5 phim hài hàng đầu mọi thời đại năm 2022

Những bộ phim hài hước nhất có xu hướng đào sâu vào bộ não của chúng ta như không có hình thức giải trí phổ biến nào khác. Thông qua các quan điểm lặp đi lặp lại và trích dẫn về giun tai, họ tạo ra các mẫu vô thức cho các cột mốc và điểm dừng của cuộc sống - hẹn hò, các chuyến đi đường, kinh nghiệm đại học, hôn nhân, thế giới làm việc - và nhắc nhở chúng ta về những khoảnh khắc cũng như toàn bộ thời đại. Họ thực phẩm và trị liệu thoải mái, phê bình nghệ thuật và văn hóa cao, nép mình một cách đáng yêu giữa những câu chuyện cười và những cú đấm của háng.

Những bộ phim hài hay nhất cũng được hưởng một sự tự do dường như không phù hợp trong hầu hết các phương tiện truyền thông khác, với thời gian chạy cho phép họ phát triển các thế giới phức tạp nhưng khép kín, tự chọn đầy đủ của diễn xuất, chỉnh sửa và các tùy chọn âm nhạc, và (thường xuyên ) X Xếp hạng cung cấp cho họ phạm vi chuyển động nghệ thuật thích hợp. Hài kịch là chủ quan, chúng tôi liên tục nói. Có thể, nhưng nếu một cái gì đó buồn cười trong nhiều thập kỷ, nó rõ ràng tiếp cận giữa các nền văn hóa và bối cảnh để điều chỉnh núm vú tập thể của chúng ta vì một lý do.

Dưới đây là những lựa chọn của chúng tôi cho những điều tốt nhất của tốt nhất.

20. & nbsp; không gian văn phòng & nbsp; (1999)

Trước & nbsp; Office & nbsp; không gian, hầu hết mọi người đều biết về sự thô bỉ của Mike Judge nhưng công việc nhận thức thông qua & nbsp; beavis & nbsp; và & nbsp; butthead, chỉ gợi ý về thế giới quan (nếu không bình đẳng) của thế giới; Mọi người có thể ngay lập tức liên quan đến điều này & nbsp; vũ trụ màu be đáng sợ, trong đó các báo cáo của TPS, sự lặp lại của tâm trí và TGI & NBSP; tinh thần đồng đội theo phong cách Thứ Sáu trở thành dịp cho các ghi chú lĩnh vực vô lý lặng lẽ về sự phục vụ của công ty. Chọn những trò đùa, như David Herman (a.k.a. & nbsp; Michael Bolton) từ chối bài hát Scarface của mình khi một anh chàng da đen đi ngang qua xe của anh ta, biến Lazy & nbsp; nhập vai văn hóa thành & nbsp; cắt bình luận xã hội. Hầu hết đã trở thành một phần của từ vựng. Tất cả đã có tuổi gây sốc tốt.

19. Clueless (1995)

Thường bị coi là một viên nang thời gian phủ kẹo của văn hóa tuổi teen của thập niên 90, & nbsp; Cluless & nbsp; là (như bất kỳ người hâm mộ thực sự nào cũng biết) một bộ phim hài kinh điển về cách cư xử và phê bình xã hội lấy cảm hứng từ Jane Austen, & NBSP; Emma. Let & nbsp; Nhiều bộ phim hài hay nhất muốn đảm bảo rằng bạn đã xem những kẻ dưới danh sách đen tối của họ, nhưng As & nbsp; Mead Girls & NBSP; và những người khác đã được chứng minh, những bộ phim gây cười không bắt buộc phải rung động theo tần suất bạo lực hoạt hình và tinh tế (hoặc tinh tế (hoặc không) misogyny để tạo ra dấu ấn của họ.

18. & nbsp; Rushmore & nbsp; (1998)

Sự hài hước của Rushmore, là loại nấu chín chậm, gia vị tinh tế, nhưng đầy đủ để đảm bảo các chuyến thăm lặp lại. Một triệu học sinh trung học, hipster đại học, và những cánh đồng của Holden ở mọi lứa tuổi đã được xác nhận bởi các nhân vật khốn khổ, tự ám ảnh và nhạc phim được quản lý chuyên nghiệp. , & nbsp; nhưng đã không đi bonkers với sự phối hợp màu sắc và ảnh hưởng dễ thương (như với hầu hết mọi thứ anh ta đã làm kể từ đó). Nó có liên kết còn thiếu giữa & nbsp; Harold và Maude & nbsp; và & nbsp; Scott Pilgrim so với thế giới, một bộ phim sắp đến tuổi mà không bao giờ thực sự muốn lớn lên ngay từ đầu.

17. & nbsp; Anchorman: The Legend of Ron Burgundy & NBSP; (2004)

Việc đúc lý tưởng và hóa học của & nbsp; Anchorman, & nbsp; khách hàng tiềm năng sẽ bị lãng phí mà không có sự tự do để ứng biến hoặc sau đó, chỉnh sửa nhanh nhẹn làm cho nó trở thành một bộ phim siêu thực, táo bạo như vậy. Đêm sau kỳ nghỉ thứ sáu của Adam McKay được xây dựng dựa trên sự quyến rũ mạnh mẽ và ngụy biện của Will Ferrell Turn In & nbsp; Old School, nhưng công tác với sự phát triển nhân vật của Todd Phillips. & NBSP; Các bộ phim hài khác nói chung có một trò đùa thấp đến mức mỗi phút. Giống như chính Ron Burgundy, nó chỉ muốn ở bên bạn.

16. & nbsp; Wayne từ thế giới & NBSP; (1992)

Ồ, để xem bộ phim này với đôi mắt tươi. Mike Meyers và Dana & NBSP; Carvey, & nbsp; khoảnh khắc điện ảnh đẹp nhất (và & nbsp; snl & nbsp; thích ứng) đã chứng minh ngay lập tức có ảnh hưởng và có thể xem lại đến nỗi ít người đủ tuổi để nhớ phát hành của nó có thể tập hợp được những trò chơi tương tự. Điều đó không nên lấy đi từ cách mà đạo diễn Penelope & nbsp; Spheeris & nbsp; chơi với những kỳ vọng của khán giả, biến những người không theo trình tự & nbsp; thành những trò đùa và đưa sự mất trí trực tiếp của ngẫu hứng và phác họa thành một bộ phim kể chuyện. Chỉ có một bộ phim hài đã từng thực hiện những lời sáo rỗng khó khăn hơn & nbsp; Wayne, thế giới & nbsp; (xem bên dưới), và thậm chí điều đó có thể tự hào về các nhân vật đồng cảm như Wayne Campbell và Garth Algar.

15. & nbsp; pee & nbsp;

Nếu & nbsp; Pee Wee, cuộc phiêu lưu lớn & nbsp; là kết quả của một vài kẻ lập dị cổ điển (Paul Reubens và Tim Burton) liên kết với thị hiếu chung của họ - như một người bạn thân của tôi đã từng đặt nó & nbsp; - đó là một phiên liên kết thực sự hoành tráng. Tất nhiên, hướng nghệ thuật hoàn hảo, điện ảnh và biểu diễn don don làm tổn thương. Nhưng theo như những bộ phim hài đường đi đường, rất ít người có thể đứng trước phân tích từng cảnh mà & nbsp; Pee Wee, cuộc phiêu lưu lớn & nbsp; dễ dàng. Quan điểm lặp đi lặp lại chỉ củng cố sự thật kỳ quái của một nhân vật Pee Wee Herman, hay sự đơn giản của bộ phim mà nhịp độ của bộ phim vẫn còn trở nên bất ngờ, & nbsp; Meta-ending theo phong cách Saddles. Hầu hết, nó là một bài học về cách các thế giới quan tích cực truyền nhiễm không bao giờ lỗi mốt khi được thể hiện chu đáo và nghệ thuật.

14. Ghostbusters (1984)

Ivan Reitman, Dan Akroyd và Harold Ramis đã tạo ra một thứ gì đó khác biệt hợp pháp đối với thế giới của & nbsp; Ghostbusters, đã kêu gọi những âm bội ngốc nghếch, đầy sừng của các dự án Ramis/Bill Murray trước đó nhưng thấy nó rất thật và rất đáng sợ, Manhattan. Ngay cả những đứa trẻ, trên những người đứng đầu hầu hết các trò đùa tình dục đã bay, cũng cảm thấy sức mạnh và sự hiện diện của & nbsp; Ghostbuster, & nbsp; Big Apple, gây ra hậu quả sâu sắc cho các hành động và sự không hoạt động của các anh hùng của chúng ta. Điều đó làm cho tất cả ấn tượng hơn về cách mà đạo diễn Reitman và diễn viên xuất sắc của anh ấy từng là một tình huống cho sự vui nhộn, khiến cho sự xấu hổ của sư tử về những bộ phim hài/giả tưởng của những năm 80 khác (trong đó có một số lượng lớn kỳ lạ, nó nên là lưu ý). Bất chấp lời khuyên của Egon, ngược lại, việc vượt qua các luồng đã được đền đáp một cách thủ công, được dẫn dắt phần lớn bởi chủ nghĩa Huckster chủ nghĩa lôi cuốn của Murray.

13. & nbsp; đưa em bé & nbsp; (1938)

Nó rất hấp dẫn để nhóm những bộ phim hài lãng mạn ở một độ tuổi nhất định, đặc biệt là đầu những năm 1930 đến thập niên 40, ngay cả khi họ không chia sẻ nhiều đặc điểm hời hợt. Tuy nhiên, có mối quan hệ họ hàng thực sự trong cuộc đối thoại truyền nhiễm, nhanh chóng và các bài phê bình giai cấp của thể loại bóng chày, ít nhất là được thể hiện bởi các bậc thầy như Frank Capra, Howard Hawks, Preston Sturges và những người khác. Các bộ phim hài bóng chày đã giúp xoa dịu những căng thẳng và lo lắng thời kỳ trầm cảm, cả bên ngoài và bên trong, và thiết lập tiêu chuẩn cho Repartee dí dỏm. Giữa & nbsp; Nó đã xảy ra một đêm & nbsp; và rất nhiều đứa con đẹp trai của nó, gần như không thể chọn một ví dụ dứt khoát, nhưng kịch bản, diễn xuất và đáng kinh ngạc khi đi bộ của Hawks '& nbsp; Hepburn và Cary Grant, & nbsp; cho nó một chân lên gần như tất cả những người khác. Mặc dù có những lời chỉ trích ban đầu rằng nó quá phái sinh và đáng sợ, một vài bộ phim, hài hay nói cách khác, đã chứng tỏ bản thân rất hiệu quả một cách tàn nhẫn đối với những người xem lần đầu quyến rũ.

12. & nbsp; nhà độc tài vĩ đại & nbsp; (1940)

Sự châm biếm chính trị của & nbsp; nhà độc tài vĩ đại & nbsp; bắt nguồn từ những quan niệm vượt thời gian về chủ nghĩa phát xít và sự vâng lời, nhưng thương hiệu đặc biệt của nó được xác định rõ ràng đến nỗi nó nâng cao & nbsp; nhà độc tài & nbsp; trên các ví dụ khác của & nbsp; Charlie Chaplin. Nó có thể chia sẻ một sự rộng lớn nhất định với & nbsp; light city & nbsp; và & nbsp; thời hiện đại, nhưng thực tế là nó được thực hiện trước khi thế giới biết mức độ của những nỗi kinh hoàng của Đức Quốc xã (Chaplin được báo cáo là hầu hết, anh ấy đã kết nối với châu Âu), chỉ Làm cho sự hấp dẫn thứ ba của nó đối với sự khoan dung sâu sắc hơn. Tôi luôn nghĩ về bạn như một người Aryan, một chỉ huy người Tomanian (a.k.a. người Đức) nói với người thợ cắt tóc, người đeo thòng lọng quanh cổ, sắp bị treo trên cột đèn bởi một người lính he-heiling. Tôi là một người ăn chay? Anh ấy cung cấp sự hiền lành. Buster Keaton có thể đã mạo hiểm cuộc sống và chân tay hơn một chút trên trường quay năm 1926, cũng cần thiết & nbsp; The General, & nbsp; nhưng ở đây Chaplin đã sử dụng hài kịch để chấp nhận rủi ro chính trị thực sự trên sân khấu thế giới.

11. Airplane! (1980)

Một số ít các bộ phim trở nên thành công, họ sinh ra toàn bộ các thể loại phụ, và trong khi & nbsp; máy bay! & NBSP; chắc chắn là con đẻ của bất kỳ số lượng cha mẹ zany, hoạt hình, ở đó, không bao giờ là một đứa trẻ như nó, kể từ đó. Nhìn bề ngoài, nó là một sự nhại lại của cơn giận dữ thảm họa thời thượng của những năm 70, nhưng bất cứ ai đã ghi nhớ cuộc đối thoại nhào lộn của nó và nhịp độ tàn nhẫn của nó đều biết Jim Abrahams và Zucker Brothers đã vĩnh viễn đưa ra các trò chơi chữ và ngắm cảnh. Anh em nhà Farrelly có thể đã điều chỉnh công thức bằng cách quay số các ô phụ lãng mạn và treacly, và & nbsp; South Park, Trey Parker và Matt Stone cũng dựa vào những trò đùa trực quan, không thực tế, không thực sự. Nhưng như một cơn lốc của sự thiêng liêng thần thánh xé toạc mọi thứ xung quanh nó, & nbsp; máy bay! & Nbsp; vẫn còn tàn phá duy nhất.

10. The Jerk (1979)

Finding a more likable lead than Steve Martin would have been impossible for this fish-out-of-water tale, which was inspired by a single line in Martin’s standup act and traces Navin R. Johnson’s rise from a poor “black” child to a wealthy, accidental inventor – and back to the literal gutter again. Like Being There, the lead’s innocence and simplicity is contrasted to great effect with the cold, hard world around him. Palpable chemistry between Martin and Bernadette Peters elevates what could have been a casually sketched love story into something classic, dignified, and sweet. Martin is eager to please in his first starring role, never turning up his nose at a dumb bit of humor. That helps separate The Jerk from a lot of the tortured, gritty stuff around it. Like a silent movie (with bells and whistles) or a talkie that walks (and stumbles, and crashes to the ground), its core is the sparkle-eyed hopefulness of The American Optimist. However moronic.

9. Raising Arizona (1987)

Ranking this visual tour-de-force above the more nuanced, patient, and self-consciously epic The Big Lebowski is tough, since the latter shows everything the Coen Brothers learned in the decade that separates the two films. But it also reinforces how utterly accomplished Raising Arizona was from the start, its fractured take on the American Dream dripping with a heartbreaking and visceral realness. Nicholas Cage gives a cringe-inducing performance as a hopeful punching bag whose physical and psychic environment buzzes with constant threats, grand literary motifs, poopy diapers, and creepy, deluded friends and foes, and Holly Hunter emotionally dominates every scene she’s in. There’s not a line or glance that doesn’t achieve its full potential, and much like Lebowski, it manages to make suffocating stillness and kinetic explosions of action look like different limbs of the same smoke-stained, beer-swilling underdog.

8. This Is Spinal Tap (1984)

Before Best in Show, or the ballsy, genuine awkwardness of Borat, there was Spinal Tap, the film that launched dozens of catchphrases and a handful of brilliant careers. Rob Reiner’s instinct to dive headfirst into hard-rock clichés was spot-on, although watching it now it’s hard to believe this is the same guy who would later make When Harry Met Sally (a film that, to be fair, set its own stylistic templates but did so with far fewer laugh-out-loud moments). Spinal Tap is brilliant not because it’s universal, though you’d be hard-pressed to find a comedy or music aficionado who didn’t love it, but because it achieves perfection in the relatively tiny pond it sets out to drain. Creatively and as an industry, music has devoured and crapped itself out several times over since Spinal Tap came out, but this daddy of all mockumentaries reassures us there will always be a place for big bottoms, love pumps, and anything that goes to 11.

7. Caddyshack (1980)

You don’t need a black light to see the fingerprints of Caddyshack on countless contemporary ensemble comedies. But in choosing Caddyshack over its anarchic spiritual brethren, such as John Landis’s Animal House and Blues Brothers, or director Harold Ramis’ almost-as-stellar Vacation, one must acknowledge the unmatched zeal and affection it shows for freaks, misfits, and outcasts of all stripes. Pick any scene in the film and you’re likely to see an example of something Ramis and his cast and crew either invented or perfected in the realm of feature-length comedy. Perhaps it’s not surprising that lead writer Brian Doyle-Murray based it largely on real-life experiences, given how specific most of the situations feel. But it’s also a tour-de-force of improvisational filmmaking, as any Caddyshack buff can tell you, a loosely-scripted lark that evolved significantly as it was created. Chevy Chase, Bill Murray, and Rodney Dangerfield form the heart of the movie in all their gangly, immature glory, but it remains a loose, youthful, and living thing, as well as the quintessential late ‘70s/’80s comedy, because it began as one.

6. Annie Hall (1977)

Woody Allen’s New York is as lovingly rendered in Annie Hall as his Los Angeles is thin, vacuous, and disposable, which makes it all the more impressive how well he and Diane Keaton ground the film in a frustrated romantic reality. Fans of early Allen fantasies like Bananas and Sleeper could scarcely have predicted the level of autobiographical candor he brought to Annie Hall, which essentially set the beats and structure of the modern, dialogue-driven romantic comedy. Allen’s portrayal of the neurotic, existentially tortured comedian Alvy Singer bucks all assumptions about whether or not thoughtful, savagely clever films can make it at the box office – or become the rare comedy to win a Best Picture statuette. As with relationships in general, we willingly submit to its melancholy hazing from time to time because it reminds us how fragile, temporary, and thrilling life can be. The sorrow! The pity! The mantras!

5. Duck Soup (1933)

If it wasn’t already clear that the Marx Brothers were a team effort, their best film – the bonkers-by-any-standard Duck Soup –  was neither written nor directed by Groucho, Harpo, Chico, and Zeppo. That’s not uncommon for the time period, but it’s more proof that great performances can own a film. Amid contract disputes and uncertainty with Paramount Pictures, the brothers managed to turn a quasi-political farce about the invented country of Freedonia into the most consistent example of slapstick genius and vaudeville-indebted routines in film history. Never mind the embarrassment of purely visual riches, such as Harpo’s mirror scene, or Harper and Chico teaming up to drive a lemonade salesman nuts. The film’s subversive takes on sex and the evils (and idiocy) of war deepen the riotous physicality in a way that also-excellent Marx Brothers films like Animal Crackers, Horse Feathers, and A Night at the Opera never could.

4. Monty Python and the Holy Grail (1975)

Plenty of Python fans will fist-fight you over which sketch or character is their favorite (and therefore best), but there’s little question that Holy Grail is the British outfit’s most fiendishly inspired full-length outing. Like Life of Brian and The Meaning of Life, both of which came after Holy Grail, it’s chiefly concerned with slathering Python’s devastating wit and surreal ideas over implicitly Big-Picture topics like mortality, the innate dignity of the soul, political repression, and more. Unlike those films, it’s got an urgency born from its production particulars (having been conceived between seasons 3 and 4 of their TV series), a relatively paltry budget, and the fact that the Pythons successfully translated their fearless experimentation from television to the big screen. Like the Beatles bouncing dozens of tracks to preciously small amounts of 4-track tape, this Arthurian fable is densely packed with superb ideas executed flawlessly.

3. Some Like It Hot (1959)

Before Tootsie, Mrs. Doubtfire or The Birdcage, Some Like It Hot mined plenty of good-natured humor from the world of gender-bending, as the totally-game and beautifully paired Jack Lemmon and Tony Curtis proved when they donned dresses, wigs, and thick makeup to escape the mob, swiftly falling in with the already-famous bombshell Marilyn Monroe. Some Like It Hot rests near the top of director Billy Wilder’s intimidating list of cinematic triumphs largely because of its painstaking craft, which maximizes every angle, line of dialogue, and second of the viewer’s attention. Add to that three of the most iconic, magnetic, easygoing (on screen, anyway) personalities of 20th century Hollywood, a gorgeously black-and-white look that bucked the colorization trend of the late 1950s, and – oh yeah – crack comedic timing and genuinely outlandish situations, and you’re left with one of the most exuberant, endlessly watchable films in the English language.

2. Dr. Strangelove (Or How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb) (1964)

Stanley Kubrick’s black humor is evident in all his best work, but this Cold War masterpiece shows what happens when biting political satire rams headlong into a razor-sharp script (adapted from Peter George’s Red Alert, with his help) and arguably the most detail-oriented comedic acting in film history. Peter Sellers is (still) a scene-stealing revelation as multiple, equally ludicrous characters, particularly the film’s ex-Nazi namesake. Sterling Hayden’s General Ripper and his obsession with precious bodily fluids still rings true and loud on so many levels, as does the scathing commentary on global brinksmanship that could have been written last year instead of a half century ago. As provocative as it is symbolic, it’s one of the most visually and tonally influential comedies of all time because it works hard for each and every laugh it gets, and assumes nothing of the viewer except a brain and a sense of humor.

1. Blazing Saddles (1974)

It’s not that Blazing Saddles has a heart. If anything, the expert slapstick and loopy dialogue conceals a vicious hatred of charlatans and power-trippers of every type. Its red-hot branding iron reserves pity for no one. It’s that even when it’s their stated intention or ambition, most films fail to portray enduring truths about race, gender, tribalism, politics, friendship, and shotgun blasts of campfire flatulence with a tenth of the guts or glory of Mel Brooks’ best movie. Even calling it that is saying a lot, considering this is the guy who made The Producers and Young Frankenstein. But as every movie that’s been released since Blazing Saddles has proven, it’s not simply the quintessential Western comedy, or the quintessential comedy about America in all her contradictions, failings, and victories. It’s the quintessential filmed comedy because everything about it resonated on its first outing, and continues to resonate on each successive go-round. There’s stunning variety in the writing (courtesy of Brooks, Richard Pryor, Gene Wilder and others) and an almost otherworldly quality to the assured performances, a far-head-of-its-time prescience in the subject matter, and a vulgarity that sounds shocking anywhere, at any time. Maybe it’s because we’re still struggling with the same issues today as we were in 1974, or 1874. Maybe it’s because it’s a film about the very nature of films, a reckoning of the lies Westerns told us. It’s everything it can and should be. As Harvey Korman’s Hedley Lamarr says at one point, “My mind is a raging torrent, flooded with rivulets of thought cascading into a waterfall of creative alternatives.” To which Slim Pickens’ Taggart replies, “God darn it, Mr. Lamarr, you use your tongue prettier than a twenty dollar whore.”