìm thấy là cái nhìn sâu sắc kích thích tư duy về bản sắc nam tính hiện đại. Những gì họ tạo ra với những hiểu biết đó thật đáng sợ, một sự sợ hãi xúc giác của sự sợ hãi mang đến ảnh hưởng của nó trên tay áo của nó. . Tiếng crump

15. Night of the Demons

Night of the Demons is one of the most purely enjoyable entries in the late ’80s horror subgenre of “a bunch of young people go to a spooky location and all wind up dead,” which arguably reached its zenith a year earlier in Evil Dead 2. Make no mistake, this film can’t compete with the slap-sticky wit of early Sam Raimi, nor are any of its performers a Bruce Campbell quip machine in the making, but Night of the Demons makes up for it with shameless raunchiness and a generally gleeful attitude toward the demise of its characters. These guys are broad, amusing pastiches of different archetypes in 1980s youth culture, in much the same way as the teens from Return of the Living Dead, right down to the presence of Linnea Quigley. Yes, she’s naked here, although it’s at least not for the majority of the film, as in ROTLD. Instead, come for the top-notch makeup effects and the sick, sophomoric sense of humor. This one makes for perfectly appropriate Halloween-season viewing, as its “let’s get together in a haunted house for a Halloween party” premise is just begging for a cadre of demons to run amok. And so they do, with gory aplomb. —Jim Vorel

16. Dead & Buried

Dead & Buried is a thoroughly unusual horror film that revolves around the reanimated dead, but in a way all its own. In a small New England coastal town, a rash of murders breaks out among those visiting the town. Unknown to the town sheriff, those bodies never quite make it to their graves … but people who look just like the murdered visitors are walking the streets as permanent residents. The zombies here are different in their autonomy and ability to act on their own and pass for human, although they do answer to a certain leader … but who is it? The film is part murder mystery, part cult story and part zombie flick, and it features some absolutely gross creature work and gore from the legendary Stan Winston. It’s just a movie with a feel all its own, and one notable for some unusual casting choices. That includes a pre-Nightmare on Elm Street Robert Englund as one of the possibly zombified town locals, and, in a major role, Jack Albertson (Grandpa Joe from Willy Wonka) as the eccentric, jazz-loving town coroner/mortician, who steals every scene he’s in. More people should see this weird little film. — Jim Vorel

17. The Wolf of Snow Hollow

Snow Hollow police officer John Marshall (Cummings) unsteadily balances Alcoholics Anonymous meetings with the travails of raising his teen daughter, Jenna (Chloe East), looking after his ailing father, Hadley (Forster), maintaining diplomatic relations with his ex, and keeping a lid on his volcanic temper. When a woman (Annie Hamilton) is torn to shreds on a weekend visit to John’s ski resort hometown, just moments before her boyfriend (Jimmy Tatro) planned to propose to her, John stretches to his limits and beyond in his pursuit of the killer, who everyone concludes with baffling swiftness is a werewolf rather than a man. His peers’ and subordinates’ stumblebum character and the ass-backwardness of Snow Hollow itself act like gasoline as is. The consensus that the town is under attack from a mythical creature is the straw that makes the vein in John’s neck go taut with anger. The Wolf of Snow Hollow lands in the space where horror and humor meet, mining laughter in mourning and custody battles. Cummings’ laughs are the sort that signal discomfort: His punchlines are razor sharp, which make the movie’s surrounding unpleasantries go down more easily. Watching a policeman get physical with anybody who sufficiently pushes his buttons induces squirms. When fellow officer Bo (Kevin Changaris) accidentally says too much about the murders in front of reporters, John calls him over to a snowbank and starts smacking the poor schmuck around, a moment that would tip over into pure darkness without the aid of a lighthearted soundtrack and the slapstick of their scuffle. Regardless, the point is made: John’s on edge, and his edge is surprisingly amusing. The wry, snappy banter gives The Wolf of Snow Hollow a prickly skin, and the restrained application of FX gives it tension. At just under 80 minutes, that economy is key. It’s not so much that the horror is elevated as controlled. But rather than clang with the innate savagery of the werewolf niche, Cummings’ command over his material gives the film a certain freshness. He tames the monster in the man so that the man is all that’s left, for better and for worse. John isn’t perfect, but an imperfect man need not be a beast.—Andy Crump

18. Suspiria

Dario Argento’s original synthesized his many experiments with the giallo form—the mid-century thrillers and violent crime stores much of Argento’s peers were churning out—into something essential. Gone were the questions of whodunit, the investigative layer of procedure litigating how such evil could make its way into this world, replaced by both a focus on the victims of this murder mystery and a sensual connection to the horrors flaying their young bodies apart. That the film takes place in Munich’s Tanz Dance Academy, though little dancing occurs, projects the film’s insinuated physicality onto the walls and floor as chimeric splashes of fairy tale color, especially (of course) red—we always remember the red—its vibrancy emphasized by Goblin’s monolithic score. Women, in Argento’s film, are vessels: for life, for gore, for art. Luca Guadagnino’s remake, and David Kajganich’s screenplay, simply tell the audience this—over and over and over. What Argento implied, Guadagnino makes literal. And so much of Guadagnino’s film is about transformation—how Germany had to reimagine itself to break the spell of its evil past; how art contorts oneself, irrevocably changes those who create it; how even the media in which the director works must adapt and mature and evolve to transcend the reluctance that a movie like Suspiria maybe should have been remade in 2018 at all. What Argento made subtext, Guadagnino reveals as text: As much as Suspiria explored the essence of giallo, Guadagnino explores the essence of Suspiria. Less fetishized, much less fantasized, the violence of 2018’s Suspiria is so much more harrowing than Argento’s, because Suspiria 1977 is its violence, and Suspiria 2018 wields its violence like an upsetting symbol, simultaneously too real and too absurd. Much of Guadagnino’s Suspiria feels beholden to nothing, indulgent and overwrought, existing only for itself. Art should never have to justify its own existence, but also: Why does this exist? What motivations conceived this film that seems to want very little—to maybe even dislike—the movie on which it’s based? And yet, it’s unforgettable, as ravishing as anything Guadagnino’s lazily captured in the Italian countryside, as disturbing as any horror film you’ve seen this year and, like the 1977 original, unlike anything you’ve ever felt helplessly drawn to before. —Dom Sinacola

19. Climax

Gaspar Noé has been so openly confrontational and provocative for so long that it’s easy to forget just how powerful a filmmaker he can be. He is deliberately repulsive, sometimes to the detriment of his own films; I don’t care how structurally inventive Irreversible is, I am never, ever sitting through that goddamned movie again. But there is an undeniable hypnotic fervor to his movies, from the sordid (but also sort of lovely) kink of Love to the elliptical madness of Enter the Void. The immediate thrill of Climax, Noé’s newest and unquestionably best film, is how, for the first time, you see him letting go a little bit, releasing some of his notorious control, letting his films and (most important) his characters breathe a little bit—to be themselves. It opens with home-camera footage—the film takes place in 1996, for reasons that I’d probably understand a lot better if I were French—of a series of dancers, readying for a troupe tour of the United States, answering questions about their hopes and dreams, their desires, their fears, their basic motivations. It’s a slick, kind of cheap, but still incredibly effective way for Noé to give us just enough information about these dancers that we feel for them when they go through whatever Noé is about to put them through. (And you know he’s going to put them through something.) But it’s what comes next that’s most exciting: during rehearsal, a glorious dance routine featuring the entire crew, both meticulously choreographed and thrillingly improvised, expressing themselves the best way they know how. Noé’s camera swirls around in one long take, and the effect is breathtaking: It is as alive and electric as anything Noé’s ever done. Now you’re really invested in this crew…which, as Noé’s counting on, was your first mistake. It turns out, someone has spiked the sangria for the post-rehearsal part with LSD, and, apparently, a lot of it. Even if he puts all these people through the ringer—and oh, does he!—there is inspiration here: For the first time, it feels like the pain he’s putting everybody through is something he feels, too. It’s a most encouraging switch for Noé, and bodes well for him moving forward. It’s turned him into less of a Lars Von Trier geek show. Not to say that the ending doesn’t pack a wallop regardless. Noé, for all his newfound pseudo-humanism, isn’t going to send you home wanting for misery. But there is…well, not hope, exactly, but call it catharsis. He’s as uncompromising, and as resolutely himself, as ever. It’s just that there might be a little more shading and warmth inside Noé than maybe even he himself realized. Don’t misinterpret, though: This is Gaspar Noé Warmth, not normal human being warmth. Rest assured, his world remains no place for children. —Will Leitch

20. The Neon Demon

Year: 2016
Director: Nicolas Winding Refn
Stars: Elle Fanning, Keanu Reeves, Christina Hendricks, Jena Malone
Rating: R
Runtime: 117 minutes

Watch on Amazon Prime

If Nicolas Winding Refn—anthropomorphic cologne bottle; asexual jaguar—is going to make a horror film, Nicolas Winding Refn will make a horror film about the things that scare Nicolas Winding Refn most: asymmetry, sex, fatherhood. In The Neon Demon, every character is either someone’s daughter or a deranged daddy figure, both thirsty for the kind of flesh only Los Angeles can provide, the roles of predator and prey in constant, unnerving flux. Part cannibal-slasher movie and part endlessly pretty car commercial, Refn’s film about a young model (Elle Fanning) making it in the fashion industry goes exactly where you think it’s going to go, even when it’s trying as hard as it can to be weird as fuck. But despite his best efforts, Refn sustains such an overarching, creeping atmosphere of despair—such a deeply ingrained sense of looming physical imperfection, of death—that it never really matters if The Neon Demon doesn’t add up to much of anything more than a factory showroom of the many gorgeous skins it inhabits, violently or not. —Dom Sinacola

21. Grave Encounters

It’s hard to understand why Grave Encounters doesn’t have a better reputation among horror geeks, who largely seem to be aware of it but deride the found-footage movie as either derivative or cheesy. In our own estimation, it’s one of the best found footage offerings of the last decade, and certainly one of the most legitimately frightening, as well as humorous when it wants to be. It’s structured as a pitch-perfect parody of inane TV ghost-hunting shows, in the style of Travel Channel’s Ghost Adventures, and imagines the satisfying results of what might happen when one of these crews full of charlatans is subjected to a genuinely evil location. But Grave Encounters goes beyond what is expected of it—you hear that premise and expect some frantic, handicam running around and screaming in the dark, but it delivers far more. The FX work, on a small budget, is some of the best you’re ever going to see in a found-footage film, and the nature of the haunting is significantly more mind-bending and ambitious than it first appears. We’ll continue to defend this film, although you should steer clear of the less inspired sequel. —Jim Vorel

22. Fright Night

If you went into 2011’s Fright Night remake not expecting much, it was easy to walk out pleasantly surprised. What we have here is one of the better modern vampire movies to get left out of conversations on modern vampire movies, presumably because it’s a remake, but this Fright Night is undoubtedly its own film. Colin Farrell is frankly spectacular as “Jerry the vampire,” a character who positively radiates smarmy menace from the moment we meet him. Anton Yelchin is likable as this go-round’s protagonist, but the film is really all about Farrell and a great supporting turn from the Tenth Doctor himself, David Tennant, as magician Peter Vincent. The FX and gore feel visceral and suitably icky, but it’s the moments of Farrell confidently stalking his way through the sets that should win over fans of the original. He seems so very in-control and completely invested in the little details of his character that his modern, hedonistic vampire transcends stereotypes of the genre to be one of the most genuinely threatening and capable ghouls we’ve seen in the past decade. —Jim Vorel

23. Vivarium

A quirky real estate story, where first-time homeowners Tom (Jesse Eisenberg) and Gemma (Imogen Poots) get a lot more than they bargained for, Vivarium is a low-key sci-fi nightmare of the mundane in the vein of early David Cronenberg. Director Lorcan Finnegan’s film also functions as a relationship allegory, where Tom and Gemma find themselves stuck in a trendy neighborhood of cookie-cutter homes where starting a family isn’t just an expectation but something foisted upon them. It isn’t as grisly as something like Shivers, but more affecting in its surreal design and hopelessness. Eisenberg and Poots own the screen as a disintegrating couple coping in distinct ways to their newfound terrarium where they are observed, manipulated, and—perhaps most disturbingly of all—objectively provided for by unseen and undefinable forces. Its 2020 release feels especially fitting as repetition and hopelessness become permanent residents of the couple’s home. Genre elements seep into the film, accelerating in hiccups and starts that are as arresting as the film’s intentionally artificial design. Startling sound dubbing, odd colorizing, and a few genuine “Oh shit” moments make Vivarium a tight, nasty fable that would fit in with the best Twilight Zone episodes. —Jacob Oller

24. The Taking of Deborah Logan

This recent spin on the extremely crowded possession genre is the real definition of a mixed bag. Its initial premise is solid, as it follows a college film crew documenting the titular senior citizen, who is battling Alzheimer’s disease. What they don’t realize is that someone or something else may have been welcomed into Deborah’s mind as her mental faculties weaken. The film gets points for stylishness on a budget, and especially for the chilling, nuanced performance by Jill Larson as Deborah, but it’s eventually unable to sustain itself in the last third, becoming increasingly divorced from logic. There are moments of great, disturbing imagery, but that’s counterbalanced by characters who act incredibly irrationally—even for a horror film. It becomes more and more difficult to find reasons for any of the story being filmed at all, which leads to an ending that some might label a cop-out. But with that said, it’s still a far cry better than most entries in either the found footage or possession subgenres, with inherent style winning out over tight scripting. —Jim Vorel

25. Nightbreed

Nightbreed is an odd duck of a movie, stranded somewhere between legitimate horror film and dark fantasy story. Clive Barker directs, only a few years after Hellraiser, but here his ambition perhaps got the best of him. It’s pretty clear that he wanted Nightbreed to be something akin to a horror epic, a movie with a profound message about identity, acceptance and community. In execution, though, it has a hard time picking what tone it’s supposed to be emanating. Sometimes it’s darkly humorous. Sometimes it’s legitimately spooky. Other times you’re not sure whether you’re supposed to be taking the action on screen seriously or not. One thing that is spectacular throughout is the art direction, sets, costuming and makeup. Some of the character designs may come off as “silly,” but just as many of them are likely to end up in your nightmares. Nightbreed is a mixed bag, a would-be inspiring story about monsters trying to build a safe community to peacefully live their lives, but lacking the iconic nature of Barker’s most famous creations. —Jim Vorel

26. A Quiet Place Part II

Serving as both prologue and epilogue to the original film, flashing back to the day the sound-averse killer aliens landed on Earth, A Quiet Place Part II is an exercise in diminishing returns. As our Tim Grierson pointed out in his review of the first high-concept movie, “the risk with such films is that, eventually, we’ll grow accustomed to the conceit and get restless.” Even if much of A Quiet Place’s power didn’t come from its relatively restrained worldbuilding and potent use of its near-silent sensory gimmick, the years it took for this sequel to be released were a long time for its simple hook to live out in the pop cultural world. But thanks to the strengths of its core ensemble and returning director John Krasinski’s ability behind the camera, A Quiet Place Part II’s technical merits mostly drown out the franchise’s increasingly noisy flaws. That leaves A Quiet Place Part II to be a charmingly unambitious, ultimately enjoyable step down of a sequel: A controlled expansion where novelty fades to reveal technical prowess and contempt starts peeking out behind familiarity. Krasinski’s milked this franchise and its gimmicks to provide us with his two best showings behind the camera, but he—like its characters—needs to grow beyond it, or else be trapped as its returns finally disappear entirely. —Jacob Oller

27. Creepshow 2

Creepshow 2 is very much a 1980s horror sequel in the sense that it attempts to largely replicate what audiences enjoyed about the first film in its series without mucking around too much with the formula, and produces a good (but not quite great) effort in the process. Things are hurt a bit here by the reduction in overall stories from five to three, which puts more weight on each individual entry. “Old Chief Wood’nhead” and “The Hitch-hiker” each have their moments, the first feeling like an HBO Tales From the Crypt episode and the latter like a Twilight Zone entry, but it’s “The Raft” that is really worth the price of admission here. One of Stephen King’s most simple stories makes for superb anthology content, with a premise that just can’t be beat: A group of teens are trapped on a raft in the middle of a lake, stalked by a blob-like creature that dissolves everything it touches, with spectacularly gory results. It’s like the 1980s remake of The Blob from Chuck Russell, simply cutting out backstory and subtext to focus on pure, primal action. Will the kids survive, or will they all be reduced to a pile of bones at the bottom of the lake? —Jim Vorel

28. The Haunted Palace

Watch on Amazon Prime

Genuinely one of the finest films ever personally directed by B-movie kingpin Roger Corman, The Haunted Palace has an unusual air of sophistication and opulence in comparison with most of the films of Corman’s career—it’s clear that he’s working with a significantly bigger budget than usual, and he makes the most of it. The film came toward the end of the director’s so-called “Poe Cycle,” in which he was adapting Edgar Allan Poe Stories such as “The Fall of the House of Usher” and “The Pit and the Pendulum,” which led to the ever-resourceful Corman titling this movie after Poe’s poem “The Haunted Palace,” even though it’s actually a straight-up adaptation of H.P. Lovecraft’s novella The Case of Charles Dexter Ward. This being the first big-budget adaptation of a Lovecraft work, it’s understandable why Corman assumed the name would have no marketing power. As for its execution, The Haunted Palace benefits greatly from some opulent set dressing and a classically spooky feel, being not far off from some lost American addition to the Hammer horror canon. Its greatest tool, however, is the presence of the iconic Vincent Price in its lead role as Charles, a man who travels to an ancient ancestor’s castle and finds himself slowly falling under the spell of centuries-old witchcraft. Reflecting the author’s common themes of genealogy and the corrupting influence of evil blood, The Haunted Palace becomes unmistakably Lovecraftian in short order. —Jim Vorel

29. Edge of the Axe

Watch on Amazon Prime

An eccentric late ‘80s slasher that is at once both formulaic and deeply strange, Edge of the Axe is a memorable watch in this day and age for its unexpected, tech-centric background in the early internet, which is not exactly what you’re expecting to see in a Spanish-U.S. co-production with the air of an evolved Italian giallo. The dialog comes off as absurd in a modern context, but the script for Edge of the Axe is actually shockingly tech-literate for 1988, and it applies this method of suspect interrogation in service of a masked slasher film with a true cornucopia of suspects and red herrings. This is ultimately the film’s best element—it has so many moving pieces and oddball characters that it keeps its true antagonist quite well hidden until the ludicrous finale, which is entertaining in the moment and impossible to make any sense of upon reflection, like so many other slashers of its era. The kills, sadly, are numerous but uninspired in their execution—if you could have added the likes of Tom Savini to this production, it could have been an idiosyncratic classic from an era when the slasher genre was heading into hibernation. As is, it’s the fusion of stalk-and-slash action with computer geekery that still makes this one stand out. —Jim Vorel

30. House

House is a legitimately odd film, and not an easy one to classify. I’ve read descriptions before that called it a “horror comedy,” but it’s not trying nearly hard enough to be funny to qualify on the “comedy” side of the spectrum—nor is it serious enough in most of its scares to be legitimately frightening. Instead, it’s trapped in some kind of limbo in between; memorable in spurts for its idiosyncrasies. Our protagonist is a Stephen King-like horror novelist who suffers traumatic flashbacks to both his time in Vietnam and the unexplained disappearance of his son. He moves into the old, crumbling manor of a recently deceased aunt, where he begins to experience terrifying nightmares and is attacked by a variety of creatures, which may or may not be in his head—think Jacob’s Ladder, but far goofier. George Wendt of Cheers makes an amusing appearance as the next door neighbor, but what most people remember about House (besides the iconic poster) is its unpredictability and Vietnam-inspired horrors. — Jim Vorel

31. Gretel & Hansel

Director Oz Perkins’ first two features, The Blackcoat’s Daughter and I Am the Pretty Thing That Lives in the House, are meticulously constructed examples of slow burn horror, favoring ever-building, chilling atmosphere over quick scares. He begins Gretel & Hansel with a traditional fairy tale structure, only to degenerate into an otherworldly, hopeless setting that liberally plays with space and time. Accordingly, production and costume designs borrow from multiple time periods—slightly resembling medieval Europe—while characters speak in Shakespearean prose, their body language still distinctly modern. Instead of the usual sea of white faces for such a tale, different races that seem to have equal social standing populate this world. Perkins purposefully juxtaposes Galo Olivares’s classically picturesque cinematography, imbued with the illusion of natural light, against Robin Coudert’s synth-heavy score that resembles Wendy Carlos’s work for Stanley Kubrick. The film thrives within a dream-logic vibe, especially in Olivares’ cinematography, with its heavy emphasis on symmetrical framing, stark contast and lush use of yellows and blues, evoking subliminal terror. —Oktay Ege Kozak

32. Hellbound: Hellraiser 2

Hellbound là phần tiếp theo gây chia rẽ giữa những người hâm mộ kinh dị, nhưng tất cả chúng ta ít nhất cũng có thể đồng ý về một điều: nó, tốt hơn nhiều so với bất kỳ phần tiếp theo Hellraiser bổ sung nào sau đó, hầu hết sẽ khiến bạn muốn các cenobites đang thu hút bạn Mắt ra với những cái móc rỉ sét của họ. Thực sự là một bộ phim đầy tham vọng hơn, có phần ít thân mật hơn so với Hellraiser đầu tiên, mở rộng đáng kể những huyền thoại của bộ truyện khi Kirsty phải đi đến chiều kích địa ngục của những kẻ ác quỷ để chống lại một bác sĩ xấu xa mà giấc mơ về sức mạnh biến thành anh ta thành một Cenobite . Ashley Laurence đáng yêu trở lại với tư cách là nhân vật chính, cùng với một cô gái trẻ, bị xáo trộn cảm xúc, rất giỏi trong việc giải các câu đố, gần như mang đến cho nó cảm giác về cơn ác mộng trên phần tiếp theo của Elm Street như Dream Warriors. Bản thân các cenobites có được một chút nước từ sự toàn năng của họ trong bộ phim gốc, nhưng các thiết lập và hiệu ứng là tuyệt vời cho ngân sách ít ỏi và làm một công việc tốt như bất kỳ ai có thể làm cho việc dịch Tầm nhìn xoắn của Clive Barker sang màn hình. Voijim Vorel

33. Bạn đào sâu hơn

Gọi nó là một chuyện gia đình. Đội vợ chồng John Adams và Toby Poser đã viết và chỉ đạo bạn đào sâu hơn cùng nhau. Adams đóng vai chính trong bộ phim trong vai Kurt, Poser trong vai Ivy và con gái của họ, Zelda Adams, trong vai Echo. Đi vào kinh doanh với những người thân yêu là một ý tưởng tồi trong chín trên 10 trường hợp. Ở đây, các chức năng trái phiếu đó như xi măng giữ bộ phim của họ với nhau, mang lại sức nặng thực sự cho bạn sâu hơn về thẩm mỹ Spartan không được trang bị. Kurt, tự mình cải tạo một ngôi nhà cũ ọp ẹp, đó là tốt hơn bởi vì anh ấy không phải là loại bướm xã hội. Một buổi tối, anh ta đi ra ngoài uống đồ uống, có một quá nhiều, và trong một phần hai sự phân tâm khủng khiếp trên một chuyến đi tuyết trở lại, anh ta tình cờ gặp Echo. Ngay sau đó, không phải là do tai nạn, anh ta giấu xác của cô trong bồn tắm của mình, và cuối cùng đi xa đến mức làm cô mất đi và chôn cô trong rừng. Trong khi đó, Ivy, mẹ cô, một người trung bình từ lâu đã mất đi món quà của mình vì giao tiếp với phía bên kia, tuyệt vọng bắt đầu tìm kiếm đứa con mất tích của mình và lấy lại tài năng tâm linh của mình trong quá trình Echo Muff bắt đầu ám ảnh và chế giễu và có thể cũng sở hữu Kurt. Bạn đào sâu hơn là không phức tạp về mặt thủ công. Adam và Poser tìm thấy một góc và gắn bó với nó thay vì với những điều vô nghĩa hào nhoáng. Của họ là một cách tiếp cận hiệu quả hơn nhiều so với bất kỳ hình thức làm phim hyperkinetic và tự liên quan nào cho một câu chuyện như thế này, trong đó âm mưu có nhịp độ cố tình cho thấy sự ớn lạnh trong thời gian của họ mà không cần phải tiến lên để buộc họ lên khán giả trước khi nó cần thiết. Tất nhiên, bạn Dig Dig Austerity chỉ là sức mạnh lớn thứ hai của nó, tất nhiên, lần đầu tiên là hiệu ứng Adams-Poser, nhưng nó vẫn là một sức mạnh đáng để ăn mừng. Tiếng crump

34. Hell House LLC

Đây chỉ là một khái niệm nạc và tối giản như bạn có thể chọn cho một bộ phim kinh dị được tìm thấy hiện đại, nhưng Hell House LLC là một thực tiễn trong việc thực hiện hơn là các thiết lập tưởng tượng. Đó là câu chuyện theo phong cách phim tài liệu của một phi hành đoàn Haunted House, chọn một địa điểm sai lầm quyết định cho điểm thu hút của họ, và sự bùng nổ của họ tất cả đều chết. Thiết lập rất tiêu chuẩn cho một người không có ai có được sự tham gia vào thể loại cảnh quay được tìm thấy, nhưng Hell House LLC thực sự có một số nỗi sợ hãi và biểu diễn đầy cảm hứng. Nó nhận được rất nhiều từ các thiết lập và giao hàng rất nhỏ, chẳng hạn như định vị các trang phục chú hề và kích thước cuộc sống (và kinh hoàng thích hợp) cắt. Có một không khí tự nhiên đối với các diễn viên cảm giác thất vọng và khó chịu khi những sự kiện kỳ ​​lạ bắt đầu gắn kết, nhưng tất nhiên tất cả đều hoàn toàn lạc lõng và hài hước không chủ ý trong những khoảnh khắc kết thúc. Tuy nhiên, có rất nhiều hòn đảo của nỗi sợ tăng huyết áp chính hãng trong bộ phim được thực hiện tốt này. Chắc chắn, nó tốt hơn so với hầu hết các nỗ lực cảnh quay trong bối cảnh hoạt động hậu kỳ. Voijim Vorel

35. Túi cơ thể

Sometimes, even anthologies with less-than-stellar stories can get by on sheer charming commitment to gross-out delights, and that’s John Carpenter’s Body Bags for you. Originally conceived as a gorier, more grotesque spin on the Tales From the Crypt formula for Showtime, the series was cancelled after only a few potential episodes had been filmed. Not wanting to lose the material, Carpenter simply assembled his favorites into a feature film. Each segment isn’t particularly memorable, except for the closer, which features Mark Hamill as a baseball player who loses an eye and then gains the eye of a serial killer via a donation. You can guess where things go from there. What is memorable about Body Bags is the goofy wraparound segments, which feature Carpenter himself as a Crypt Keeper-esque mortician who gleefully hacks apart bodies and drinks formaldehyde, showing a much lighter hearted personality than you’d expect from the director of dour films like The Thing or Prince of Darkness. It’s fun to watch Body Bags today for the not-so-subtle genre references (“Another grisly murder in Haddonfield today…”) and the incredible array of character actors and cameos that were lined up, including the likes of Wes Craven as a leering perv, Stacy Keach as a guy receiving miracle hair transplants, Charles Napier as a baseball manager, Twiggy as a housewife (reuniting these two from The Blues Brothers), Roger Corman as a doctor, Tom Arnold as a mortician and Sam Raimi as a corpse. —Jim Vorel

36. Saint Maud

When we meet Morfydd Clark’s Maud, she is returning to her job as a private carer for the infirm under the guidance of the Lord, with whom she regularly engages in one-sided communication amid her lonely daily life after a traumatic incident with a former ward. She’s convinced God has a larger purpose for her, which is an obvious part of the driving force behind her taking drastic action in the name of religion. But before Maud unearths that purpose—or before real-life folks who allow religion to drive their urges to dangerous heights uncover their passion for things like pro-life advocation, anti-gay marriage lobbying or attempting to overturn an election—she needs a reason to find it in the first place. Her new ward is the fiery Amanda, a 40-something retired dancer with spunk, a distaste for religion, and terminal cancer. Something about the woman compels Maud to protect Amanda’s soul from eternal hellfire at whatever cost, giving the devout Christian the grounds (in her mind) to go as far as necessary to achieve her cause. As they say, there will be blood—that of Maud and others. —Lex Briscuso

37. Trilogy of Terror

Many horror anthologies, especially older ones, are known to modern audiences specifically for a single entry, and this is especially the case in Trilogy of Terror, which first aired on ABC in March of 1975. Although all three segments star actress Karen Black and are based on the stories of Richard Matheson, it’s “Amelia” that captivated audiences: a quirky tale about a young woman who lives alone in a high-rise apartment, where she is menaced by an African “Zuni fetish doll” that magically comes to life wielding a spear and ludicrously large knife. It’s a silly, slavering, racially questionable antagonist, but its design is also surprisingly unnerving—although it’s hard to take the story seriously with Black’s over-the-top performance. The other two parts of this particular anthology are competent but less zany, mostly relying on Black’s sex appeal. “Amelia” remains the highlight, in a cheesily ’70s sort of way. —Jim Vorel

38. Chopping Mall

Calling Chopping Mall the best film by director Jim Wynorski isn’t saying much—at all—but it remains a minor ’80s horror/sci-fi classic despite that. The premise is irresistible pulp, dressed in ’80s neon teen fashion—a group of kids hide out in the mall past closing time so they can party (and score) in one of the furniture stores overnight. Little do they know, however, that the mall recently unveiled a new fleet of deadly efficient security robots that are, shall we say, more than a little twitchy. The cast gives us Kelli Maroney, who also appears in the similarly teen-inflected Night of the Comet, and Roger Corman regular Dick Miller as the janitor, once again playing his signature role: “that guy who gets killed in an ’80s horror movie.” It’s a desperate fight for survival as the kids face off against the robots like the zombies of Dawn of the Dead, except with much more gallows humor. Today, genre fans are likely to fondly remember Chopping Mall for the fact that it contains one of the greatest single practical effects of the era; the graphic explosion of Suzee Slater’s head, followed by the robot’s wry line of “Thank you, have a nice day.” You’ve gotta love it. —Jim Vorel

39. Trẻ em của ngô

Không thường xuyên là người lớn nên là những người sợ xem một bộ phim kinh dị với trẻ em, nhưng thật khó để không nhìn vào trẻ em khác sau những đứa trẻ của những đứa trẻ năm 1984 Các phụ của người lớn. Bộ phim tập trung vào một giáo phái trong một Gatlin hư cấu, Nebraska, do nhà truyền giáo trẻ em Isaac dẫn đầu, người bị thuyết phục bởi một thực thể có tên là người đi sau những hàng mà tất cả người lớn trên 18 tuổi nên lấy rìu. Chúng tôi thấy Burt và Vicky (do Peter Horton và Linda Hamilton thủ vai) đấu tranh để thoát khỏi thị trấn nhỏ sau khi lái xe qua và đánh một cậu bé sắp chết với chiếc xe của họ. Có rất nhiều nỗi sợ hãi và hình ảnh đáng sợ, nhưng giống như bất kỳ bộ phim kinh dị hay nào, đó là một bình luận về xã hội, con người, và giống như Chúa tể của những con ruồi trước đó, câu chuyện dựa trên Stephen King này nhìn về phía trẻ em của chúng ta để chỉ ra những điều kỳ lạ của chúng ta trong sự kỳ lạ của chúng ta trong chúng ta văn hóa (bao gồm cả một nỗi ám ảnh với tôn giáo). Cấmtyler Kane

40. C.H.U.D.

Xem trên Amazon Prime

Nó là viết tắt của những người dân dưới lòng đất ăn thịt người ăn thịt người, nếu bạn đang tự hỏi. C.H.U.D. là một sản phẩm của thời đại của nó, bộ phim kinh dị giữa thập niên 70/đầu thập niên 80, tự đặt mình ở thành phố New York cấp đường phố khi Big Apple nổi tiếng là vụ án tội phạm của quốc gia. Cynical như địa ngục, nó tưởng tượng một chủng tộc quái vật ăn thịt người được tạo ra bởi chất thải độc hại đổ vào cống thoát nước New York, nơi nó biến đổi dân số vô gia cư địa phương. Trong quá trình thực hiện, nó giống như một bộ phim Troma có ngân sách lớn hơn, duy trì một thẩm mỹ nghiệt ngã và vô vị mà vẫn có chất lượng đáng nhớ khó xác định. Tôi nghĩ rằng các hiệu ứng là một phần của điều đó, nhưng thoáng qua. Tôi nhìn vào cảnh này của một C.H.U.D. Bị chặt đầu và có thể quyết định xem nó có khủng khiếp, tuyệt vời hay tuyệt vời hay không. C.H.U.D. đã sống toàn bộ cuộc sống thứ hai là tài liệu hài kịch, với các tài liệu tham khảo từ The Simpsons đến một trò chơi khăm Cá tháng Tư từ Bộ sưu tập Tiêu chí. - Jim Vorel

Bộ phim đáng sợ nhất Top 5 là gì?

Bộ phim kinh dị số 1 trên thế giới năm 2022 là gì?

Ai là nỗi kinh hoàng lớn nhất ở Hollywood?

Bộ phim kinh dị nguy hiểm nhất là gì?